cine general

Murió Antonio Aguilar

---

[Agustín Gurza] El cantante y actor mexicano tenía una enorme audiencia al norte de la frontera. A los 88.

---

Murió Antonio Aguilar, el artista y actor que durante años deleitó a audiencias internacionales con espectáculos que incluían musicales y el rodeo, que le ganaron la reputación de ser el Roy Rogers de México. Tenía 88.
Antes de morir la noche del martes en un hospital de Ciudad de México, Aguilar sostuvo una prolongada lucha contra la neumonía, según informó la Associated Press. El miércoles se celebró en la histórica Basílica de Guadalupe de la capital un velatorio y misa fúnebre, en la que se reunieron dignatarios, personajes famosos y fans para pagar los últimos respetos a un artista considerado como uno de los principales embajadores culturales del país.
El presidente de México, Felipe Calderón, llamó la muerte de Aguilar una gran pérdida y expresó la esperanza de que "su legado continúe siendo una semilla para un México mejor".
"No eran sus canciones ni su voz lo que lo hace tan memorable para nosotros", dijo Nati Cano, directora de Mariachi Los Camperos, de Los Angeles, que patrocinó a Aguilar en espectáculos en el céntrico Million Dollar Theater en los años sesenta. "Era su carácter, el modo en que trataba a los músicos y cómo se relacionaba con el público, como si se relacionara con cada uno de ellos".
En una carrera que se extendió durante seis décadas, Aguilar hizo más de ciento sesenta discos y más de cien películas, actuando a menudo como un intrépido defensor de los pobres en dramas revolucionarios. En su vida personal, cultivó una imagen de dedicado hombre de familia, casado durante más de cuarenta y cinco años con su mujer Flor Silvestre, y guiando a sus dos hijos, Antonio y Pepe, para entrar a temprana edad al mundo del espectáculo y dejando un legado en Pepe Aguilar, ahora todo una estrella de pleno derecho.
En Los Angeles, Aguilar construyó una enorme audiencia de fans a partir de los años cincuenta, primero como cantante solista y más tarde con sus excitantes rodeos, que empezaron en los sesenta.
El miércoles, Aguilar fue recordado como uno de los primeros artistas mexicanos en cultivar una base de fans entre los inmigrantes mexicanos en Estados Unidos y para atraer también a audiencias no-latinas.
El profesor de periodismo de la Universidad de Southern California, Félix Gutiérrez, recordó un encuentro casual con Aguilar en un aeropuerto a principios de los años setenta. Gutiérrez estaba estudiando en la Universidad de Stanfford cuando divisó a Aguilar llegando con su mujer en un avión de pasajeros en San José, completamente ignorado por el público general y cargando sus propias maletas. Los únicos que reconocieron a la famosa pareja fueron los vigilantes y otros trabajadores latinos excitados de haber reconocido a sus estrellas.
"Eso me ayudó a darme cuenta de la brecha cultural", dijo Gutiérrez, que enseña en la Escuela de Comunicaciones de Anneberg. Aguilar ayudó a construir un puente musical entre México y Estados Unidos. Fue un logro en cuanto a crear una audiencia al norte de la frontera".

Pascual Antonio Aguilar Barraza nació el 17 de mayo de 1919 en Villanueva, en el estado de Zacatecas. De niño entró al seminario para convertirse en cura, pero en lugar de eso cultivó sus talentos vocales en el coro.
Con el objetivo de convertirse en un cantante clásico, obtuvo una beca para estudiar música en Los Ángeles a principios de los cuarenta, pero fue deportado y empezó a trabajar en Tijuana, donde le pagaban doce dólares la semana.
En 1945 se mudó a Ciudad de México en un Lincoln convertible y con dinero en el banco, compró un club nocturno, el Minuit, que empezó a atraer a famosos del otro lado de la frontera, incluyendo a Gary Cooper y Pedro Infante.
Aunque empezó cantando boleros románticos, Aguilar cambió su esmoquin por un traje de charro y ganó popularidad cantando rancheras y corridos, el género narrativo que gira sobre historias de aventureros y revolucionarios como Heraclio Bernal y Emiliano Zapata, al que más tarde personificó en la pantalla plateada.
Aguilar empezó su carrera cinematográfica junto con el símbolo mariachi Infante, en la película de 1952 ‘Un rincón cerca del cielo', la tercera de una serie de películas que se prolongaron durante medio siglo.
En los años sesenta, empezó a producir y escribir guiones, aunque no siempre con resultados estelares. Produjo, co-escribió y fue actor protagonista de ‘Emiliano Zapata', de 1970, una caracterización demasiado seria que lo alejó de sus populares comedias musicales.
En Estados Unidos, Aguilar es quizás más recordado por su papel como el General Rojas en la película de vaqueros en inglés, ‘Los indestructibles' [The Undefeated], de 1969, en la que apareció con John Wayne y Rock Hudson.
José Hernández, director de Mariachi Sol de México, recordó haber trabajado con Aguilar cuando era un adolescente en espectáculos en Los Angeles. El joven aprendiz llevó al papel los viejos corridos de la tradición oral, escribiendo notas mientras Aguilar tarareaba las introducciones musicales.
"Era un hombre increíble, muy especial", dijo Hernández el miércoles desde su restaurant Cielito Lindo en South El Monte. "Y respetaba mucho a su país. Le decía a su equipo, y a sus músicos: ‘Vamos a Estados Unidos y debemos mostrar lo mejor de nosotros. Queremos que los americanos vean al verdadero México, que vean lo bella que es nuestra cultura".
Aguilar expresó ese propósito en una entrevista de 2003 con Imagen, el diario más importante de su estado natal. Aguilar recordó que al principio sus promotores no estaban interesados en su rodeo mexicano para escenarios como el Madison Square Garden y el Los Angeles Sports Arena, los que llenaría hasta los topes.
"Me decían que el espectáculo no valía nada en esos escenarios, porque no había ningún espectáculo latino que pudiera atraer a tanta gente", dijo. "Sin embargo, yo quería actuar ahí. Quería demostrarles que lo podíamos hacer, y mantener en alto el nombre de México".

