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Murió Betsy Blair


Actriz de cine y teatro. Trabajó en ‘Marty’. Ernest Borgnine recuerda a la actriz -que estuvo en la lista negra anticomunista de los años cincuenta y fue nominada a un Oscar- como la "persona más linda que te habría gustado conocer".
[Dennis McLellan] Murió Betsy Blair, una actriz mejor conocida por su papel como la tímida maestra que conoce al solitario carnicero (Ernest Borgnine) en el Stardust Ballroom en la película ‘Marty’, de 1950. Tenía 85 años.
Blair, que estuvo en la lista negra en Hollywood en los años cincuenta cuando estaba casada con la leyenda de la pantalla, Gene Kelly, y más tarde se casó con el director Karel Reisz, murió de cáncer en un hospital de Londres el 13 de marzo, informó su hija, Kerry Kelly Novick.
La pelirroja actriz ganó una nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria como Clara Snyder en ‘Marty’, que recibió el Oscar a la mejor película -así como el Oscar al mejor guionista, Paddy Chayefsky; al mejor director, Delbert Mann y a Borgnine.
El crítico de cine de Los Angeles Times, Edwin Schallert, escribió en su reseña que Blair "brilla con Borgnine como la tierna y comprensiva alelí a la que conoce en el salón de baile, y con la que encuentra profunda y mutua comprensión, porque él mismo parece un pulpo en un garaje".
La pareja en pantalla de Borgnine y Blair en la película, en la que "un chico solitario conoce a una chica solitaria", escribió el crítico de cine del New York Times, "forman un gran equipo".
Borgnine dijo esta semana a Los Angeles Times que había estado pensando sobre Blair cuando firmaba autógrafos que serían insertados en ejemplares en su autobiografía publicada recientemente en una gira de promoción en Londres, en abril, cuando se enteró de su deceso.
"Estaba pensando: ‘Uh, era siempre muy puntual, era una mujer maravillosa, de voz suave, y la persona más linda que te habría gustado conocer", dijo Borgnine. "Sabía lo que hacía. Pensé que se merecía el Oscar, pero prevalecieron otras opiniones, supongo".
Jo Van Fleet ganó el Oscar por ‘Al este del Edén’ [East of Eden].
La actuación de Blair en ‘Marty’, dijo Borgnine, "fue absolutamente adorable. Era un placer trabajar con ella".
Sin embargo, Blair estuvo a punto de perder el papel de Clara, para el que había sido recomendada por Chayefsky. Estaba en la lista negra desde 1950.
La actriz, que había asistido a una reunión de un grupo de estudio marxista semanal en Nueva York cuando tenía dieciséis años, fue espiada más tarde por el FBI por su acercamiento a organizaciones de izquierda, como el Joint Anti-Fascist Refugee Committee, el Sleepy Lagoon Committee y el Civil Rights Congress.
Pero los ideales de Blair "fueron siempre estadounidenses, no rusos", escribió en sus memorias de 2003, ‘The Memory of All That’. Y sus "guerras y contribuciones -por pequeñas que fuesen- fueron contra el racismo, por sindicatos más fuertes, por los derechos de la mujer. Para decirlo simplemente, por la democracia".
No fue sino hasta la tercera e impresionante lectura de Blair para el papel de Clara que se tocó el tema de la lista negra cuando el productor Harold Hecht la llamó y le pidió, disculpándose, si podía escribir una carta que aclarara su situación.
Como cuenta Blair en sus memorias, Hecht le dijo que no tenía que dar nombres -al menos, no nombres que no fuesen conocidos.
Quería el papel tan desesperadamente que accedió a escribir una carta, sin mencionar nombres. En ella, que dice que suena como "el ensayo de una colegiala para la clase de educación cívica", expresaba su amor por su país y "hablaba de la libertad de expresión y de la Constitución estadounidense y el sufragio secreto".
Pero, escribe en su libro, "tanto Harold Hecht como yo sabíamos que no sería aceptada. No se parecía en nada a lo que quería el Comité de Actividades Antiestadounidenses [Un-American Activities Committee ], no, exigía".
Finalmente, el marido Kelly -una de las más grandes estrellas de MGM- intervino pidiendo a la directora de la compañía, Dore Schary, que "hiciera algo" para ayudar a su esposa a conseguir el papel o de otro modo pararía el rodaje de la película en la que estaba trabajando.
"Y Dore lo hizo", escribió Blair. "Llamó a la Legión Americana en Washington y luego frente a Gene, y juró por mí. Y así llegué a ‘Marty’".
En 1957, un año después de su nominación a un Oscar, Blair y Kelly se habían divorciado, y Blair se marchó a París.
"¿Cómo pude dejar a Gene, a este hombre maravilloso, después de dieciséis años de matrimonio?", dijo Blair en una entrevista de 2003 con la revista New Yorker. "Hasta el día de hoy no puedo explicarlo". Luego agregó: "No tenía nada que ver con sexo. Tenía que ver con ser libre".
Después de mudarse a Europa, Blair apareció en la película de Michelangelo Antonioni, ‘El grito’ [Il Grido] y varias otras películas en los años siguientes, incluyendo ‘Mentiras que mi padre me contó’ [Lies My Father Told Me], ‘Noche de pesadilla’ [All Night Long] y ‘Sinilita’.
En 1963, después de mudarse a London, se casó con Reisz. Su matrimonio duró hasta su muerte en 2002.
Entre las esporádicas actuaciones posteriores de Blair se encuentran ‘Un equilibrio delicado’ [A Delicate Balance] (1973), ‘El sendero de la traición’ [Betrayed] (1988) y la mini-serie de televisión de 1994, ‘Scarlett’.

