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pan y cine y el santo

Murió Bruno S.


Músico callejero convertido en actor principal en los Clásicos de Herzog. En su accidentada vida, llegó a ser torturado por nazis en un laboratorio.
[Douglas Martin] Escribía canciones y las cantaba en las calles de Berlín. Una de ellas giraba sobre un niño pobre que creció deseando tener un caballito. El caballo llega años después, tirando del carro fúnebre de su madre.
El hombre que la cantaba, con voz ronca, acompañándose a sí mismo con acordeón y xilófono, era conocido como Bruno S. Era un músico callejero, pintor, operador de montacargas en una fábrica de acero y, una vez, paciente mental. Pero, quizás más notablemente, fue el actor principal de una película que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1975.
Su nombre completo, que rara vez usó, era Bruno Schleinstein. Murió el miércoles a los 78 años en Berlín, de acuerdo a la Agencia Alemana de Prensa, que citaba a su amigo, el artista Klaus Theuerkauf.
Werner Herzog, uno de los innovadores del cine alemán de posguerra, llamó dos veces a Bruno para actuar representándose en realidad en gran parte a sí mismo: un personaje deteriorado, pero de algún modo trascendente.
La primera de esas películas, la que ganó en Cannes, fue ‘El enigma de Gaspar Hauser’ [The Enigma of Kaspar Hauser] (1974), basada en una historia verídica. En la película el personaje representado por Bruno aparece en una plaza en Nuremburg en el siglo diecinueve. No puede hablar y apenas se tiene en pie, porque aparentemente había sido encerrado en un calabozo. La única clave para su identidad es un papel donde se indica su nombre, Gaspar, y se pide que se le haga soldado.
Gaspar aprende a hablar y a leer y escribir y luego, de modo tan misterioso como su apariencia, es asesinado.
La actuación de Bruno llevó a Richard Eder, del New York Times, a escribir: "El extraordinario rostro de Gaspar, sus ojos estirados para ver mejor, toda su postura sugiriendo un hombre que trata de tragar, de entender un mundo extraño, es la imagen central de la película".
Mientras aprende a hablar, Gaspar siente repelencia por gran parte de la sociedad. "Los hombres son como lobos para mí", dice. No tiene ego: "Nada vive menos en mí que mi propia vida".
"La historia de Gaspar es todavía más fascinante que la de Jesúcristo", dice Anaïs Nin en un anuncio de la película.

Bruno Schleinstein nació en Berlín el 2 de junio de 1932. Algunas versiones dicen que su madre, una prostituta, le golpeó tan brutalmente que a los tres le dejó temporalmente sordo. Luego lo internaron en un hospital psiquíatrico, donde fue sometido a experimentos nazis sobre niños con discapacidad mental.
Nadie lo visitaba, ni siquiera los parientes que conocía. Pasó veintitrés años de su vida en instituciones, incluyendo cárceles y refugios para indigentes. Cuando empezó a vivir solo, se metía a coches para pasar la noche abrigado.
De adulto tuvo varios trabajos, incluyendo el de operador de montacargas, y empezó a cantar en terrazas en Berlín en la tradición oral que inspiró ‘La ópera de tres peniques’ [Threepenny Opera].
Bruno decía que él no cantaba canciones, sino que las transmitía. Una canción, ‘Thoughts Are Free’, giraba sobre la imposibilidad de encontrar refugio, incluso en los propios pensamientos.
Herzog vio a Bruno por primera en un documental sobre músicos callejeros de 1970.
"Supe de inmediato que podía ser el personaje principal en ‘Gaspar Hauser’, dijo Herzog en una entrevista con NPR en 2006. Bruno no quería que su nombre se diese a conocer, así que Herzog empezó a llamarlo "el soldado desconocido del cine". Durante el rodaje, dijo Herzog, Bruno sufrió momentos de "extrema desesperación", y empezó a hablar, a gritar a veces en medio de una toma y seguir gritando durante dos horas.
La segunda película, ‘Stroszek’ (1977), se basó en su vida; Herzog escribió el guión expresamente para él. Algunas escenas fueron rodadas en el propio departamento de Bruno. En la película, Bruno, una prostituta a la que conoce y su vieja casera se mudan a los míticos Railroad Flats, Wisconsin, donde viven en una caravana.
En la película, Bruno, que se refiere a sí mismo en tercera persona, hace agudos comentarios sobre Estados Unidos. "A Bruno todavía lo empujan", dice, "no físicamente, sino espiritualmente; aquí te hieren incluso con una sonrisa".
Bruno dijo en entrevistas que nunca quiso ser una estrella de cine; y con el tiempo se desvanecieron los beneficios de la fama, aparte los ocasiones cortes de pelo gratuitos de parte de un peluquero amistoso.
"Todos lo empujaban a un lado", dijo Bruno sobre sí mismo.
Continuó ganándose la vida con su música y sus pinturas, algunas de las cuales fueron suficientemente convincentes como para ser expuestas en exposiciones del llamado outsider art, incluyendo una en Nueva York. Cuando tocaba en la calle, nunca pedía dinero. A veces un amigo pasaba el sombrero por él. Vivía de una pequeña pensión. Aparentemente no deja sobrevivientes.
En 2002, el director alemán Miron Zownir hizo un documental titulado ‘Bruno S. — Estrangement Is Death’. En este, Bruno responde a los muchos que temían que hubiese sido explotado por Herzog.
"Tengo mi orgullo y puedo pensar", dijo, "y mi mente es clara".
7 de septiembre de 2010
14 de agosto de 2010
©new york times
cc traducción mQh