[e-mail]

23 de junio de 2007
21 de junio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh

Filmografía
1994 La güera chabela (productor)
1993 La sangre de un valiente (actor y productor)
1992 El chivo (actor y productor)
1991 Triste recuerdo (actor y productor)
1990 El hijo de Lamberto Quintero
1988 Domingo corrales (actor y productor)
1987 Zapata en Chinameca (actor y productor)
1987 Lamberto Quintero (actor y productor)
1986 Contrabando y muerte (escritor, actor y productor)
1985 Astucia
1983 El Rey de oros
1983 Viva el chubasco (escritor, actor y productor)
1982 El ánima de Sayula (actor y adaptación)
1981 Noche de carnaval (productor y escritor)
1981 Los gemelos alborotados (escritor y actor)
1980 El tonto que hacía milagros
1980 Persecución y muerte de Benjamín Argumedo
1979 Albur de amor (escritor, actor y productor)
1979 Benjamín Argumedo, el rebelde
1977 Mi caballo el cantador (escritor y actor)
1977 Sabor a sangre
1977 Soy el hijo del gallero
1977 La muerte de un gallero (escritor y actor)
1977 Volver, volver, volver (escritor, actor y productor)
1976 El Moro de Cumpas
1975 El Rey
1975 Don Herculano enamorado (actor y productor)
1974 Mi aventura en Puerto Rico
1974 Simón Blanco
1973 Peregrina (actor, productor y adaptación)
1973 La muerte de Pancho Villa (argumento)
1973 Valente Quintero (actor y productor)
1972 La yegua colorada
1970 Los marcados (escritor y productor)
1970 Vuelve el ojo de vidrio (argumento)
1970 Emiliano Zapata (actor, productor y argumento)
1969 The Undefeated
1969 Lauro Puñales
1969 El Caballo Bayo
1968 El As de oros
1968 Lucio Vázquez
1967 La captura de Gabino Barrera
1967 El ojo de vidrio
1967 La venganza de Gabino Barrera
1966 Alazán y enamorado
1966 Los cuatro Juanes
1966 La vida de Pedro Infante
1965 Los dos rivales
1965 El hijo de Gabino Barrera
1965 Juan Colorado
1965 Alma llanera
1965 Escuela para solteras
1965 El Padre Diablo
1964 El Alazán y el rosillo (actor, productor y argumento)
1964 Gabino Barrera
1964 El revólver sangriento
1963 La gitana y el charro
1963 Yo, el mujeriego
1963 Aquí está tu enamorado
1962 Si yo fuera millonario
1962 Cazadores de asesinos
1962 Sol en llamas
1962 Ánimas Trujano
1961 Ahí vienen los Argumedo
1961 El caballo blanco
1961 Que me maten en tus brazos
1961 Los hermanos del hierro
1961 La joven Mancornadora
1961 Vacaciones en Acapulco
1960 Rumbo a Brasilia (México, Brasil)
1960 La sombra del caudillo
1960 El siete de copas
1960 Dos hijos desobedientes
1959 Los Santos reyes
1959 Yo... el aventurero
1958 La cucaracha
1958 Los muertos no hablan
1958 Fiesta en el corazón
1958 Aquí está Heraclio Bernal
1958 La guarida del buitre
1957 La ley de la sierra
1957 La cama de piedra
1957 La justicia del gavilán vengador
1957 Cuatro contra el imperio
1957 Cien muchachas
1957 ¡Aquí están los aguilares!
1956 El fin de un imperio
1956 La huella del chacal
1955 Una gallega en La Habana
1955 El gavilán vengador
1955 La barranca de la muerte
1954 El casto Susano
1954 Reventa de esclavas
1953 Yo soy muy macho
1953 La segunda mujer
1953 Mi adorada Clementina
1953 Mi papá tuvo la culpa
1953 La mujer desnuda
1953 Había una vez un marido
1953 Amor de locura
1953 Por el mismo camino
1952 Yo fui una callejera
1952 Ahora soy rico
1952 Un rincón cerca del cielo

Fuente: academia mexicana de artes y ciencias cinematográficas

Murió Arnheim, Teórico del Cine

---

[Adam Bernstein] El teórico visual muere a los 102 años.