Blair nació como Elizabeth Winifred Boger el 11 de diciembre de 1923, en Cliffside Park, Nueva Jersey. Recibió clases de baile cuando era niña. Cuando tenía once estaba haciendo zapateo americano en un espectáculo amateur que recorrió Nueva Jersey y pronto encontró trabajo como modelo en la agencia de modelaje John Roberts Powers.
Apenas tenía dieciséis en 1940 cuando hizo una audición para el coro de Billy Rose’s Diamond Horseshoe, un club nocturno donde Kelly trabajaba como coreógrafo. Se casaron al año siguiente.
Blair, que también bailaba en el coro del musical en Broadway, ‘Panama Hattie’, fue la protagonista de la obra en Broadway, William Saroyan, ‘The Beautiful People’ en 1941.
Más tarde ese mismo año, en las secuelas del éxito de Kelly en el exitoso musical de Broadway, ‘Pal Joey’, se mudaron a Hollywood para iniciar la carrera cinematográfica de Kelly.
Blair empezó a actuar en películas a fines de los años cuarenta y tuvo varios papeles en películas de la época, incluyendo ‘The Guilt of Janet Ames’, ‘Al otro lado del bosque’ [Another Part of the Forest], ‘Nido de víboras’ [Another Part of the Forest] y ‘La dama amable’ [Kind Lady].
A fines de los años setenta, se licenció en logopedia y trabajó durante unos años como terapeuta del habla mientras seguía actuando.
Además de su hija, la sobreviven tres hijos adoptivos - Matthew, Toby y Barney Reisz; ocho nietos; y cuatro nietos.

23 de abril de 2010
20 de marzo de 2010
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Murió Meinhardt Raabe


Fue uno de los munchkins en ‘El mago de Oz’, la clásica película de 1939 y proclamó que la Bruja Mala del Este estaba "realmente, sinceramente muerta".
Murió el viernes en un hospital de Orange Park, Florida, después de un aparente ataque al corazón, informó su cuidadora, Cindy Bosnyak.
Raabe fue uno de los 124 munchkins en la clásica película de 1939 y uno de los nueve que tuvieron roles con diálogo.
Representó al funcionario munchkin que pronuncia muerta a la bruja, solemnemente, después de que la granja de Dorothy cayera sobre ella: "Como médico forense debo declarar que la he examinado minuciosamente, y no está solamente muerta, está realmente, muy sinceramente muerta".
En 2007 Raabe fue uno de los siete munchkins sobrevivientes que asistieron a la inauguración de una estrella de los munchkins en el Paseo de la Fama. Deleitaba al público recitando sus frases famosas en la película.
"No hay nada en la película que la haga anticuada", dijo a la Associated Press en 1988 sobre el continuado atractivo de la película. "No son coches clásicos o tranvías clásicos... Es una película de fantasía que será fantasía para muchas generaciones".
Raabe tenía una estatura de 1.06 metros cuando se hizo la película y finalmente creció hasta medir 1.37 metros. No podía recordar cuánto le habían pagado por el papel, pero "según las normas de hoy, la gente diría que estás si loco si trabajas por esa paga".

Raabe, nacido en Watertown, Wisconsin, en 1915, fue miembro del reparto de Midget City en la Feria Mundial de Chicago en 1934. Trabajó en ferias de ese tipo para pagar sus estudios universitarios.
Recibió su licenciatura en contabilidad en la Universidad de Wisconsin y, años más tarde, un posgrado en administración comercial en la Universidad Drexel.
En 1946 Raabe se casó con Marie Hartline, que trabajaba en un espectáculo de vaudeville llamado Rose’s Royal Midget Troupe. Murió en un accidente de carretera en 1997.
Raabe también recorrió en país durante treinta años en el Oscar Mayer Weinermobile, promoviendo los perritos calientes como el ‘Pequeño ‘Óscar, el Chef Más Chico del Mundo’. Estaba trabajando en el departamento de relaciones públicas de Oscar Mayer cuando se enteró de los papeles en ‘El mago de Oz’.
"Todas las personas chicas que pasaron por la puerta principal encontraron trabajo en MGM", dijo a la United Press International en 1989.
Raabe se convirtió en un visitante regular de un evento anual en Chittenango, Nueva York, el lugar de nacimiento de L. Frank Baum, autor de ‘Oz’, después de leer sobre ello a fines de los años ochenta.
"En realidad, las cosas no empezaron sino hasta que Meinhardt vino por primera vez y empezaron a venir munchkins", dijo la organizadora Barbara Evans en 1998.

22 de abril de 2010
11 de abril de 2010
©los angeles times 
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Murió Corin Redgrave


