cine general

Murió Maury Chaykin

panycine - 22 de agosto de 2010 - 20:15 - cine general

Actor de carácter.

[Bruce Weber] Murió el martes, cuando cumplía 61 años, en Toronto, el ubicuo actor de carácter Maury Chaykin, que se especializaba en papeles cómicos con inquietantes trasfondos y personajes.
La causa de su muerte fueron complicaciones de una infección a la válvula cardiaca, informó su hermano Dan. Chaykin tuvo numerosos problemas médicos en los últimos años, contó su hermano.
Hombre fornido de expresivos rasgos, Chaykin era el tipo de actor cuyo nombre lo conocían unos pocos, pero su cara, muchos. Su carrera en el cine duró 35 años, y apareció en decenas, sino cientos de películas y series de televisión, la mayor parte de las veces en papeles secundarios o actuaciones especiales.
Fue mejor conocido por tres de estos. En el extenso western épico, galardonado con un Oscar, ‘Bailando con lobos’ [Dances With Wolves; Danza con lobos] (1990), Chaykin fue el Mayor Fambrough, el oficial de ejército que, cuando se trastorna, entrevista al personaje de Costner para una misión y lo envía a los rincones más remotos de la frontera; y luego se mata de un tiro.
En ‘Mi primo Vinny’ [My Cousin Vinny] (1922), una comedia con Joe Pesci y Marisa Tomei sobre un abogado primerizo, un italiano-americano de Nueva York que defiende a unos sospechosos de asesinato en el Sur Profundo, Chaykin fue un poco avispado testigo interrogado por el abogado (Pesci).
Y en la serie de HBO, ‘El séquito’ [Entourage], Chaykin apareció varias veces como Harvey Weingard, un intimidante magnate del cine que se supone es una parodia de Harvey Weinstein.
En Canadá, donde vivía, Chaykin tuvo más oportunidades de obtener roles centrales que en Hollywood. Apareció frecuentemente en películas del director canadiense Atom Egoyan, incluyendo ‘El liquidador’ [The Adjuster], ‘Donde yace la verdad’ [Where the Truth Lies] y ‘El dulce porvenir’ [The Sweet Hereafter], en la que destacó como un furioso cornudo.
En ‘Whale Music’, una película de Richard J. Lewis adaptada de la novela de Paul Quarrington sobre un inestable y retraído músico roquero (el personaje evocaba a Brian Wilson, de los Beach Boys), Chaykin tuvo el papel principal y recibió un Genie Award, la versión canadiense del Oscar.
Al momento de su muerte era un invitado habitual de la serie de televisión canadiense, ‘Less Than Kind’, una oscura comedia de situación en la que hace de padre de una familia suburbana disfuncional.

Maury Alan Chaykin se crió en Brooklyn, donde nació el 27 de julio de 1949. Su padre, Irving, un contable que enseñaba en el Baruch College, era estadounidense; su madre, Clarice, enfermera profesional, era de Winnipeg, Canadá, y creció en Montreal.
Chaykin estudió actuación en la Universidad de Nueva York en Buffalo (ahora la Universidad de Buffalo) y trabajó en pequeños teatros en Buffalo y Off Off Broadway en Nueva York. Se marchó a trabajar en un teatro en Toronto en 1974 y finalmente se naturalizó canadiense. (Tenía doble nacionalidad).
Sus dos primeros matrimonios terminaron en divorcio. Además de su hermano, que vive en Hoboken, Nueva Jersey, a Chaykin le sobreviven su madre, de Manhasset, Nueva York; una hermana, Debra Brandwein, de Roslyn, Nueva York; su esposa, la actriz Susannah Hoffmann; y una hija, Rose.
La larga lista de créditos de Chaykin incluye las películas ‘Juegos de guerra’ [WarGames], ‘Padre e hijo’ [Harry & Son], ‘Mrs. Soffel, una historia real’ [Mrs. Soffel], ‘Héroe’ [Hero], ‘Héroes a la fuerza’ [Unstrung Heroes], ‘Un ratoncito duro de roer’ [Mousehunt], ‘Conociendo a Julia’ [Being Julia] y ‘Mystery, Alaska’, y las series de televisión, ‘Boston Legal’, ‘CSI’ y la serie canadiense ‘La femme Nikita’.
También fue Nero Wolfe, el detective creado por Rex Stout, en ‘A Nero Wolfe Mystery’, una serie que se mantuvo durante dos temporadas en 2000 y 2001 en televisión por cable. (Timothy Hutton fue su colega Archie Goodwin). Fue un extraño papel principal para Chaykin, el que, en una entrevista con el New York Times en 2000, explicó la excitación que le causaba.
"Hay una valla publicitaria gigante en el Sunset Boulevard, con una foto de mi cara", dijo, refiriéndose a un anuncio de ‘Las arañas de oro’ [The Golden Spiders], la película de televisión por cable que engendraría la serie ‘Nero Wolfe’‘. Pasaba en coche por ahí constantemente, una y otra vez.
22 de agosto de 2010
29 de julio de 2010
©new york times
cc traducción mQh