Murió Satoshi Kon


Murió el 25 de agosto en Tokio, a los 46 años, Satoshi Kon, un importante director de cine de animación japonés.
Falleció a consecuencia de un cáncer al páncreas el aclamado director de cine de animación japonés, Satoshi Kon, conocido por ‘Los padrinos de Tokio’ [Tokyo Godfathers], ‘La actriz del milenio’ [Millennium Actress] y otras películas. Tenía 46 años.
Considerado uno de los directores de películas animadas más interesantes de Japón, Kon nació en 1963 en la isla de Hokkaido y debutó como dibujante de cómics a los 23, cuando todavía estudiaba arte en la Universidad Artística Musashino, cerca de Tokio. Empezó a hacer películas animadas hacia 1990, estableciendo un estilo que borraba los límites entre realidad y fantasía.
Kon murió el martes, informó su esposa Kyoko en una declaración subida a su página web oficial, Kon’s Tone.
En su película ‘Los padrinos de Tokio’, de 1963, que fue nominada a un Oscar, basada libremente en la película de John Ford ‘Tres hijos del diablo’ [3 Godfathers; Tres padrinos ], de 1948, Kon retrató a tres personas en situación de calle en lugar de tres vaqueros, rompiendo con la imagen limpia y lujosa de la capital japonesa. Los personajes de Kon -una reinona, una chica escapada de la secundaria y un ex profesional de la bicicleta- recogen a un bebé abandonado en un vertedero el día de Navidad y se proponen buscar a sus padres.
La película ‘Paprika’, de 2006, basada en una novela del popular escritor Yasutaka Tsutsui, utiliza las técnicas de animación más revolucionarias y ganó un premio en el festival de cine de animación de Bruselas en 2007. Kon estaba trabajando en su primera película para niños, ‘The Dreaming Machine’, cuando lo sorprendió la muerte.
En una declaración de despedida publicada el miércoles, Kon dice que su doctor le dijo en mayo que tenía un cáncer terminal al páncreas que se había extendido a los huesos, y que tenía como máximo seis meses de vida. Dos meses después, su salud empeoró y su doctor dijo que sus días estaban contados. Así que decidió volver a casa a morir, escribió.
"Lo que más lamento es ‘The Dreaming Machine’", escribió. "Me preocupa la película y el personal".
La película está basada en una historia y personajes originales y una exclusiva visión del mundo que nadie "excepto Satoshi Kon podía ni entender ni crear", dijo.
Agradeció a sus padres, su esposa y sus admiradores por su apoyo.
"Gracias a todos", escribió. "Ahora tengo que marcharme".
27 de agosto de 2010
©legacy
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Murió Priscillano Romanillos


Dibujante del canalla ‘Mulan’ y otros personajes de Disney y DreamWorks.
[Charles Solomon] Falleció Priscillano ‘Pres’ Romanillos, dibujante de animación que dio vida al atlético nativo americano Little Creek en ‘Spirit: el corcel indomable’ [Spirit: Stallion of the Cimarron], de DreamWorks, y al demonio Shan-Yu en ‘Mulán’ [Mulan], de Disney. Tenía 47 años.
Romanillos murió en su casa en Tujunga, rodeado por sus familiares, amigos y mascotas. La causa de su muerte fueron complicaciones de su leucemia.
Durante su carrera de veintiún años, Romanillos se ganó el respeto de sus colegas artistas por su extraordinario talento para dibujar y su entusiasmo por el arte de la animación.
"Conocí a Pres durante la producción de ‘La sirenita’ [The Little Mermaid], cuando estaba haciendo la práctica como dibujante de animación, recién salido de la academia de arte", dijo el dibujante de Disney, Ruben Aquino. "Desde el principio, me impresionó la belleza de su arte, pero incluso más su increíble pasión por los dibujos animados".