Actor y activista.
[Bruce Weber] Murió el martes en Londres, Corin Redgrave, un versátil actor y ardiente activista político de izquierda que, como hijo de Michael Redgrave y hermano de Vanessa y Lynn Redgrave, era el príncipe de la familia real del teatro inglés. Tenía 70 años.
Su muere fue anunciada por su esposa, Kika Markham, informó la Associated Press. Había sufrido un ataque al corazón en 2005.
Redgrave era un artista menos famoso que su padre, que era conocido por su shakespereana elocuencia, su pinta de ídolo de matiné y turbulenta vida personal; o sus hermanas, que son internacionalmente reconocidas, tan elegantes como exitosas. Pero era un actor vigoroso, apasionado, que se convirtió en un veterano del teatro británico, tanto en comedias como en tragedias, y se sentía especialmente en su casa en perdurables obras de Shakespeare, Chekhov, Noël Coward y Harold Pinter.
También tuvo papeles secundarios en numerosas películas, incluyendo tres por las cuales es probablemente mejor conocido entre el público estadounidense: ‘En el nombre del padre’ [In the Name of the Father], la película de Jim Sheridan de 1993, con Daniel Day-Lewis como protagonista, sobre cuatro personas acusadas falsamente del atentado en un bar cerca de Londres; ‘Cuatro bodas y un funeral’ [Four Weddings and a Funeral], la popular comedia de 1994, con Hugh Grant y Andie MacDowell como protagonistas; y ‘Persuasión’ [Persuasion] (1995), la adaptación de Roger Mitchell, de la novela de Jane Austen.
Pero tanto al principio como al final de su carrera, causó gran impresión por sus actuaciones en el teatro estadounidense. Representó a un piloto aristócrata que da un culminante discurso en ‘Chips With Everything’, una obra de Arnold Wesker sobre las divisiones de clase entre los cadetes de la Real Fuerza Aérea, que pasó del Teatro de la Corte Real de Londres, a Broadway en 1963. Y en 1999 volvió a Broadway como Boss Whalen, un sádico gendarme de prisiones en ‘No sobre ruiseñores’ [Not About Nightingales], de Tennessee Williams -una actuación por la que fue nominado a un Tony. Reseñando la obra para el New York Times, Ben Brantley escribió que Redgrave "es el disoluto y lujurioso Boss Whalen con un exagerado y vivaz satanismo que es igual de inquietante que entretenido".
Durante su vida, Redgrave dedicó enorme energía tanto a las causas políticas como a la actuación. Trotskista declarado, mantuvo estrechos lazos con organizaciones de extrema izquierda como la Liga Socialista del Trabajo [Socialist Labor League] y el Partido Revolucionario de los Trabajadores [Workers Revolutionary Party] en Gran Bretaña; estaba convencido de haber perdido oportunidades de trabajo como actor debido a sus opiniones radicales.
Con su hermana Vanessa, que compartía muchas de esas convicciones, fundó el Moving Theater, una compañía que prefería las obras políticas. Entre estas se incluyeron ‘No sobre ruiseñores’, una muy temprana pieza de Williams que no se había representado y había sido olvidada antes de que a Redgrave le picara la curiosidad sobre esta mientras investigaba sobre un personaje en ‘El descenso de Orfeo’ [Orpheus Descending]. Con el Alley Theater de Houston, Moving Theater produjo su estreno mundial en el Real Teatro Nacional [Royal National Theater] en 1998.
Vanessa Redgrave logró hacer su carrera pese a su controvertida franqueza (a favor de los palestinos, por ejemplo), pero para Corin fue difícil. La relación entre sus dos pasiones era curiosa, y fue largamente debatida en círculos de actores, especialmente durante la parte resurgente más tarde en su carrera, cuando se reconocía que estaba en la cúspide de su talento.
Nunca perdió el fervor radical -en 2004 formó parte de un movimiento llamando a la impugnación del primer ministro Tony Blair por la guerra en Iraq-, pero en sus últimos años sus posturas políticas y artísticas parecían más sincronizadas.
"Veo el renacimiento de la carrera de Corin coincidiendo con la caída del Muro de Berlín", dijo en una entrevista con el Times en 1999, Michell, el director de cine. "No creo que la batalla esté perdida, pero quizás superó el dogmatismo".

Corin William Redgrave nació en Londres el 16 de julio de 1939, el segundo hijo de Michael Redgrave y la actriz Rachel Kempson. (Vanessa había nacido dos años antes, Lynn, cuatro años después). Estudió en Cambridge e hizo su debut en el teatro en 1962 en el Teatro de la Corte Real como Lysander en ‘El sueño de una noche de verano’ [A Midsummer Night’s Dream], dirigida por Tony Richardson, que se casó con Vanessa para esa época. (Sus hijas -las sobrinas de Redgrave- Natasha Richardson, que murió el año pasado, y Joely Richardson, se convirtieron en parte del árbol dramático Redgrave).
El primer papel notable de Redgrave en el cine lo tuvo en el drama histórico ‘A Man for All Seasons’ [Un hombre para la eternidad], de 1966, sobre el conflicto entre Sir Thomas More (Paul Scofield) y Enrique VIII (Robert Shaw).
El primer matrimonio de Redgrave con Deirdre Hamilton-Hill, que murió en 1997, terminó en divorcio. Tuvieron dos hijos, una hija -Jemma- y un hijo -Luke, que le sobrevive. Además de sus hermanas y su esposa, Markham, entre los sobrevivientes se encuentran Harvey y Arden, y nietos.
En 1995 Redgrave escribió un libro, ‘Michael Redgrave - My Father’, que gira franca y conmovedora sobre su difícil relación (incluyendo la bisexualidad de Michael) y que fue tema de un documental para la televisión. En 2004, Redgrave se puso en los enormes zapatos del protagonista de ‘El rey Lear’ [King Lear], con la Royal Shakespeare Company en el mismo teatro en Stratford-upon-Avon donde Michael hizo el papel más de cincuenta años antes.
"Pero, aunque es elegantemente fácil sugerir que su carrera fue malograda por sus actividades políticas, sospecho que su talento estaba íntimamente relacionado con sus posiciones políticas radicales", escribió el crítico británico Michael Billington, en The Guardian, después de la muerte de Redgrave. Y, si disfrutó de un dorado renacimiento dramático desde fines de los ochenta en adelante, puede tener que ver menos con la política que con su determinación a heredar el manto de su venerado padre".