---

El 9 de junio murió en la residencia Glacier Hills, en Ann Arbor, Michigan, el psicólogo y teórico visual de origen alemán Rudolf Arnheim, cuyos escritos influyeron en toda una generación de pensadores sobre la relación entre el arte y la percepción. Tenía 102 años y lo afectaba una neumonía.
En sus libros mejor recordados -‘Arte y percepción visual' [Art and Visual Perception] (1954), ‘El cine como arte' [Film as Art] (1957) y ‘El pensamiento visual' [Visual Thinking] (1969) -, aplicó la teoría de la gestalt, que estudia cómo la percepción del todo es más grande que la suma de sus partes integrantes. Entre las ‘partes' estudiadas estaban las estructuras de las formas y colores de los trabajos artísticos y la reacción emocional que causaban.
"Considero al arte como un medio de la percepción, un modo de conocimiento", dijo una vez. "La percepción hace posible estructurar la realidad y, de ese modo, obtener conocimiento. El arte nos revela la esencia de las cosas, la esencia de nuestra existencia. Esa es su función".
Publicó cientos de ensayos en publicaciones académicas y populares desde que empezara a trabajar como crítico de cine en la Alemania de Weimar, en los años veinte. En una época en que las películas eran consideradas en gran parte como diversiones populares dispensables, insistió en debían compararse más favorablemente con las bellas artes.
Arnheim admiraba la "pureza de expresión artística" del cine mudo -las palabras, dijo, "limitan considerablemente la expresión de la imagen". Sin embargo, uno de sus ensayos más perdurables, ‘The Film Critic of Tomorrow' (1935), se burló de sus colegas críticos que lamentaban el fin del período mudo.
Jim Hoberman, el importante crítico de cine del Village Voice en Nueva York dijo: "No se puede sentir nostalgia por algo que ya no existe. Ahora para nosotros esto es perfectamente obvio. Pero en el contexto de entonces, era un importante argumento sobre cómo el mercado y la tecnología cambiaban las cosas".
En un bien considerado ensayo de 1998, titulado ‘The Film Critic of Tomorrow, Today', Hoberman esgrimió muchos de los argumentos de Arnheim para reprochar a los críticos modernos que pensaban que el cine de calidad había muerto con las películas de aventuras que cosechaban grandes éxitos de taquilla. Dijo que el ensayo original de Arnheim conservaba su frescura porque siempre habría gente nostálgica de cosas que ya no existen.

Arnheim enseñó en la New School for Social Research de Nueva York y en el Sarah Lawrence College, en Bronxville, Nueva York, entre los años cuarenta y sesenta. Más tarde, se convirtió en profesor de psicología del arte en la Universidad de Harvard y en profesor invitado en la Universidad de Michigan antes de su jubilación en 1984.

Rudolf Julius Arnheim nació en Berlín el 15 de julio de 1904. Su padre era dueño de una fábrica de pianos.
Se doctoró filosofía en la Universidad de Berlín -en esa época se consideraba la psicología como rama de la filosofía- y estudió con teóricos de la gestalt como Max Wertheimer y Wolfgang Kohler.
Tras graduarse en 1928, se unió a la revista cultural de izquierdas Die Weltbuehne, para cubrir la música, arquitectura y cine.
Cuando los nazis asumieron el poder en 1933, Die Weltbuehne se convirtió en un importante blanco de los fascistas. Arnhiem dijo que él pasó especialmente miedo porque se había burlado de Hitler en un ensayo para un diario de Berlín.
Arnheim viajó a Roma, donde pasó cinco años como editor de una publicación cultural de la Liga de las Naciones. Ganó reputación escribiendo libros sobre el cine y la radio como formas artísticas.
Se vio obligado a abandonar Italia en 1938 cuando Benito Mussolini decretó las leyes raciales contra los judíos.
Arnheim emigró a Nueva York y obtuvo una beca de la Fundación Rockefeller para estudiar la influencia de los culebrones radiales en los oyentes. Se naturalizó en 1946.
Su primer libro importante en Estados Unidos fue ‘Arte y percepción visual', que fue más tarde traducido a catorce idiomas.
En estudios posteriores, exploró tópicos tan variados como la capacidad de percepción visual de los niños, el arte conceptual ("útiles ejercicios de la imaginación") y la pintura sobre la Guerra Civil Española de Pablo Picasso, ‘Guernica'.
Le sobreviven su hija adoptiva, Margaret Nettinga, de Heemstede, Países Bajos; dos nietos; y una biznieta.

22 de junio de 2007
19 de junio de 2007
©los angeles times
[viene demQh ]

Murió Padre del Cine Africano

---

[Dennis McLellan] Ousmane Sembene, el director senegalés, era conocido como el padre del cine africano. Murió a los 84.