Nacido en  Zamboanga en Filipinas el 11 de enero de 1963, Romanillos llegó a Estados Unidos en 1971, con su familia, y se crió en Queens, Nueva York. A los nueve, su hermano mayor, Bob, empezó un curso de dibujo por correspondencia, pero perdió el interés. Romanillos empezó a hacer los deberes, y más tarde estudió en la Escuela de Artes Visuales de Manhattan.
Tras egresar, llegó a los Estudios Walt Disney en 1989 como aprendiz de dibujante en ‘La sirenita’. Trabajó como asistente de animación en ‘Bernardo y Blanca en Cangurolandia’ [The Rescuers Down Under], ‘La bella y la bestia’ [Beauty and the Beast] y ‘Aladino’ [Aladdin], y fue ascendido a dibujante de animación con la película ‘Pocahontas’ (1995), en la que se dedicó al pequeño personaje.
"A Pres le encantaba dibujar", dijo Glen Keane, que fue mentor de Romanillos.
"Cuando llegaba al borde del papel, seguía dibujando; seguía dibujando personajes en la madera de la mesa de escritorio". Ese escritorio está ahora en la Disney Animation Research Library.
"Cuando llegó el momento de hacer ‘Pocahontas’. Pres estaba listo para el ascenso", dijo Eric Goldberg, que dirigió la película con Mike Gabriel. "Su primera escena de prueba fue dibujar los delicados pies de Pocahontas metiéndose en el agua al principio de la canción ‘Just Around the Riverbend’. Quedó tan bello, que Mike y yo nos miramos brevemente y dijimos: "Sí, tú eres el nuevo dibujante".
En el estudio Art Disney de Florida, Romanillos creó su personaje más memorable, Shan-Yu, el brutal comandante del ejército Hun. Richard Corliss escribió en la revista Time: "El malo, un loco del estilo armatoste de la WWF, llamado Shan-Yu, sigue siendo malo, pese a la suavización de sus brutas líneas trapezoidales. No es más que una máquina del mal con dientes de vampiro. El Muro, las extensas llanuras y las montañas, la Ciudad Prohibida misma, todas se encogen de miedo ante su sombra".
Barry Cook, co-director de ‘Mulán’, describió a Romanillos como "una persona tan dulce, que es asombroso que semejante canalla haya salido de su imaginación". Shan-Yu no tenía elementos de comedia. Era un malo confeso que necesitaba sentir que era una amenaza para nuestra heroína. Pres lo lograba de un modo asombroso".
En una entrevista en el estreno de la película en 1998, Romanillos describió al personaje.
"El reto de ponerlo en animación era transmitir su peso y gravedad: él es como la fuerza de una inminente fatalidad", dijo. "Inconscientemente, cuando lo dibujaba me ponía de mal humor. Cuando trabajé en Pocahontas, me iba a casa sintiéndome sexy; con Shan-Yu, mi mujer siempre me preguntaba: "¿Por qué estás tan enfadado?"
Después de ‘Mulán’, Romanillos se pasó a DreamWorks, donde dio vida a varios personajes animados para ‘La ruta hacia El Dorado’ [The Road to El Dorado; Camino hacia El Dorado] (2000), ‘Sinbad: La leyenda de los siete mares’ [Sinbad: Legend of the Seven Seas] (2003), ‘Shrek 2’ (2004) y ‘Madagascar’ (2005). Uno de sus personajes más memorables fue Little Creek, en ‘Spirit’, de 2002, el listo y travieso indio lakota que traba amistad con Spirit.
En 2006, Romanillos empezó a dibujar ‘Life as a Pickle’, un blog sobre los gatos, perros, conejos y otras mascotas que él y su esposa rescataban de refugios animales. El principal personaje era Pickle, un dibujo basado en su regordete y viejo rat terrier. Romanillos utilizó su alter-ego canino para ofrecer una visión ligeramente aturdida de cómo ve un perro el mundo.
Romanillos y su colega dibujante Scott Johnston viajaron a Salamanca, España, en 2007, para ayudar a establecer el estudio de animación Enne. Romanillos dirigió ‘The Old Chair’, una película corta que muestra versiones dibujadas y generadas por ordenador de Pickle y otros personajes del blog.
Durante la producción le diagnosticaron leucemia y volvió a Estados Unidos. Después de un transplante de médula ósea, hizo su último trabajo de animación para ‘La princesa y el sapo’ [The Princess and the Frog; Tiana y el sapo’, de Disney, y para ‘Dhrek para siempre’ [Shrek Forever After], de DreamWorks.
"Pres era uno de nuestros artistas más respetados y queridos", dijo el presidente ejecutivo de DreamWorks Animation, Jeffrey Katzenberg. "Todos nosotros en la comunidad de animación lamentan profundamente la pérdida de Pres... aunque su recuerdo y su legado vivirán para siempre en los personajes a los que dio vida con su arte".
Le sobreviven Jeanine, su esposa durante 14 años.
22 de agosto de 2010
21 de julio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Maury Chaykin


Actor de carácter.
[Bruce Weber] Murió el martes, cuando cumplía 61 años, en Toronto, el ubicuo actor de carácter Maury Chaykin, que se especializaba en papeles cómicos con inquietantes trasfondos y personajes.
La causa de su muerte fueron complicaciones de una infección a la válvula cardiaca, informó su hermano Dan. Chaykin tuvo numerosos problemas médicos en los últimos años, contó su hermano.
Hombre fornido de expresivos rasgos, Chaykin era el tipo de actor cuyo nombre lo conocían unos pocos, pero su cara, muchos. Su carrera en el cine duró 35 años, y apareció en decenas, sino cientos de películas y series de televisión, la mayor parte de las veces en papeles secundarios o actuaciones especiales.
Fue mejor conocido por tres de estos. En el extenso western épico, galardonado con un Oscar, ‘Bailando con lobos’ [Dances With Wolves; Danza con lobos] (1990), Chaykin fue el Mayor Fambrough, el oficial de ejército que, cuando se trastorna, entrevista al personaje de Costner para una misión y lo envía a los rincones más remotos de la frontera; y luego se mata de un tiro.
En ‘Mi primo Vinny’ [My Cousin Vinny] (1922), una comedia con Joe Pesci y Marisa Tomei sobre un abogado primerizo, un italiano-americano de Nueva York que defiende a unos sospechosos de asesinato en el Sur Profundo, Chaykin fue un poco avispado testigo interrogado por el abogado (Pesci).
Y en la serie de HBO, ‘El séquito’ [Entourage], Chaykin apareció varias veces como Harvey Weingard, un intimidante magnate del cine que se supone es una parodia de Harvey Weinstein.
En Canadá, donde vivía, Chaykin tuvo más oportunidades de obtener roles centrales que en Hollywood. Apareció frecuentemente en películas del director canadiense Atom Egoyan, incluyendo ‘El liquidador’ [The Adjuster], ‘Donde yace la verdad’ [Where the Truth Lies] y ‘El dulce porvenir’ [The Sweet Hereafter], en la que destacó como un furioso cornudo.
En ‘Whale Music’, una película de Richard J. Lewis adaptada de la novela de Paul Quarrington sobre un inestable y retraído músico roquero (el personaje evocaba a Brian Wilson, de los Beach Boys), Chaykin tuvo el papel principal y recibió un Genie Award, la versión canadiense del Oscar.
Al momento de su muerte era un invitado habitual de la serie de televisión canadiense, ‘Less Than Kind’, una oscura comedia de situación en la que hace de padre de una familia suburbana disfuncional.