21 de abril de 2010
6 de abril de 2010
©new york times 
cc traducción mQh

Murió Christopher Cazenove


Elegante actor británico.
[Margalit Fox] Murió el miércoles en Londres, donde vivía, Christopher Cazenove, el desenvuelto actor británico mejor conocido por el público estadounidense como Ben Carrington, el intrigante hermano de Blake Carrington en el culebrón del ABC, ‘Dinastía’ [Dynasty]. Tenía 66 años.
La causa de su muerte fue una septicemia, que contrajo a fines de febrero, informó su agente Lesley Duff.
Como Ben, el detestado y calculador hermano que vuelve para hacer problemas a Blake, Cazenove apareció en ‘Dinastía’ entre 1986 y 1987. Blake fue representado por John Forsythe, que murió el 1 de abril pasado.
Cazenove fue frecuentemente abordado para representar a hombres de porte militar, rasgos que se correspondían perfectamente con sus propios orígenes. Como joven actor llamó la atención como Charles Haslemere, el encantador y canallesco aristócrata en la serie de la BBC, ‘La duquesa de Duke Street’ [The Duchess of Duke Street]. La serie fue transmitida en Estados Unidos en el ‘Masterpiece Theater’, de PBS, de 1978 a 1980.
En 1989, Cazenove fue protagonista, con Margaret Whitton y Ernie Sabella, de la serie de ABC, elogiada por la crítica pero de breve duración, ‘A Fine Romance’.
En cine trabajó en ‘La propietaria’ [The Proprietor] (1996), dirigida por Ismail Merchant y con Jeanne Moreau como protagonista; ‘Tres hombres y una pequeña dama’ [Three Men and a Little Lady] (1990); ‘Oriente y Occidente’ [Heat and Dust] (1983), dirigida por James Ivory; y ‘El ojo de la aguja’ [Eye of the Needle] (1981).

Christopher de Lerisson Cazenove nació en Winchester, Inglaterra, el 17 de diciembre de 1943. En el siglo diecinueve, su familia, de orígenes hugonotes, fundó lo que se convirtió en Cazenove & Company, un importante banco de inversiones británico. La compañía es conocida hoy como J.P. Morgan Cazenove.
El padre de Christopher, Arnold de Lerisson Cazenove, fue brigadier de los Coldstream Guards y más tarde edecán del Rey George VI. Christopher estudió teatro en la Bristol Old Vic Theater School y empezó su carrera como actor de teatro.
El matrimonio de Cazenove con Angharad Rees, una actriz nacida en Gales que fue protagonista en la serie de la BBC, ‘Poldark’, en los años setenta, terminó en divorcio. Entre sus sobrevivientes se encuentran su hijo Rhys y la pareja de Cazenove, Isabel Davis. Otro hijo, Linford, de su matrimonio con Rees, munió en un accidente de carretera en 1999.
En 2007 y 2008, Cazenove apareció en teatros en América del Norte como el profesor Henry Higgins, en la gira de ‘My Fair Lady’ [Mi bella dama], dirigida por Trevor Nunn. Las reseñas elogiaron su actuación, destacando una conspicua diferencia entre Cazenove y Rex Harrison, que tuvo el papel original en Broadway en 1956: Cazenove podía cantar.

15 de abril de 2010
9 de abril de 2010
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mQh

Murió John Forsythe


Actor conocido por sus papeles en series de televisión como ‘Papá soltero’, ‘Los ángeles de Charlie’ y ‘Dinastía’. También tuvo éxito en el teatro, con ‘La casa de té en la luna de agosto’ y en películas como ‘¿Quién mató a Harry’ y ‘Topaz’.
[Claudia Luther] Murió el jueves John Forsythe, el elegante actor de cabellos plateados y melodiosa voz que era conocido por millones de espectadores por sus papeles en las populares series de televisión ‘Papá soltero’ [Bachelor Father], ‘Los ángeles de Charlie’ [Charlie’s Angels] y ‘Dinastía’ [Dynasty]. Tenía 92 años.
Forsythe, que había sido sometido a una intervención quirúrgica de revascularización miocárdica en 1979 y estuvo hospitalizado por un cáncer al colon en 2006, murió en su casa en el pueblo de Santa Ynez, condado de Santa Bárbara, por complicaciones de una pulmonía, informó su publicista Harlan Boll.
Talentoso en comedia y drama, el actor empezó su larga carrera en Broadway, donde reemplazó a Henry Fonda en ‘Mister Roberts’ y fue más tarde el actor protagónico de la exitosa comedia ‘Teahouse of the August Moon’ [La casa de té en la luna de agosto]. También apareció en numerosas películas, incluyendo ‘¿Quién mató a Harry?’ [The Trouble With Harry], de Alfred Hitchcock, y ‘Topaz’.
Pero fue mejor conocido por tres papeles: como Bentley Gregg, un tío solterón cuya vida social se reduce considerablemente cuando debe cuidar a una joven sobrina; el invisible Charlie, que encarga misiones a sus tres sensuales y jóvenes detectives en ‘Los ángeles de Charlie’; y más notablemente como Blake Carrington, el magnate del petróleo en torno a cuya vida giró uno de los culebrones más populares de la televisión, ‘Dinastía’, que se transmitió entre 1981 y 1989.
El actor describió una vez a Carrington como un hombre "despiadado, poderoso, cruel, egoísta, amable, cariñoso, tierno, apasionado". Un personaje elegante, inspiraba las peleas entre su vengativa ex esposa (Joan Collins) y su melancólica segunda mujer (Linda Evans) mientras capeaba las interminables crisis.
"Era uno de los tres últimos verdaderos caballeros del gremio de actores", dijo Collins en una declaración. "Disfruté de nuestras... discusiones, reproches y peleas como los Carrington".
Forsythe obtuvo el papel en parte porque había actuado contra su imagen televisiva como papá bueno haciendo de juez sádico en la película de Norman Jewison, ‘Justicia para todos’ [...And Justice for All], de 1979, con Al Pacino.
"Ser visto en un papel tan irredimible fue una revelación para algunos", dijo Forsythe al Times en 1980 sobre su retrato del juez.