---

Murió Ousmane Sembene, el aclamado y progresista escritor y director senegalés conocido como ‘el padre del cine africano'. A los 84.
Sembene, que también alcanzó distinción como novelista, murió el sábado en su casa en Dakar, Senegal, después de una prolongada enfermedad, informó la Associated Press.
Describiendo a Sembene como la "fuerza más importante" de la historia del cine africano, el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió en 2004 que "en la comunidad cinematográfica francófona de África, es l'aine des anciens, el más respetado entre los venerados, alguien cuya pasión y compromiso con el cambio social ha inspirado a directores de cine y enfurecido a gobiernos, tanto en Europa como en casa".
En ese entonces, Sembene estaba presentando su noveno largometraje, ‘Moolaade', en el Festival de Cine de Cannes.
Considerada la ‘obra maestra otoñal' del director por un reseñador de cine del New York Times, el drama gira sobre una mujer de una aldea que acoge a cuatro niñas que buscan refugio para escapar del peligroso y doloroso ritual que incluye la mutilación genital femenina -una arcaica práctica que, de acuerdo a la Organización Mundial de la Salud, pone en peligro la vida de dos millones de niñas africanas al año.
"Nací en un medio donde la excisión se practicaba todos los días y era aceptada", dijo Sembene en 2005 al diario londinense The Guardian. "Pero también nací en una cultura en evolución, una que, como todas las culturas africanas, está adquiriendo nuevos conocimientos... Y llegué a entender que la excisión era una práctica anticuada y fuera de época".
Comentando sobre su papel como cineasta en una entrevista de 2005 con el diario londinense The Independent en 2005, Sembene dijo: "Yo hago cosas para hablar con mi pueblo, mi país. La prioridad es que me entienda mi gente. África necesita ver su propio reflejo. Una sociedad progresa haciéndose preguntas, de modo que quiero ser un artista que hace preguntas a su pueblo".
Hijo de un pescador, Sembene nació en Ziguinchor, Senegal, el 1 de enero de 1923. Dejó la escuela francesa a los catorce y trabajó como aprendiz de mecánico y albañil.
Tras servir en el ejército francés de la liberación durante la Segunda Guerra Mundial, participó en la histórica huelga de ferroviarios de Dakar-Níger de 1947-1948. Luego se subió de polizonte en un buque con destino a Francia, donde encontró trabajo en los muelles en Marsella y se convirtió en un activo sindicalista marxista. (De 1950 a 1960 fue miembro del Partido Comunista francés).
La primera novela de Sembene, ‘El estibador negro' [Le docker noir; The Black Docker], fue publicada en 1956.
Inspirándose en su experiencia en la huelga de los ferroviarios, escribió ‘Los trozos de madera de Dios' [Les bouts de bois de Dieu; God's Bits of Wood], su épica novela de 1960 que fue recibida con elogios en todo el mundo.
La novela, publicada el mismo año en que Senegal obtuvo su independencia de Francia, está todavía disponible y se la considera un clásico.
Preocupado por el retrato que hacían no-africanos de los africanos -"Ya soportamos demasiadas plumas y tambores", dijo una vez-, Sembene se dedicó a hacer cine a principios de los años sesenta, después de pasar un año estudiando cine en Moscú.
Después de hacer un corto documental encargado por el gobierno de Mali en 1963, fundó su propia compañía cinematográfica y empezó a hacer películas de bajo presupuesto.
‘El hombre de la carreta' [Borom Sarret], un corto sobre un mísero carretonero de Dakar, ganó el premio a la mejor película en el Festival de Cortometrajes de Tours, Francia, en 1963. En 1966, su drama ‘Muchacha negra' [La noire de...; Black Girl] fue su primer largometraje.
El drama, también escrito por Sembene, es la trágica historia de una joven mujer senegalesa que se siente deshumanizada trabajando como criada en una adinerada familia blanca en la Riviera francesa.
‘Muchacha negra' fue la primera película del África negra en ser exhibida en una première de Cannes y ganó el prestigioso Premio Jean Vigo.
El crítico francés George Sadoul escribió entonces: "Gracias a Sembene, el continente negro se hace al fin un lugar en la historia del cine del mundo".
Sembene no intentó comunicarse con los africanos cuando decidió convertirse en cineasta.
"Prefiero los libros", dijo al Philadelphia Inquirer en 2004. Pero con la enorme tasa de analfabetismo de África, dijo que se había preguntado a sí mismo: "¿Cómo puedo hablar con la gente? ¿Cómo les hago adquirir conciencia? Con el cine".
Veía el cine como "la escuela vespertina del pueblo", finalmente dejó el francés, la lengua oficial de Senegal, y empezó a hacer películas en las lenguas vernáculas del país.
Se dice que su película ‘Mandabi', de 1968, fue la primera película producida por un equipo completamente africano en una lengua nativa de África del Oeste llamada wolof.

[e-mail]

17 de junio de 2007
14 de junio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Filmografía
1963 Borom Saret (El hombre de la carreta) (Corto)
1964 Niaye (Corto)
1966 La noire de... (Muchacha negra) (Largo) Premio Jean Vigo 1966
1968 Mandabi (Largo) Premio Especial del Jurado, Venecia 1968
1969 Traumatisme de la femme face a la polygamie (Traumatismo de la mujer frente a la poligamia) (Documental)
Les derives du chomage (Las consecuencias del paro) (Documental)
1971 Tauw (Corto)
Emitai (Largo) Medalla de Plata, Moscú 1971
1972 Basket áfricain aux Jeux Olympiades (Baloncesto africano en los Juegos Olímpicos) (Documental)
1973 L'Áfroque aux Olympiades (África en las Olimpiadas) (Documental)
1974 Xala (Largo), Premio Especial del Jurado, Karlovy Vary 1976
1976 Ceddo (Largo), Selección Oficial, Cannes 1977
1988 Camp de Thiaroye (Campamento de Thiaroye) (Largo), Premio Especial del Jurado, Venecia 1988
1993 Guelwaar (Largo), Medalla de Oro del Senado de Venecia, 1992
1999 Héroïsme au quotidien (Heroísmo cotidiano) (Corto)
2000 Faat Kine (Largo)
2003 Moolaaadé (Largo) Premio ‘Una Cierta Mirada', Cannes 2004