Maury Alan Chaykin se crió en Brooklyn, donde nació el 27 de julio de 1949. Su padre, Irving, un contable que enseñaba en el Baruch College, era estadounidense; su madre, Clarice, enfermera profesional, era de Winnipeg, Canadá, y creció en Montreal.
Chaykin estudió actuación en la Universidad de Nueva York en Buffalo (ahora la Universidad de Buffalo) y trabajó en pequeños teatros en Buffalo y Off Off Broadway en Nueva York. Se marchó a trabajar en un teatro en Toronto en 1974 y finalmente se naturalizó canadiense. (Tenía doble nacionalidad).
Sus dos primeros matrimonios terminaron en divorcio. Además de su hermano, que vive en Hoboken, Nueva Jersey, a Chaykin le sobreviven su madre, de Manhasset, Nueva York; una hermana, Debra Brandwein, de Roslyn, Nueva York; su esposa, la actriz Susannah Hoffmann; y una hija, Rose.
La larga lista de créditos de Chaykin incluye las películas ‘Juegos de guerra’ [WarGames], ‘Padre e hijo’ [Harry & Son], ‘Mrs. Soffel, una historia real’ [Mrs. Soffel], ‘Héroe’ [Hero], ‘Héroes a la fuerza’ [Unstrung Heroes], ‘Un ratoncito duro de roer’ [Mousehunt], ‘Conociendo a Julia’ [Being Julia] y ‘Mystery, Alaska’, y las series de televisión, ‘Boston Legal’, ‘CSI’ y la serie canadiense ‘La femme Nikita’.
También fue Nero Wolfe, el detective creado por Rex Stout, en ‘A Nero Wolfe Mystery’, una serie que se mantuvo durante dos temporadas en 2000 y 2001 en televisión por cable. (Timothy Hutton fue su colega Archie Goodwin). Fue un extraño papel principal para Chaykin, el que, en una entrevista con el New York Times en 2000, explicó la excitación que le causaba.
"Hay una valla publicitaria gigante en el Sunset Boulevard, con una foto de mi cara", dijo, refiriéndose a un anuncio de ‘Las arañas de oro’ [The Golden Spiders], la película de televisión por cable que engendraría la serie ‘Nero Wolfe’‘. Pasaba en coche por ahí constantemente, una y otra vez.
22 de agosto de 2010
29 de julio de 2010
©new york times
cc traducción mQh