Nació como John Lincoln Freund el 29 de enero de 1918 en Penns Grove, Nueva Jersey, hijo de Samuel Freund y su esposa, Blanche. Cuando John tenía seis años, la familia se mudó a Nueva York, donde su padre empezó a trabajar en Wall Street.
Jugó béisbol en la secundaria y en la universidad, estudió en la Universidad de Carolina del Norte en Chapell Hill y pasaba los veranos como locutor de estadio en Ebbets Field para los Brooklyn Dodgers.
"Incluso entonces poseía esa voz meliflua y acariciante... y era extremadamente guapo, y eso lo convertiría en ideal para el mundo del espectáculo durante medio siglo", escribió sobre Forsythe el columnista de deportes del Times, Jim Murray, en 1990.
Después de dejar la universidad, Forsythe hizo papeles en culebrones radiales antes de pasarse al cine.
Trabajó en películas de 1943 relacionadas con la guerra, más notablemente en ‘Destino Tokio’ [Destination Tokyo], con Cary Grant. Ese mismo año, se enroló en la Fuerza Aérea del Ejército y continuó su papel como el soldado John Forsythe en ‘Cita en los cielos’ [Winged Victory], la pieza de Broadway producida por la Fuerza Aérea del Ejército.
Después de la guerra, Forsythe volvió a las tablas como uno de los hijos en ‘Todos eran mis hijos’ [All My Sons], dirigida por Elia Kazan. También estudió en el Actors Studio, donde destacó por sus tenidas elegantes.
Marlon "Brando y Montgomery Clift y todos ellos llegaban con camisetas desgarradas mientras yo lucía mi camisa abotonada", contaría Forsythe más tarde. "Me llamaban el bohemio de Brooks Bros."
Estuvo en la gira de ‘Mister Roberts’ y reemplazó a Fonda en el papel protagónico durante los tres años que se representó la pieza en Broadway.
Para entonces, Forsythe estaba incursionando en televisión en vivo en programas de teatro como ‘Kraft Television Theatre’, pero volvió a Broadway en 1953 en ‘The Teahouse of the August Moon’. Su genial actuación en la comedia le ganó que lo compararan con Fonda.
"Me hizo sentir que valía la pena como actor", dijo Forsythe más tarde sobre el papel.
En los años cincuenta, fue protagonista en numerosas películas, entre ellas ‘Sucede todos los jueves’ [It Happens Every Thursday], con Loretta Young; ‘Todo menos la verdad’ [Everything but the Truth], con Maureen O’Hara; y ‘¿Quién mató a Harry?’, que fue el debut en el cine de la joven Shirley MacLaine.
Pero para entonces, Forsythe, un hombre de familia, quería roles que lo mantuvieran más cerca de casa. En 1943, se había casado con la actriz y cantante Julie Warren, con la que tuvo dos hijas -Page y Brooke-, además de su hijo Dall, de su breve matrimonio con la actriz Parker McCormick.
En 1957 empezó a trabajar en la televisión en ‘Papá soltero’, un programa para la familia que también contó con Noreen Corcoran como su sobrina, y Sammee Tong como su criado. El programa se transmitió durante cinco años.
"El verdadero chiste no es que, soltero, sea el padre de la niña", dijo a TV Guide en 1960. "Lo divertido es que Sammee Tong se comporta en todas nuestras crisis familiares como si él fuera su madre".
Pronto le siguió ‘The John Forsythe Show’, otra comedia. Pero consideró el programa de una sola temporada como un desastre poco digno del olvido.
Continuó trabajando en películas, incluyendo ‘Como en una pesadilla’ [Kitten With a Whip], con Ann-Margret como una delincuente juvenil; ‘La mujer X’ [Madame X], con Lana Turner; y en la dramatización de la escalofriante novela de Truman Capote, ‘A sangre fría’ [In Cold Blood], de 1967, en la que Forsythe representó a un detective.
También, en 1964, hizo historia cuando fue protagonista de ‘See How They Run’, del canal NBC, presentada como la primera película hecha para la televisión.
En 1969 volvió a las series de televisión con ‘To Rome With Love’, también como padre soltero -esta vez como un profesor universitario viudo con tres hijas que enseña en Italia.
En 1976 fue el tío Charlie Townsend -la incorpórea voz en la exitosa serie de ABC que empezaba con la frase: "Érase una vez tres niñas que estudiaban en la academia de policía..." La serie convirtió a Farrah Fawcett en una estrella, junto con Kate Jackson, Jaclyn Smith y Cheryl Ladd, entre otras actrices.
Antes de que terminara ‘Los ángeles de Charlie’ en 1981, después de cinco temporadas, Forsythe fue incorporado a ‘Dinastía’, de ABC, con sus épicos personajes y extraordinarias tramas.
Basó su interpretación de Carrington en el presidente de MCA, Lew Wasserman, que era "fuerte y rudo, pero muy íntegro", dijo Forsythe al Times en 1991.
Aunque Forsythe tuvo una larga y respetable carrera, dijo al diario en 1992: "He tenido una vida interesante para un tipo que tropezó con el negocio de la actuación".
Durante muchos años, Forsythe se dedicó activamente a las carreras de caballo y poseía caballos de pura sangre en su rancho al norte de Santa Bárbara. Fue portavoz nacional de la Breeders’ Cup y estuvo en el directorio de Hollywood Park durante varios años.
Julie, la primera mujer de Forsythe, murió en 1994, después de más de cincuenta años de matrimonio. En 2002, se casó con Nicole Carter, que le sobrevive, así como su hijo Dall; sus hijas Page Courtemanche y Brooke Forsythe; seis hijos; y cinco nietos.