Bibliografía
1956 Le docker noir
1957 O pays, mon beau peuple.
1960 Les bouts de bois de Dieu, Banty Mamy All. Publicada en castellano con el título ‘Los trozos de madera de Dios'
1962 Voltaïque. Publicada en castellano con el título ‘Voltaicas'.
1964 L'harmattan
1966 Véhi-ciosane ou blanche-genése
1973 Xala
1981 Le dernièr de l'empire: roman sénégalais
1987 Niiwam
1990 Guelwaar

[golem ]

Murió Mala Powers

---

A los 75. Trabajó en ‘Cyrano' y otras películas de los años cincuenta.

---

Murió la actriz Mala Powers, que hizo de Roxane en ‘Cyrano de Bergerac', de José Ferrer, y actuó en otras películas de los años cincuenta. Tenía 75 años.
Powers murió el lunes por complicaciones de su leucemia en el Centro Médico San José, en Burbank, según informó su protegida, la actriz Kim Barret.
Nació en 1931 como Mary Ellen Powers en San Francisco, en una familia de padres periodistas que se mudaron luego a Hollywood. Empezó su formación como actriz muy temprano en su vida, en el Seminario Dramático de Max Reinhardt; de niña tuvo un pequeño papel en una película de 1942 de los Bowery Boys, ‘Though As They Come'.
En 1950, Powers apareció junto con Ferrer en ‘Cyranod de Bergerac', que le significó un Oscar al mejor actor.
También en 1950 apareció como víctima de violación en ‘Ultraje' [Outrage], dirigida por Ida Lupino. La película causó un pequeño escándalo porque la violación no había sido tratada nunca tan francamente en la pantalla debido a la auto-censura de la industria cinematográfica.
Howard Hughes quedó gratamente impresionado por las actuaciones de Powers y la contrató para la RKO. Entre sus películas se encuentran ‘Edge of Doom', ‘Rose of Cimarron', ‘City Beneath the Sea', ‘City That Never Sleeps', ‘Bengazi' y ‘The Storm Rider'.
La carrera cinematográfica de Powers menguó a fines de los cincuenta, pero continuó activa en la radio, el teatro y la televisión.
En los últimos años Powers se interesó en cuentos para niños, y en 1980 escribió un libro sobre la Navidad, ‘Follow the Star', y cinco años más tarde ‘Follow the Year', que explicaba las vacaciones a los niños.
También escribió y narró cuentos para el programa Dial-a-Children's-Story de la Compañía de Teléfonos de Nueva York, a partir de 1979. Los cuentos de un minuto que podían ser escuchados marcando un número especial, que más tarde estuvo también disponible en otros mercados.
Powers también enseñó actuación, que había estudiado en la Universidad de California en Los Angeles. En 2003 apareció por última vez en ‘Mr. Shaw Goes to Hollywood' en la Laguna Playhouse en Laguna Beach.
La sobrevive Toren Vanton, su hijo de su primer matrimonio. Su segundo marido, el editor M. Hughes Miller, murió en 1989.

16 de junio de 2007
13 de junio de 2007
©los angeles times
©traducción mQh
[viene de mQh ]

Murió Maurice Marsac

---

[Valerie J. Nelson] A los 92. Actor francés que a menudo personificaba a estirados camareros.

---

Murió Maurice Marsac, un actor de carácter francés que hacía a menudo de estirado camarero, particularmente en ‘Un loco anda suelto' [The Jerk], y que también era un importante jugador de croquet a nivel nacional. Tenía 92 años.
Marsac murió el 6 de mayo, de paro cardíaco, en un centro hospitalario en Santa Rosa, California, informó Mark Jaqua, un pariente lejano.
Su muerte se produce menos de tres semanas después de la que fue su esposa durante 55 años, Melanie, que murió en su casa de Oakmont, California, el 16 de abril, a los noventa.
Tras debutar como soldado francés en ‘Paris After Dark' (1943), Marsac trabajó en más de ciento cincuenta películas y programas de televisión, entre ellas ‘Tener y no tener' [To Have and Have Not] (1944) y ‘Cómo casarse con un millonario' [How to Marry a Millionaire] (1953).
En ‘Un loco anda suelto' (1979), Marsac es un camarero que debe desviar las quejas de Steve Martin de que su plato de escargots está cubierto de caracoles.
En televisión, Marsac "disfrutó realmente" haciendo de maestro francés en ‘Our Miss Brooks', una serie de los años cincuenta con Eve Arden, dijo Jaqua.
Marsac apareció en decenas de programas de televisión, incluyendo un episodio de ‘I Love Lucy', en 1956, en el que tenía que lidiar con la angustia de Lucille Ball cuando le sirven caracoles.
Su último papel como mayordomo lo tendría en ‘Dos sabuesos despistados' [Dragnet] (1987).
Hace alrededor de una década, Marsac y su mujer se mudaron de Studio City a Oakmont para disfrutar de la cultura del croquet, que está más enraizada en el norte de California.
Como miembro del Club de Croquet de Beverly Hills, Marsac se destacó por sus habilidades como instructor.
En 1989 fue nombrado residente profesional en dos canchas de croquet de Newport Beach.
Los Marsac formaban parte de un exclusivo grupo que era invitado a torneos de croquet en Estados Unidos, dijo Bob Alman, editor fundador de la revista Croquet World Online Magazine.
"En el mundo del croquet, tienes que ser bastante bueno para ser invitado, pero también tienes que ser invitable", dijo Alman.
"Maurice y Melanie eran dos personas entretenidas, apasionantes y maravillosas, que no sabían cómo aburrirse en una conversación", dijo.
Con una posición más alta que la de su mujer, Marsac estuvo alguna vez entre los mejores jugadores de criquet, dijo Alman.
Marsac nació el 23 de marzo de 1915, en La Croix, Francia.
Participó en la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial.
Los Marsac viajaban a menudo para jugar croquet y visitar Francia o el país natal de su mujer, México.
"Era el último de una generación, con un código de honor y un porte noble", dijo Jaqua, que es un primo lejano de la esposa de Marsac.
"Él y su mujer estaban tan dedicados uno al otro que sabíamos que ninguno de ellos sobreviviría sin el otro".