Murió Patricia Neal


Actriz galardonada con un Oscar saboreó triunfos en una vida llena de tragedias. "A menudo se compara mi vida con una tragedia griega, y la actriz que hay en mí no puede negar la comparación", escribió en su autobiografía ‘As I Am’, de 1988.
[Dennis McLellan] Su vida estuvo marcada por los éxitos profesionales, incluyendo el Tony que recibió por su debut en Broadway en el drama ‘Another Part of the Forest’ (1946), de Lillian Hellman, y el Oscar a la mejor actriz por su papel en el drama ‘Hud, el más salvaje entre mil’ [Hud], de 1963.
Pero para Patricia Neal, la ronca actriz y su fuerte presencia en la pantalla, la vida también estuvo marcada por tragedias personales: la muerte de uno de sus hijos y el daño cerebral de otro, y su propia guerra para superar los debilitantes efectos de un aneurisma roto en su cerebro en 1965, que, por un tiempo, puso fin a su carrera.
"A menudo se compara mi vida con una tragedia griega, y la actriz que hay en mí no puede negar la comparación", escribió en su autobiografía ‘As I Am’, de 1988.
Neal, de 84 años, murió en su casa en Edgartown, Massachusetts, en Martha’s Vineyard, a causa de un cáncer al pulmón. Pero al final dijo a los familiares que se habían reunido en torno a ella la noche anterior: "He tenido una vida preciosa".
Ophelia Dahl, hija de Neal, dijo que su madre, que estaba divorciada del escritor británico Roald Dahl y tuvo una vez una aventura con el actor casado Gary Cooper, "reconocía las extraordinarias oportunidades que había tenido, y también reconocía que ella había tenido cartas malas".
"Lo que pasa con mi madre, es que la pasaba muy bien cuando las cosas iban bien, y encontraba cosas positivas [cuando no era así]", dijo Dahl el lunes al Times.
Después de su Tony a la mejor actriz principal en un pieza para ‘Another Part of the Forest’, Neal fue contratada por Wagner Bros., donde fue incluida en el reparto de ‘John Loves Mary’, una comedia de 1949, con Ronald Reagan y Jack Carson.
En la siguiente década apareció en una serie de películas y programas de televisión en vivo, incluyendo la adaptación cinematográfica de la novela de Ayn Rand, ‘El manantial’ [The Fountainhead], de 1949 (con Cooper en la papel estelar), la clásica de ciencia ficción ‘El día que la Tierra se detuvo’ [The Day the Earth Stood Still] y en el drama ‘Un rostro en la multitud’ [A Face in the Crowd] (1957), del director Elia Kazan.
"Era directa y honesta en su versión de la actuación y eso era muy inspirador", dijo el lunes al Times Richard Schickel. "Como actriz joven, poseía una suerte de tranquila ferocidad. Era una mujer muy noble y emocionalmente muy sincera".
El papel que le reportó a Neal un Oscar, la cansada ama de llaves en ‘Hud, el más salvaje entre mil’, con Paul Newman en el rol principal como el despiadado hijo de un hacendado tejano, fue acompañado de dos tragedias familiares.
En 1960, su hijo infante Theo sufrió daños neurológicos cuando el cochecito que empujaba su niñera fue aplastado entre un taxi y un autobús en Nueva York. Y dos años después, Olivia, la hija de siete años d Neal, murió de encefalitis como consecuencia del sarampión.
Luego, en 1985, un año después del Oscar, Neal, entonces de 39, sufrió la ruptura de un aneurisma cerebral, seguido por dos hemorragias más después de llegar al Centro Médico de la Universidad de California en Los Ángeles, UCLA, donde fue sometida a una operación que duró siete horas.
Neal, que entonces estaba embarazada, estuvo en coma durante más de dos semanas.
Cuando finalmente le permitieron volver a la casa que alquilaba con su marido,  se le paralizó todo el lado derecho y quedó parcialmente ciega, amnésica y sin poder hablar.
Pero Dahl, que se quedó junto a ella en el hospital, la llamó "una formidable luchadora".
Por insistencia de su marido tras volver a Inglaterra tres meses después, Neal fue sometida a una intensa terapia, que incluía natación, caminatas, juegos de memoria y puzzles de palabras.
Odiaba la vida cuando volví por primera vez a Inglaterra", contó Neal más tarde. "Tenía que hacer ejercicios todos los días. Mi marido me enviaba personas para que me enseñaran -tres veces al día. Quería suicidarme, pero no sabía cómo".
Pero a fines de noviembre de 1966, un día que recordaría claramente desde entonces, repentinamente "quise volver a vivir". Dijo: "Cuando desperté, yo llevaba enferma dieciocho meses. La vida me empezó a gustar de nuevo".
En marzo de 1967, Neal hizo su primera aparición pública desde que cayera enferma. Por insistencia de su marido, habló en Nueva York ante dos mil personas, en una beneficencia para la Asociación Neoyorquina para Niños con Lesiones Cerebrales [New York Association for Brain Injured Children].
En ese discurso, habló sobre sus amigos que, con increíble paciencia, habían luchado para convertir a "una completa idiota... a un enorme repollo rosado... en un ser humano".
Y atribuyó su curación a Dahl: "Mi marido es un gran hombre. Lo amo".
Sin embargo, en su autobiografía, Neal escribió que cuando se casó con Dahl, no lo quería, pero que lo admiraba y quería tener hijos con él. Mientras el público de Nueva York aplaudía su discurso, escribió más tarde en su libro: "[...] En ese momento supe que Roald el Negrero, Roald el Bastardo, con su implacable azote, Roald el Corrupto, como le había llamado más de una vez, me había metido nuevamente en aguas turbulentas. Ese era mi lugar".
Fue su marido quien la alentó a asistir a la ceremonia de la Academy Awards en 1967 para entregar el premio a la mejor película extranjera. Como ocurrió con su discurso en Nueva York, recibió una ovación de pie.
Neal volvió a la gran pantalla con el drama ‘Historia de tres extraños’ [The Subject Was Roses], de 1968, con Jack Albertson y Martin Sheen. Su retrato de la madre de un soldado que vuelve de la Segunda Guerra Mundial, que debe aceptar el atormentado matrimonio de sus padres, le ganó una nominación al Oscar.
Tras definir el retorno de Neal a las pantallas como "triunfal", el crítico de cine del Times, Charles Champlin, observó que "lo que parecen ser las únicas leves huellas de sus problemas físicos -una ligera y ocasional premeditación en los movimientos y al hablar- se funden con credibilidad en el retrato".
Neal recibió luego una nominación a un Emmy por su papel como Olivia Walton en la película de televisión de 1971, ‘The Homecoming: A Christmas Story’. También fue nominada a un Emmy por sus papeles en el drama ‘Tail Gunner Joe’, de 1977, y en ‘Sin novedad en el frente’ [All Quiet on the Western Front], una producción de Hallmark Hall of Fame de 1979.
Entre sus últimas actuaciones se encuentra la película de Robert Altman, ‘La fortuna de Cookie’ [Cookie’s Fortune], de 1999.