13 de abril de 2010
3 de abril de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Jean Simmons


Guapa estrella británica actuó en ‘Espartaco’ y ‘Ellos y ellas’.
[Richard Natale] Murió el viernes en su casa en Santa Mónica, después de luchar contra un cáncer al pulmón, la actriz británica Jean Simmons, que llegó a Estados Unidos por su papel en ‘Hamlet’, de Laurence Olivier, y se convirtió en una actriz principal durante los años cincuenta y sesenta.
Renombrada por su belleza tanto como por su talento como actriz, Simmons pertenecía al grupo de actrices nacidas en el extranjero como Vivien Leigh y Audrey Hepburn, aunque nunca tuvo el éxito internacional de estas. Sin embargo, actuó en decenas de películas importantes, como ‘El fuego y la palabra’ [Elmer Gantry], ‘Espartaco’ [Spartacus] y ‘Ellos y ellas’ [Guys and Dolls].
Simmons también trabajó más tarde en teatro y ocasionalmente en cine, volviendo a hacer papeles de carácter a mediados de los años noventa en películas como ‘Donde reside el amor’ [How to Make an American Quilt].
Nació el 31 de enero de 1929, en Londres, como Jean Merilyn Simmons. A diferencia de la mayoría de las actrices británicas, no estudió teatro y debutó en el cine con ‘Give Us the Moon’, en 1942.
Tuvo papeles secundarios en ‘César y Cleopatra’ [Caesar and Cleopatra], ‘Más allá de las nubes’ [The Way to the Stars; La túnica sagrada] y ‘Mr. Emmanuel’. Luego fue la joven Estella en ‘Cadenas rotas’ [Great Expectations], de David Lean, que le reportó un papel en ‘Narciso negro’ [Black Narcissus].
Pero fue su papel como Ofelia en la película ‘Hamlet’, de Olivier y galardonada con un Oscar en 1948 la que la convirtió en una estrella internacional y que le significó su primera nominación a un Oscar. En 1964 debutó en Broadway en ‘Big Fish, Little Fish’, que cerró antes de llegar al Great White Way. Durante dos años hizo una gira con ‘A Little Night Music’, de Stephen Sondheim, y apareció en películas para la televisión, entre ellas ‘El pájaro espino’ [The Thorn Birds; El pájaro canta hasta morir], ‘El valle de las muñecas’ [Valley of the Dolls] y ‘Un pequeño asesinato’ [A Small Killing]. Simmons trabajó hasta hace poco. Suministró la voz para la versión inglesa de ‘El castillo ambulante’ [Howl’s Moving Castle], de Hayao Miyazaki, y protagonizó el drama sobre una madre y su hijo, ‘Shadows in the Sun’ (2009), del director David Rocksavage.
Le sobreviven sus hijas Tracy, de su matrimonio con Stewart Granger, y Kate, de su matrimonio con Richard Brooks.

12 de abril de 2010
24 de enero de 2010
©variety
cc traducción mQh

Sobre Manuel Puig


No creía en Dios, pero sí en Rita Hayworth. Y su vida hasta los créditos se pareció a una película. Rechazado como Bovary, adaptó el cine a la novela y amó hasta el desgarro. Así lo cuenta Ítalo Manzi, autor del libro ‘Mi gran amigo salvaje’.
[Gabriela García] Fue de mañana. A la hora en que las historias hacían rondas en su cabeza. Sentado frente a la máquina y bosquejando a duras penas la segunda escena de ‘Madrid 37’ (un guión encargado por la directora española Marina Cañonero), Manuel Puig sintió la embestida de la muerte. "Llévame al médico", le suplicó a su madre (Male) cuando ésta volvía de la piscina y se encontró al argentino con los ojos hundidos y las manos apretadas contra el vientre.
La escena ocurrió hace veinte años en la vieja casa familiar de Cuernavaca y parece la previa a los créditos de una película. En ésta el escritor que renovó la literatura trasandina es dirigido al quirófano, y posteriormente operado de la vesícula. A los tres días, un sábado y después de comer puré, su corazón hace cortocircuito. Ese día, el 22 de junio de 1990, Coco (así lo llamaban sus cercanos) se reencarna en leyenda.

Sinopsis Vital
Que lo mató la tacañería, que era mitómano, que tuvo dos hijos o que murió de sida. Si hay un mito que encabeza la vida de Manuel Puig es el de Edipo. Soltero y con 58 años, comía por las noches con su madre y sagradamente tenía que llevarle una película de cine americano. Además, si el momento de su muerte los pilló juntos fue porque ésta lo mandó llamar a Río de Janeiro. "La culpa de su muerte la tiene la Male que lo hizo venirse a México porque tenía frío y necesitaba piletas temperadas para la enfermedad del corazón", le dijo un vidente colombiano a Italo Manzi, crítico literario y amigo personal del trasandino, que por estos días promueve un libro de correspondencias titulado en sueco ‘Min vilda vän’, que quiere decir mi gran amigo salvaje. "La madre es un personaje muy especial. Él la quería mucho, pero también estaba a veces harto de ella. Le hizo bien, pero mucho mal también, porque le impidió tener la plena libertad para hacer lo que quería", afirma Manzi.
Nacido en General Villegas, Argentina, el 28 de diciembre de 1932, Puig fue un niño que creció viendo películas en un destartalado cine de provincia. Hijo de Baldomero, un severo fraccionador de vinos ("me echa todos los amigos", decía Manuel) y golpeado en el colegio por su precoz amaneramiento, el niño se refugia en el ensueño de Hollywood y en los sublimes ojos de divas como Bette Davis o Rita Hayworth, estrella de cine con la que titularía años más tarde la famosa novela de 1965 con la que postuló animado por Juan Goytisolo al Concurso Biblioteca Breve de la editorial Seix Barral (‘La traición de Rita Hayworth’) y que, según dice el rumor, no pasó la final por oposición de Mario Vargas Llosa. "Creen que soy un best seller pasajero, no un escritor. Lo mismo pasó con Roberto Arlt hace 30 años", diría más tarde el escritor que caminaba en cámara lenta y suspiraba más de lo que hablaba sobre el rechazo que en un principio causó su obra.
Bebiendo de la gran pantalla, el folletín, la telenovela, el radioteatro o las necrológicas y reivindicando la cursilería, Puig es un autor que envuelve en satín sentimientos como el fracaso, la nostalgia, el dolor y el desamor, entre otros sentimientos que moldea la cultura pop a su antojo. Melodramático, es raro imaginar que haya partido inscribiéndose en los años 50 en la Facultad de Arquitectura de Buenos Aires. Y aunque se cambió al año a Filosofía y Letras, es en 1956 cuando verdaderamente empieza a pasarse películas.
En Roma y gracias a una beca, estudia cine en el Centro Sperimentale di Cinematografia. Escenario que inspira sus primeros libretos y desde donde le cuenta a Manzi, a finales de los ’60, el nacimiento de su vocación literaria. "Ahora una noticia: allá por marzo caí en un pozo de desesperación y a modo de descarga nerviosa se me dio por escribir a tontas (?) y a locas (!!!) y me está saliendo una especie de novela. Los que han visto los primeros capítulos están entusiasmados ¿¿ ???? Jamás me hubiera imaginado meterme en un berenjenal semejante", le escribe al hombre sobre las que se convertirían en los libros ‘La traición de Rita Hayworth’ y ‘Boquitas pintadas’.