0 comentarios

Murió Patricia Neal

panycine - 16 de agosto de 2010 - 20:21 - cine general

Actriz galardonada con un Oscar saboreó triunfos en una vida llena de tragedias. "A menudo se compara mi vida con una tragedia griega, y la actriz que hay en mí no puede negar la comparación", escribió en su autobiografía ‘As I Am’, de 1988.

[Dennis McLellan] Su vida estuvo marcada por los éxitos profesionales, incluyendo el Tony que recibió por su debut en Broadway en el drama ‘Another Part of the Forest’ (1946), de Lillian Hellman, y el Oscar a la mejor actriz por su papel en el drama ‘Hud, el más salvaje entre mil’ [Hud], de 1963.
Pero para Patricia Neal, la ronca actriz y su fuerte presencia en la pantalla, la vida también estuvo marcada por tragedias personales: la muerte de uno de sus hijos y el daño cerebral de otro, y su propia guerra para superar los debilitantes efectos de un aneurisma roto en su cerebro en 1965, que, por un tiempo, puso fin a su carrera.
"A menudo se compara mi vida con una tragedia griega, y la actriz que hay en mí no puede negar la comparación", escribió en su autobiografía ‘As I Am’, de 1988.
Neal, de 84 años, murió en su casa en Edgartown, Massachusetts, en Martha’s Vineyard, a causa de un cáncer al pulmón. Pero al final dijo a los familiares que se habían reunido en torno a ella la noche anterior: "He tenido una vida preciosa".
Ophelia Dahl, hija de Neal, dijo que su madre, que estaba divorciada del escritor británico Roald Dahl y tuvo una vez una aventura con el actor casado Gary Cooper, "reconocía las extraordinarias oportunidades que había tenido, y también reconocía que ella había tenido cartas malas".
"Lo que pasa con mi madre, es que la pasaba muy bien cuando las cosas iban bien, y encontraba cosas positivas [cuando no era así]", dijo Dahl el lunes al Times.
Después de su Tony a la mejor actriz principal en un pieza para ‘Another Part of the Forest’, Neal fue contratada por Wagner Bros., donde fue incluida en el reparto de ‘John Loves Mary’, una comedia de 1949, con Ronald Reagan y Jack Carson.
En la siguiente década apareció en una serie de películas y programas de televisión en vivo, incluyendo la adaptación cinematográfica de la novela de Ayn Rand, ‘El manantial’ [The Fountainhead], de 1949 (con Cooper en la papel estelar), la clásica de ciencia ficción ‘El día que la Tierra se detuvo’ [The Day the Earth Stood Still] y en el drama ‘Un rostro en la multitud’ [A Face in the Crowd] (1957), del director Elia Kazan.
"Era directa y honesta en su versión de la actuación y eso era muy inspirador", dijo el lunes al Times Richard Schickel. "Como actriz joven, poseía una suerte de tranquila ferocidad. Era una mujer muy noble y emocionalmente muy sincera".
El papel que le reportó a Neal un Oscar, la cansada ama de llaves en ‘Hud, el más salvaje entre mil’, con Paul Newman en el rol principal como el despiadado hijo de un hacendado tejano, fue acompañado de dos tragedias familiares.
En 1960, su hijo infante Theo sufrió daños neurológicos cuando el cochecito que empujaba su niñera fue aplastado entre un taxi y un autobús en Nueva York. Y dos años después, Olivia, la hija de siete años d Neal, murió de encefalitis como consecuencia del sarampión.
Luego, en 1985, un año después del Oscar, Neal, entonces de 39, sufrió la ruptura de un aneurisma cerebral, seguido por dos hemorragias más después de llegar al Centro Médico de la Universidad de California en Los Ángeles, UCLA, donde fue sometida a una operación que duró siete horas.
Neal, que entonces estaba embarazada, estuvo en coma durante más de dos semanas.
Cuando finalmente le permitieron volver a la casa que alquilaba con su marido, se le paralizó todo el lado derecho y quedó parcialmente ciega, amnésica y sin poder hablar.
Pero Dahl, que se quedó junto a ella en el hospital, la llamó "una formidable luchadora".
Por insistencia de su marido tras volver a Inglaterra tres meses después, Neal fue sometida a una intensa terapia, que incluía natación, caminatas, juegos de memoria y puzzles de palabras.
Odiaba la vida cuando volví por primera vez a Inglaterra", contó Neal más tarde. "Tenía que hacer ejercicios todos los días. Mi marido me enviaba personas para que me enseñaran -tres veces al día. Quería suicidarme, pero no sabía cómo".
Pero a fines de noviembre de 1966, un día que recordaría claramente desde entonces, repentinamente "quise volver a vivir". Dijo: "Cuando desperté, yo llevaba enferma dieciocho meses. La vida me empezó a gustar de nuevo".
En marzo de 1967, Neal hizo su primera aparición pública desde que cayera enferma. Por insistencia de su marido, habló en Nueva York ante dos mil personas, en una beneficencia para la Asociación Neoyorquina para Niños con Lesiones Cerebrales [New York Association for Brain Injured Children].
En ese discurso, habló sobre sus amigos que, con increíble paciencia, habían luchado para convertir a "una completa idiota... a un enorme repollo rosado... en un ser humano".
Y atribuyó su curación a Dahl: "Mi marido es un gran hombre. Lo amo".
Sin embargo, en su autobiografía, Neal escribió que cuando se casó con Dahl, no lo quería, pero que lo admiraba y quería tener hijos con él. Mientras el público de Nueva York aplaudía su discurso, escribió más tarde en su libro: "[...] En ese momento supe que Roald el Negrero, Roald el Bastardo, con su implacable azote, Roald el Corrupto, como le había llamado más de una vez, me había metido nuevamente en aguas turbulentas. Ese era mi lugar".
Fue su marido quien la alentó a asistir a la ceremonia de la Academy Awards en 1967 para entregar el premio a la mejor película extranjera. Como ocurrió con su discurso en Nueva York, recibió una ovación de pie.
Neal volvió a la gran pantalla con el drama ‘Historia de tres extraños’ [The Subject Was Roses], de 1968, con Jack Albertson y Martin Sheen. Su retrato de la madre de un soldado que vuelve de la Segunda Guerra Mundial, que debe aceptar el atormentado matrimonio de sus padres, le ganó una nominación al Oscar.
Tras definir el retorno de Neal a las pantallas como "triunfal", el crítico de cine del Times, Charles Champlin, observó que "lo que parecen ser las únicas leves huellas de sus problemas físicos -una ligera y ocasional premeditación en los movimientos y al hablar- se funden con credibilidad en el retrato".
Neal recibió luego una nominación a un Emmy por su papel como Olivia Walton en la película de televisión de 1971, ‘The Homecoming: A Christmas Story’. También fue nominada a un Emmy por sus papeles en el drama ‘Tail Gunner Joe’, de 1977, y en ‘Sin novedad en el frente’ [All Quiet on the Western Front], una producción de Hallmark Hall of Fame de 1979.
Entre sus últimas actuaciones se encuentra la película de Robert Altman, ‘La fortuna de Cookie’ [Cookie’s Fortune], de 1999.