Nació como Patsy Louise Neal el 20 de enero de 1926, en un campamento minero en Packward, Kentucky, donde su padre era el encargado de transportes de la compañía carbonífera. En Knoxville, Tenneesee, adonde se mudó la familia cuando ella estaba en la escuela primaria, fue una chica precoz y mostró talento para recitar monólogos en reuniones en la iglesia.
Sus padres la estimularon, y recibió clases de teatro a los doce. Actuó con los Tennessee Valley Players y estudió teatro en la Universidad Northwestern.
Después de dos años allá, Neal se marchó a Nueva York, adonde llegó en 1945 con sesenta dólares en el bolsillo y una ardiente ambición.
El dramaturgo Eugene O’Neill se interesó en ella y de ahí surgió que la contratara el Theatre Guild para aparecer en un ensayo de verano de una pieza de teatro en Westport, Connecticut. Allá fue vista por Lillian Hellman, que la abordó para ‘Another Part of the Forest’.
Después de fimar con Warner Bros., Neal hizo trece películas en tres años, incluyendo el drama ‘El rey del tabaco’ [Bright Leaf], de 1950, su segunda película con Cooper, y en 1951, el drama de guerra ‘La flota silenciosa’ [Operation Pacific], con John Wayne.
Pero su infelicidad en Hollywood estaba creciendo, en parte debido a su trivial romance con Cooper.
"Era casado", señaló Neal treinta años después, "y se negó a dejar a su esposa. E hizo muy bien". Algunas versiones publicadas sugieren que la aventura, durante la que tuvo un aborto, le provocó una crisis nerviosa.
Tras ser suspendida por Warner Bros., por negarse a aparecer en una película de vaqueros con Randolph Scott, Neal decidió marcharse de Hollywood.
Volvió a Nueva York donde, en diciembre de 1952, presentó un revival de ‘The Children’s Hour’ [La mentira infame]. Más tarde trabajó en Broadway, en ‘School for Scandal’.
En 1953 se casó con Dahl, un piloto de la RAF que había sido derribado al principio de la Segunda Guerra Mundial y asignado a un puesto en Washington, D.C., donde empezó a escribir cuentos.
Tras su matrimonio, compraron una casa en Inglaterra, aunque pasaban parte del tiempo en Nueva York.
Neal reconstruyó su carrera, apareció en ‘A Roomful of Roses’ en Broadway, trabajó con el Actors Studio y fue elegida por Elia Kazan para remplazar a Barbara Bel Geddes en ‘La gata sobre el tejado de zinc’ [Cat on a Hot Tin Roof].
También tuvo un éxito de taquilla con ‘Un rostro en la multitud], con Andy Griffith. En 1960 tuvo un papel secundario en la película ‘Desayuno con diamantes [Breakfast at Tiffany’s].
Después de recibir el Oscar, por ‘Hud’, Neal dijo: "Es extraño descubrir que todavía me quieran. En los últimos años mi vida profesional se divide en dos partes: antes y después de ‘Hud’. No soy una mujer muy ambiciosa y era feliz viviendo con mi familia en el campo, quizás haciendo una película cada tantos años".
Neal y Dahl se divorciaron a principio de los años ochenta después de que descubriera que tenía una aventura con una de sus mejores amigas. Dahl murió en 1990.
Además de su hija Ophelia Neal, sobreviven a Neal sus otros hijos -Tessa, Theo, y Lucy Dahl; su hermana Margaret Ann VandeNoord; su hermano William ‘Pete’ Neal; diez nietos y nietastros; y un biznieto.
Neal, que se convirtió en defensora de los pacientes de derrame, participaba activamente en el Centro de Rehabilitación Patricia Neal en Knoxville desde que lo empezara en 1978.
En 1984 Neal confió a un periodista que estaba cansada de que le dijeran que era aguerrida, valiente y decidida. Dijo que sólo era alguien que había absorbido más que su cuota de mala suerte.
Interrogada en 2002 por un periodista de New Orleans Times-Picayune sobre por qué pensaba que había sobrevivido todo lo que le había pasado en la vida, Neal respondió: "Dios lo sabe, no yo".
"Todo lo que sé es que he tratado siempre de hacer lo mejor que puedo. ¿Te has dado cuenta de que nunca hice a mujeres débiles? Parte de la explicación es mi voz; desconcierta a la gente. Pero la otra parte, creo, debo ser yo".
Valerie J. Nelson y Jack Jones contribuyeron a este artículo.
16 de agosto de 2010
10 de agosto de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Tom Mankiewicz