Sexacional
Rechazado como la Madame Bovary de Flaubert, Manuel era de esos tipos condenados a los "amores impuros", como le diría a Tomás Eloy Martínez. Enamorado de un obrero que colocaba tuberías de gas en Buenos Aires o de un panadero al que soñaba con enseñarle inglés en Italia, da la impresión de que Puig era de esas estrellas de cine que deben sufrir mucho antes de sonreír.
Por eso la "amistad amorosa" entre él y Manzi es una de las vivencias que le salva la vida. Conocidos en Francia, no fue hasta varios años más tarde que el amor explotó en Buenos Aires. "Nos conocimos en la Ciudad Universitaria de París, cuando él iba rumbo a Londres, donde escribía y trabajaba lavando platos. Recuerdo que no nos caímos nada bien. Él me encontró tímido y pretencioso y a mí me molestaba que hablara en femenino y exagerara la parte gay", cuenta Manzi sobre quien a esas alturas se refería a sí mismo como Rita o Julie (por Julie Christie) y llamaba a sus amantes ocasionales como los amores de Hayworth: Orson, Alí, Dick o Jim. A su vez, tenía nombre de diva para colegas como Carlos Fuentes (Ava Gardner), Tomás Eloy Martínez (Jane Russell) y Mario Vargas Llosa (Elizabeth Taylor).
"O la cortas con eso o lo nuestro se acaba", le rayó la cancha Manzi antes de hacer el amor. Desde entonces no dejaron de encontrarse y escribirse. "Fue un sábado, me acuerdo, y su familia no estaba en Buenos Aires. Era verano y resultó muy lindo y natural. Manuel era siempre divertido, si se ponía celoso era casi en broma porque nunca tuvimos una cosa atada. Tampoco mantuvimos la fidelidad", revela sobre una relación que perduró por treinta años y que el libro retrata con cartas donde se devela un Puig cinéfilo, viajero y soñador. Además destapa su sexualidad. "Es cierto que era gay y le gustaban los hombres, pero tenía muchas relaciones sexuales con mujeres. Puig era bisexual, él decía que era el estado natural del ser humano", explica Manzi. Pero hay también otro rito que narra el libro. El de las noches en que se juntaban a tocar piano y Manuel soñaba con lanzar a Manzi a la fama. Entonando letras ‘Come on, join the party’, originalmente en la voz de Marlene Dietrich en la cinta ‘Witness for the prosecution’, el escritor volvía a respirar como una estrella de cine. "Manuel fantaseaba con una presentación mía y preparaba la publicidad. Había que elegir el nombre. Pero yo me empeñé en que tenía que ser el del héroe del ‘Kalevala’, la epopeya finlandesa. Al fin, Manuel encontró mi sobrenombre: "Rauno, el chico de voz sexacional". Nos reíamos mucho", dice Manzi.