[e-mail]

13 de junio de 2007
6 de junio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Jean-Claude Brialy

---

[Adam Bernstein] A los 74. Fue un actor clave de la Nueva Ola francesa.

---

Jean-Claude Brialy, un actor que trabajó en más de cien películas francesas, especialmente como protagonista de ‘El bello Sergio' [Le Beau Serge], de Claude Chabrol, ‘Una mujer es una muje [Une femme est une femme], de Jean-Luc Godard, y ‘La rodilla de Clara' [Le genou de Claire], de Éric Rohmer, murió este 30 de mayo en su casa en las cercanías de París. Tenía 74 años y sufría de cáncer.
Prodigiosamente versátil, Brialy se convirtió en un actor favorito de los directores de la Nueva Ola francesa, como Chabrol, Rohmer, Godard y Rivette. Su capacidad para expresar un amplio rango de emociones a veces contradictorias -ingenuidad, inteligencia, obsesión, astucia- le ganaron la simpatía de los directores de la Nueva Ola, que preferían técnicas narrativas imprevisibles.
Brialy, hijo de un oficial de alto rango del ejército francés, nació el 30 de marzo de 1933, en Aumale, Argelia. Detestaba su educación estricta, y la actuación se convirtió en una temprana forma de rebelión. Tuvo violentas disputas con su padre, que una vez lo encerró en un cuarto para impedir que asistiera a un ensayo para una pieza de teatro en la escuela.
Irónicamente, el servicio militar le ofreció su mejor oportunidad para salir de casa, y logró conseguir trabajo en una unidad de cine en el ejército. Después de la desmovilización, hizo una breve práctica de formación en un conservatorio de Estrasburgo y se asentó en París en 1954.
Fue adoptado por un grupo de periodistas de cine asociados a la revista Cahiers du Cinéma, que formaban el núcleo del movimiento de la Nueva Ola. Se dice que se convirtió en un favorito del crítico de Cahiers, André Bazin, improvisando disparatados sketches frente a un teatro en los Campos Elíseos. Su recompensa fue una entrada gratis al cine.
Pronto empezó a aparecer en cortometrajes de Godard, Rohmer, Rivette y otros. En 1956, hizo de amante en la película corta de Rohmer, ‘La sonata a Kreitzer' [La Sonate a Kreutzer; The Kreutzer Sonata], una curiosidad en la que Rohmer hizo de marido y mujer.
Brialy siguió aceptando pequeños papeles en los largometrajes de sus cada vez más importantes amigos, entre ellos en ‘Los amantes' [Les Amants; The Lovers] de Louis Malle y ‘Ascensor para el cadalso' [Ascenseur pour l'Échafaud; Elevator to the Gallows]; en ‘Los cuatrocientos golpes' [Les Quatre Cents Coups; The 400 Blows]; y en ‘Cleo de 5 a 7' [Cleo From 5 t0 7].
Dijo que Chabrol fue su primer protector. "Estuvo convencido siempre de que yo era un buen actor", dijo Brialy.
Se convirtió en una estrella en ‘El bello Sergio' [Handsome Serge, 1958], de Chabrol, donde hizo de un joven que vuelve a su ciudad provincial y se obsesiona con ayudar a un amigo autodestructivo. Al año siguiente, Chabrol lo dirigió en ‘Los primos' [Les Cousins], como un cínico hedonista. Su coprotagonista fue Gérard Blain, un melancólico actor llamado a menudo el James Dean de Francia.
Durante los años sesenta, Brialy mantuvo una carrera sorprendentemente activa. Apareció en siete películas solamente en 1961, incluyendo el divertido musical de Godard ‘Una mujer es una mujer', como parte de un triángulo amoroso con Anna Karina y Jean-Paul Belmondo. Karina, la mujer de Godard, fue la striptisera que quiere casarse y ser madre.
Luego consiguió papeles de protagonista en dramas más sencillos, incluyendo el thriller policial ‘La espada y la balanza' [Le glaive et la balance; The Sword and the Balance], de André Cayatte, con Anthony Perkins, y la comedia de Jacques Deray, ‘El gigolo' [Gigolo] con Alida Valli.
También tuvo un papel secundario en la película contra la guerra ‘Rey de corazones' [Le Roi de Coeur; King of Hearts], de Philippe Broca, con Alan Bates. La película, escenificada en un manicomio francés durante la Primera Guerra Mundial, fue inmensamente popular con las audiencias estadounidenses y fue proyectada durante una década en algunas salas.
En ‘La rodilla de Clara', 1970, de Rohmer, Brialy fue un diplomático ensimismado que siente el inexplicable impulso de tocarle la rodilla a la hija adolescente de un amigo. La película, para algunos desconcertante, lírica y misteriosa para otros, tuvo muchos defensores en el curso de los años, incluyendo al crítico de cine del New York Times, Vincent Canby.
La capacidad de Brialy de permanecer serio en las más absurdas situaciones, lo transformó en el hombre ideal para el absurdo drama de Luis Buñuel, ‘El fantasma de la libertad' [Le Fantôme de la Liberté; The Phantom of Liberty], de 1974. En una escena, él y Mónica Vitti, que hace de su mujer, yacen en una cama mientas ven pasar unas avestruces.
Empezó a dirigir a principios de los años setenta, y demostró su habilidad en muchos géneros. Su debut como director, ‘Eglantine', 1971, fue una encantadora historia ambientada en el siglo diecinueve sobre la visita de un niño a su abuela.