Guionista de películas de James Bond y Superman y logró hacerse un hueco en el mundo del cine, pese a tener como padre al célebre director Joseph L Mankiewicz, y a uno de los guionistas de ’Ciudadano Kane’, Herman J. Mankiewicz, como tío.
[Valerie J. Nelson] Murió Tom Mankiewicz, guionista que basó su reputación escribiendo para películas con James Bond, como ‘Diamantes para la eternidad’ [Diamonds Are Forever; Los diamantes son eternos], ‘Vive y deja morir’ [Live and Let Die] y ‘El hombre de la pistola de oro’ [The Man With the Golden Gun]. Tenía 68 años.
Mankiewicz, que recibió un polémico reconocimiento por la revisión de la película ‘Superman’ (1978) y su secuela de 1980, murió el sábado en su casa en Los Angeles, después de una breve enfermedad, informó su primo John Mankiewicz.
Hace tres meses, Tom sufrió una operación de Whipple, que se utiliza para tratar el cáncer al páncreas.
Como miembro de la segunda generación del cinematográfico clan Mankiewicz, ha admitido repetidas veces que le intimidaba su familia y su reputación. Su padre, Joseph L. Mankiewicz, ganador de un Oscar y escritor y director de la película ‘Todo sobre Eva’ [All About Eve], fue uno de los directores más célebres de la época. Su tío, Herman J. Mankiewicz, co-escribió ‘Ciudadano Kane’ [Citizen Kane], (1941), con Orson Welles.
Tratando de poner distancia entre él y su padre en Nueva York, Tom Makiewicz se mudó a Hollywood a principio de los años sesenta. Más tarde contó que su apellido había hecho su viaje más fácil y más difícil a la vez: sus llamadas eran respondidas, pero le preocupaba encontrar trabajo porque era el hijo de su padre.
"Así que tomó un tiempo hasta que te diste cuenta repentinamente que la gente te estaba llamando porque eras tú", dijo Mankiewicz al Washington Post en 1985.
En 1970 Mankiewicz fue contratado para rescribir el guión de ‘Los diamantes son eternos’, el séptimo largometraje en una serie basada en el espía literario de Ian Fleming, James Bond.
En la serie de películas con Bond, Mankiewicz también escribió ‘Vive y deja morir’ (1973), ‘El hombre de la pistola de oro’ (1974), y pulió ‘La espía que me amó’ [The Spy Who Loved Me] (1977) y ‘Moonraker’ (1979).
Conocido por un estilo literario ligero y fresco, Mankiewicz dijo una vez que lo habían atacado en pegatinas por su asociación con las eróticas películas de Bond. En 1987 dijo al Miami Herald: "No pido perdón por entretener a la gente".
Entre las películas de Bond, escribió y produjo la película ‘El Madre, la Melones y el Ruedas’ [Mother, Jugs & Speed], de 1976, con el director Peter Yates, que lo llamó para rescribir ‘Abismo’ [The Deep] (1977).
Su trabajo editorial más celebrado puede haber sido ‘Superman’, con Christopher Reeve. El director Richard Donner le encargó que rescribiera un guión imposiblemente largo, y Mankiewicz trabajó en el proyecto durante más de un año.
Donner lo llamó "consultor creativo" y el nombre de Mankiewicz apareció en la pantalla detrás de los escritores originales.
"La Asociación de Guionistas de Estados Unidos no quería reconocerlo, pero ciertamente merecía ese reconocimiento", dijo Donner al Times el lunes. "Probablemente yo no habría hecho la película si Tom no la hubiera rescrito".
"Le dio un aire de realidad al mundo del cómic", dijo Donner. "Creaba personalidades, emoción y vida" y daba a los personajes "un maravilloso sentido del humor. Hacía eso en todo que lo que hacía".
Donner también dirigió la película ‘Lady Halcón’ [Ladyhawke], de 1985, por la que Mankiewicz también fue reconocido en los créditos.
"Era uno de los personajes más cultos del mundo", dijo Donner. "Tenía una mente increíblemente retentiva... Era uno de los grandes narradores de nuestra industria".
Entre los casi veinte guiones que escribió Mankiewicz se incluye el de ‘Ha llegado el águila’ [The Eagle Has Landed; Atacan las águilas], de 1976. También co-escribió y dirigió el piloto de la serie de ABC-TV, ‘Hart y Hart’ [Hart to Hart], y siguió colaborando con la serie durante su existencia.
En 1987, Mankiewicz debutó como director de cine con ‘Dos sabuesos despistados’ [Dragnet], con Tom Hanks y Dan Aykroyd.
Sheila Benson, entonces crítico de cine del Times, observó en su reseña que "hay verdadero afecto por el viejo espectáculo que ofrecen las películas sobre desastres y persecuciones en coche".

Thomas Frank Mankiewicz nació el 1 de junio de 1942 en Los Angeles, pero pasó su infancia en Nueva York. Su madre era Rosa Stradner, una actriz nacida en Austria.
Tenía siete años cuando su padre ganó varios Oscar por el guión y la dirección de ‘Carta a tres esposas’ [A Letter to Three Wives], y dijo más tarde que "siempre quise estar en este negocio".
Mankiewicz estudió teatro en la Universidad de Yale, de donde egresó en 1963.
Su primer guión lo firmó como Thomas F. Mankiewicz, pero pensó luego que era demasiado pomposo y lo acortó a Tom Mankiewicz, contó más tarde.
También escribió el libreto para la versión musical de ‘La soltera retozona’ [Georgy Girl], que se estrenó en Broadway en 1970. Durante su función de tres días, el productor de las películas de Bond, Albert R. ‘Cubby’ Broccoli, estaba entre el público. Buscaba a un guionista.
Durante años Mankiewicz mantuvo una casa en Kenia. También era dueño de caballos de pura sangre y fue presidente del consejo de administración de la Asociación del Zoológico de Los Ángeles.
Su familia era "muy cariñosa", pero no necesariamente "normal", dijo al Times en 1987. "Nuestra idea de afecto no se expresaba en abrazos sino en agasajarnos con chistes".
Desde 2006 Mankiewicz enseñaba cine a estudiantes graduados de la Universidad Chapman, en Orange.
A menudo almorzaba en The Palm, en West Hollywood. Como recuerdo, el restaurante mantendrá el lunes noche abierto su reservado.
Su padre murió en 1993, a los 83.
A Mankiewicz le sobreviven su hermano Christopher, productor de cine y actor; su hermana Alexandra; y su madrastra, Rosemary Mankiewicz.
13 de agosto de 2010
3 de agosto de 2010
©los angeles times
traducción mQh
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Murió Suso Cecchi d'Amico