Tangos y Flores
Vanguardista u oscuro como William Faulkner, según la necrológica del New York Times, Coco pensaba que sus libros tenían que ser un buen show. O un tango de esos que te hacen sudar hasta el desgarro. Brutalmente honesto pero a la vez dulce, en el famoso libro adaptado a la pantalla grande ‘El beso de la mujer araña’ queda en evidencia lo que éste pensaba de la homosexualidad ("No existe. Es una proyección de la mente reaccionaria. Estoy convencido de que el sexo carece absolutamente de significado moral", dijo Puig en entrevistas), pero también el dolor que le causó la dictadura argentina. Terminado en México ‘El beso de la mujer araña’, el autor había huido allí después de que su obra ‘The Buenos Aires Affaire’ (1973) había sido censurada en su tierra natal. Además, la historia cuenta que hasta recibió amenazas de muerte de parte de la Triple A.
Por esta razón y por lo desapercibida que pasó ‘El beso de la mujer araña’ en Argentina, es que Manuel falleció padeciendo sentimientos encontrados con una patria que lo consideró en un momento un best seller y un talento que sería devorado y olvidado por el mercado. Y que hoy le rinde honores como uno de los escritores más importantes y novedosos del siglo XX.
La partida de Argentina, sin embargo, lo conduce al renombre internacional. Viajando por Nueva York, Suecia, Londres y Sudamérica, Coco hace lo imposible: adaptar el cine a la novela. De película, se dice que ‘Sangre de amor correspondido’ (1982) lo escribió después de hacer un contrato con un albañil que le permitió registrar con su grabadora su vida. Leyenda que, sin embargo, Italo Manzi desmiente. "Es un invento total. Y hay otra cosa que se dice de Manuel que no es cierta: que era un gran lector. Lo suyo era un talento innato, nunca, en todos los años de relación lo vi leyendo un libro, sólo los hojeaba, excepto los guiones de cine, a los que sometía a un exhaustivo análisis y siempre les encontraba la falla", afirma su amigo.
La razón de su falta de instrucción estaría en el bolsillo. Y el crítico literario lo ejemplifica con la comida. "Manuel podía comer en restaurantes caros de invitado, pero después no gastaba un centavo en comida porque era muy, muy avaro. Tan tacaño que jamás se tomaba un taxi cuando venía del aeropuerto para venir a casa, acá en París. Un día miré por la ventana y estaba arrastrando la valija. Se había venido caminando", expresa con entusiasmo el hombre al que la muerte de Manuel lo pilló en un corredor de su oficina en la Unesco. "Me quedé en shock cuando lo supe y pensé que había sido un accidente aéreo, porque sin avisar a veces tomaba un avión, daba una charla y volvía. Pero después me enteré de que había estado internado, y que si bien la operación había salido bien, se agravó de golpe y el corazón no le resistió. Se habló de que el sábado los médicos no están, pero no sé la verdad de la verdad", confiesa quien vio a Puig por última vez en el ’88, cuando éste todavía estaba viviendo en Río de Janeiro. "Realmente el último encuentro no fue significativo. Recuerdo que me pedía disculpas por no poder ocuparse por mí. Estaba torturado por ‘El beso de la mujer araña’, que había sido un fracaso en teatro en Estados Unidos. No fue un encuentro como todos los otros, donde nos llamaba la atención cómo seguíamos haciendo el amor a través de los años. Después hablamos mucho por teléfono cuando él vino a Italia a trabajar en un guión de Vivaldi que quedó inconcluso. Me llamaba todos los días, mientras no le cobraban", agrega Manzi.

-Su fallecimiento fue repentino. Algunos diarios especularon que lo habría matado el sida. ¿Cuál es tu versión?
-Tenía un gran miedo del sida, pero no lo padeció. Pero sí le tenía miedo a la muerte y a la enfermedad. A propósito de eso, hay un tema que nunca pude tocar a fondo con él. Yo soy muy religioso, siempre lo fui, pero él nunca quería saber nada. Yo pienso que le tenía miedo a la religión. No así al amor.

¿Qué hay de esos hijos que se manifestaron, cuando murió, en la prensa?

¡Ni me lo recuerdes!, yo sabía quiénes eran y todo, pero no eran hijos sino dos mexicanos gays que lo ayudaron mucho, sobre todo en su colección de cine. Lo llamaban "mami" y alguien lo oyó y entonces se inventaron la cosa de los dos hijos. Me dio mucha rabia por las mentiras que se decían.

Su película favorita era ‘Los niños del paraíso’. ¿Te lo imaginas allí ahora?
Todo depende de lo que se crea. En el paraíso tal como se describe en la Biblia, no. Recuerdo que cuando nos conocimos me preguntó si me gustaban las películas de mujeres, yo le dije que no, como tampoco me gustan los western. Pero es gracias al cine y las canciones que lo sigo sintiendo cerca.

12 de abril de 2010
©la nación

Murió Inoue


Director japonés. Tuvo un importante influencia en el cine pop.
[Mark Schilling] Murió el jueves, en Tokio, tras sufrir un derrame cerebral, el director Umetsugu Inoue, que tuvo un gran impacto en el cine popular japonés y de Hong Kong partir de los años cincuenta. Tenía 86 años.
Inoue dirigió 116 largometrajes y casi trescientos dramas para la televisión en una carrera que se extendió durante cinco décadas.

Nacido en Tokio en 1923, Inoue entró al estudio Shintoho en 1947. Dirigió su primera película, ‘Head Cheerleader of Love’ [Koi no oendancho] en 1952, pero alcanzó la fama con chillones musicales al estilo americano protagonizados por la cantante Izumi Yukimura.
En 1955 se trasladó al estudio Nikkatsu, que acababa de reiniciar sus producciones después de un largo paréntesis durante la guerra y posguerra.
Su éxito de taquilla de 1957, ‘The Guy Who Started a Storm’ [Arashi o yobu otoko] sacó firmemente al estudio de sus problemas y lanzó al estrellato a Yujiro Ishihara, que representaba a un vigoroso y desatado baterista de jazz.
La mezcla de Inoue de música, acción y ardientes jóvenes talentos se convirtió en el molde de un nuevo género, llamado Nikkatsu Action, que mantendría a Nikkatsu en los primeros lugares de la taquilla durante casi una década.
En 1960 Inoue dejó a Nikkatsu para convertirse en un director independiente. A partir de 1967 pasó tres meses al año en Hong Kong, haciendo musicales y otras películas para los Shaw Brothers, incluyendo ‘Hong Kong Nocturne’ [Xiang jiang yue ye, 1967] y ‘Hong Kong Rhapsody’ [Hua yue liang xiao, 1968]. Durante sus seis años con los Shaw, dirigió diecisiete películas, la mayoría de las cuales fueron verdaderas minas de oro.
En 1977 Inoue empezó a dirigir para la televisión, haciendo ocasionales películas -la última fue ‘Code Name Black Cat’ (1987). Uno de sus asistentes fue Takashi Niike, que contó sus experiencias con Inoue en su biografía de 2003, ‘Director Poison’ [Kantoku chudoku].
Le sobreviven su esposa Yumeji Tsukioka, ex actriz de sus películas, y una hija.

12 de abril de 2010
15 de febrero de 2010
©variety 
cc traducción mQh]