11 de junio de 2007
4 de junio de 2007
©boston globe
[viene de mQh ]

Murió Mark Harris

---

[Dennis McLellan] A los 84. Escribió ‘Muerte de un jugador'.

---

Los Angeles, Estados Unidos. Mark Harris, autor de la aclamada novela de béisbol ‘Muerte de un jugador' [Bang the Drum Slowly], que adaptó para el cine en 1973 en una película con Michael Moriarty y Robert DeNiro, murió el miércoles por complicaciones relacionadas con el Alzheimer. Tenía 84 años.
Harris, profesor de inglés jubilado de la Universidad del Estado de Arizona que vivía en Goleta, California, escribió trece novelas y cinco libros documentales. Era conocido por sus cuatro novelas de béisbol narradas por Henry Wiggen, el lanzador zurdo de los imaginarios Mamuts de Nueva York: ‘The Southpaw' (1953), ‘Muerte de un jugador' [Bang the Drum Slowly] (1956), ‘A Ticket for a Seamstitch' (1957), y ‘It Looked Like For Ever' (1979).
‘Muerte de un jugador', mencionado como uno de los cien libros deportivos más importantes de todos los tiempos por Sports Illustrated, fue el más popular de los cuatro.
La tragicómica historia de Wiggen y del catcher Bruce Pearson, que se está muriendo de la enfermedad de Hodgkin, ‘Muerte de un jugador' fue adaptada para un episodio en vivo de ‘The US Steel Hour' en 1956, con Paul Newman como Wiggen y Albert Salmi como Pearson. En la versión cinematográfica, Moriarty hizo de Wiggen, y DeNiro fue Pearson.
La novela fue también adaptada al teatro.
‘Muerte de un jugador' fue elogiada por sus logros en dos niveles.
"El relato de la vida de Henry en su inexpresiva lengua vernacular en la banca es refrescante, vivo y a menudo hilarantemente divertido", escribió un crítico para el New York Herald Tribune Book Review. Al mismo tiempo, "sus reacciones ante su condenado amigo son conmovedoras y profundamente emotivas".
Cordelia Candelaria, autora de ‘Seeking the Perfect Game: Baseball in American Literature', calificó ‘The Southpaw' y ‘Muerte de un jugador', de Harris, como dos de las cinco mejores novelas de béisbol de la historia de la literatura.
Candelaria, que enseñaba escritura creativa en la Universidad del Estado de Arizona, dijo que la contribución de Harris a la literatura estadounidense no se limitaba a sus novelas de béisbol. Su mayor influencia, dijo, era su personaje Wiggen.
"Wiggen es tan perdurable e importante como Huckleberry Finn, como Ihsmael y como Ahab en ‘Moby Dick', y como Nick Adams en los cuentos de Hemingway", dijo Candelaria. "Henry Wiggen lucha con su individualismo, su lugar en la sociedad, y los dilemas morales a los que se enfrenta. Todas esas luchas giran tanto sobre él como un personaje americano como sobre el béisbol".
Harris, que de niño jugó béisbol y escribió a menudo artículos sobre el deporte, era conocido por su realismo cuando escribía sobre ese deporte en sus novelas.
"No soporto la fantasía, especialmente en béisbol", dijo en 1944. "Para mí tiene ser real. Creo que la gente que escribe fantasías sobre esto no sabe cómo funciona de verdad. Eso era lo que yo exigía cuando era niño, que el béisbol se jugara correctamente".
‘Diamond', una antología de ensayos sobre el béisbol escritos por Harris entre 1946 y 1993, fue publicada en 1994.
Aunque su padre es "más ampliamente reconocido por sus novelas de béisbol", su hijo Henry dijo el jueves que "existen otras novelas que él pensaba que eran igualmente válidas de lo que era importante para él: Fue un pacifista toda la vida y partidario de la justicia racial".
La primera novela de Harris, ‘Trumpet to the World', sobre un joven negro que se casa con una chica blanca y rica, fue publicada en 1946.
"Creo que expresaba su pacifismo de un modo distintivamente negro en una novela que tituló ‘Killing Everybody' de 1973, que giraba sobre el sufrimiento de unos padres que habían perdido un hijo en una guerra", dijo su hijo.
Nacido como Mark Harris Finkelstein en Mount Vernon, Nueva York, cambió legalmente su nombre en los años cuarenta, dijo su hijo, cuando "le aconsejaron que su carrera como escritor sería más exitosa si no usaba un nombre judío".
Tras servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como reportero y como escritor para Negro Digest y Ebony.
Sacó su diploma de maestría en inglés en la Universidad de Denver en 1950, y su licenciatura en inglés al año después. Recibió su diploma de doctor en estudios americanos de la Universidad de Minnesota en 1956.