Guionista. Trabajó con algunos de los más importantes directores italianos. Surgió en el mundo del cine italiano de posguerra y contribuyó a históricas películas, como ‘El ladrón de bicicletas’ y ‘El gatopardo’.
Murió la guionista Suso Cecchi D’Amico, que surgió en el mundo del cine italiano de posguerra para convertirse en una célebre artista y contribuir a películas históricas del tenor de ‘El ladrón de bicicletas’ [Bicycle Thieves] y ‘El gatopardo’ [The Leopard]. Tenía 96 años.
Cecchi D’Amico murió el 31 de julio en su ciudad natal, Roma, informó la agencia de noticias ANSA, citando a su familia como fuente. No se mencionó la causa de su muerte.
Cecchi D’Amico trabajó con algunos de los más renombrados directores italianos, entre ellos Franco Zeffirelli, Michelangelo Antonioni y Mario Monicelli, cuya película ‘Casanova 70’ le ganó una nominación al Oscar.
Fue igualmente exitosa con sus guiones para películas neo-realistas, de cine-arte y comedias como ‘Big Deal on Madonna Street’. Su trabajo contribuyó a un mundo cinematográfico italiano de posguerra más vibrante e innovador.
"Fue una generación extraordinaria, no solamente en el cine", dijo su amigo de toda la vida, Monicelli, él mismo en los noventa.
"Esa generación es la que surgió de dramáticos acontecimientos, como el fascismo y la guerra", dijo, pero "esas mentes pusieron a Italia de pie, encontraron un nuevo modo de hacer las cosas, de producir".
Su larga asociación con Luchino Visconti se convirtió en un elemento definitorio de la carrera de Cecchi D’Amico, que duró más de dos décadas y varias películas. Entre otros títulos, contribuyó a ‘El gatopardo’, la suntuosa descripción de la decadencia de una familia siciliana aristocrática basada en la novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa y con Burt Lancaster y Alain Delon en los roles estelares.

Nacida como Giovanna Cecchi el 21 de julio de 1914 en el seno de una familia de escritores e intelectuales, empezó a trabajar en cine poco después de la Segunda Guerra Mundial. Se consiguió rápidamente un prominente trabajo para ayudar a escribir el guión de ‘El ladrón de bicicletas’ de Vittorio De Sica, que se estrenó en 1948 y se convirtió en un manifiesto del neo-realismo.
Durante su larga carrera, a menudo adaptó obras literarias, incluyendo ‘El extranjero’, ‘La fierecilla domada’ y libros de Dostoievski y Pirandello.
En 1944 el Festival de Cine de Venecia le confirió a Cecchi D’Amico un León de Oro por su trayectoria.
Le sobreviven tres hijos.
11 de agosto de 2010
7 de agosto de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Cécile Aubry


Actriz y escritora de cuentos para niños. Se casó con el hijo del pachá de Marrakesh.
[Bruce Weber] Murió el lunes en Dourdan, en las afueras de París, la actriz francesa Cécile Aubry, que tuvo una breve pero glamorosa carrera en el cine y se convirtió más tarde en escritora y creadora de series de televisión para niños. Tenía 81 años.
La causa de su muerte fue un cáncer al pulmón, informó la agencia France-Presse, citando fuentes familiares.
Aubry tenía apenas veinte años cuando apareció en el picante papel estelar de ‘Manon’, una película de Henri-Georges Clouzot de 1949 ambientada en la Francia de posguerra, sobre las moralmente cuestionables escapadas de una caprichosa jovencita amante del lujo y su perniciosa influencia sobre su amante. Cautivada por Hollywood, fue incluida inmediatamente en ‘La rosa negra’ [The Black Rose], una historia de aventuras en la Edad Media rodada en Inglaterra y Marruecos, con Tyrone Power y Orson Welles. Los dos roles llevaron a Aubry a la revista Life, que la mostró en portada en una sensual fotografía al estilo de Lolita y la describió en el artículo que la acompañaba como un "atado de juguetona, coqueta y amorosa adolescencia".
Sin embargo, su carrera fílmica fue breve: hizo una media docena de películas en Europa, la última en 1960, y cuando se retiró dijo que se había interesado en el cine solamente por la oportunidad de viajar que le brindaba. Se casó con el vástago de una poderosa familia marroquí; algunas fuentes dicen que fue un matrimonio secreto. Su marido, Si Brahim El Glaoui, era hijo del pachá de Marrakesh.
Después del matrimonio se dedicó a escribir cuentos para niños, y se hizo famosa convirtiendo dos de esos cuentos en series de televisión: ‘Poly’, transmitida primero en 1961, sobre un niño y un caballo, y ‘Belle et Sébastien’ (1965), sobre la amistad entre un niño huérfano y un perro al que encuentra paseando en las montañas. En las dos series fue protagonista su hijo Mehdi, como también en una serie posterior, ‘Le jeune Fabre’, sobre las tribulaciones de un adolescente.
‘Belle et Sébastien’ fue doblada para la televisión inglesa (como ‘Belle and Sebastian’) en 1967 y adaptada en 1981 a una serie de televisión animada, ‘Meiken Jolie’, que fue traducida al inglés. La banda de rock escocesa Belle and Sebastian tomó su nombre del cuento de Aubry.

Aubry nació como Anne-José Madeleine Henriette Bénard (o, de acuerdo con algunas fuentes, entre ellas la revista Life, simplemente Anne José Bénard) en París en agosto de 1928.

3 de agosto de 2010
24 de julio de 2010
©new york times 
cc traducción mQh