10 de junio de 2007
4 de junio de 2007
©boston globe
[viene de mQh ]

Murió Wally, Fotógrafo de Estrellas

---

[Dennis McLellan] A los noventa murió Wallace Seawell. Era el fotógrafo de las estrellas de Hollywood.

---

Los Angeles, Estados Unidos. El 29 de mayo, en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Angeles, murió Wallace Seawell, 90, un importante fotógrafo retratista de Hollywood durante el apogeo de las estrellas de la pantalla, entre ellas Sophia Loren, Tony Curtis y Gregory Peck, según informó su amigo el publicista Alan Eichler.
Durante su carrera de más de sesenta años, Seawell hizo retratos de una amplia gama de luminarias, desde Ronald y Nancy Reagan y el duque y duquesa de Windsor a los Harlem Globetrotters y las hermanas Gabor.
El presidente Lyndon Johnson, el shah de Irán y el rey y reina de Siam estuvieron entre los líderes del mundo que posaron para Seawell.
Pero su especialidad eran las estrellas de Hollywood. Entre los retratados por la cámara de Seawell se encuentran Bette Davis, Janet Leigh, Jayne Mansfield, Doris Day, Kim Novak, Audrey Hepburn, Lucille Ball y Desi Arnaz, y George Burns y Gracie Allen.
Seawll también hizo las fotografías de numerosas álbumes de artistas como Johnny Mathis, Peggy Lee, Dionne Warwick, Diana Ross, Sam Cooke y Pearl Bailey.
"Era un fotógrafo muy respetado", dijo el actor Robert Wagner, recordando que Seawell había sido un buen amigo de él y Natalie Wood cuando los fotografió en su primer matrimonio. "Era muy franco y te sentías muy a gusto con él; estaba en la cima de su oficio".
Durante muchos años, empezando en los sesenta, Seawell trabajó en su casa llena de antigüedades en West Hollywood, donde instaló un estudio en el salón de música.
"Toda su casa era un estudio", dijo Eichler. "Estaba muy decorada y cuidadosamente amoblada con antigüedades y estatuas, y usaba todos los cuartos de la casa para tomar fotografías".
Al principio de su carrera, Seawell trabajó con un contrato personal con Howard Hughes en RKO Pictures, donde ocupaba una oficina junto a la suya.
"Perteneció al glamour y a la edad de oro de Hollywood de fines de los cuarenta hasta mediados de los sesenta", dijo Ron Avery, presidente de Motion Picture and Television Photo Archive, que posee las fotos de Seawell.
"Wally era muy elegante para vestirse, muy correcto y educado, y tenía una manera de trabajar con los personajes famosos que le permitía obtener expresiones y poses realmente maravillosas.
"Sus retratos y su modo de trabajar provenían de una época que ya no existe -cuando tú tenías a un famoso frente a la cámara y habías logrado que en ese momento te dedicara toda la atención para ese propósito y lo tenías así durante una hora o más y tenías el tiempo para hacer tomas maravillosas y realmente ponías el corazón en ello. No era una simple fotógrafo de instantáneas".
Y, dijo Avery, "un montón de gente que fotografió se convirtieron en sus amigos y él siguió tomándoles fotos, más allá de las revistas o de los encargos de los estudios cinematográficos".
Como dijo Seawell al Sarasota Herald-Tribune, de Florida, en 2000, fue "la mejor época para estar en Hollywood".
"Entonces realmente podías conocer a las estrellas", dijo. "Organizaban grandes fiestas en sus casas, y yo tuve la fortuna de ser invitado a la mayoría de ellas. Yo era un buen bailarín, así que bailé con casi todo el mundo. Supongo que Natalie Wood era mi bailarina favorita".
Nacido en Atlanta, Seawell se mudó a Sarasota con su familia cuando tenía siete años. Estimulado por su profesor de arte en la secundaria, se propuso convertirse en pintor retratista. Pero se fascinó con la fotografía y fue aceptado como estudiante en el Instituto de Tecnología de Rochester, donde se graduó cum laude en 1940.
Tras producir y diseñar unas cincuenta películas de adiestramiento para el Cuerpo de Señales del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, Seawell se mudó a Los Angeles.

8 de junio de 2007
4 de junio de 2007
©boston globe
[viene de mQh ]