Nació como Patsy Louise Neal el 20 de enero de 1926, en un campamento minero en Packward, Kentucky, donde su padre era el encargado de transportes de la compañía carbonífera. En Knoxville, Tenneesee, adonde se mudó la familia cuando ella estaba en la escuela primaria, fue una chica precoz y mostró talento para recitar monólogos en reuniones en la iglesia.
Sus padres la estimularon, y recibió clases de teatro a los doce. Actuó con los Tennessee Valley Players y estudió teatro en la Universidad Northwestern.
Después de dos años allá, Neal se marchó a Nueva York, adonde llegó en 1945 con sesenta dólares en el bolsillo y una ardiente ambición.
El dramaturgo Eugene O’Neill se interesó en ella y de ahí surgió que la contratara el Theatre Guild para aparecer en un ensayo de verano de una pieza de teatro en Westport, Connecticut. Allá fue vista por Lillian Hellman, que la abordó para ‘Another Part of the Forest’.
Después de fimar con Warner Bros., Neal hizo trece películas en tres años, incluyendo el drama ‘El rey del tabaco’ [Bright Leaf], de 1950, su segunda película con Cooper, y en 1951, el drama de guerra ‘La flota silenciosa’ [Operation Pacific], con John Wayne.
Pero su infelicidad en Hollywood estaba creciendo, en parte debido a su trivial romance con Cooper.
"Era casado", señaló Neal treinta años después, "y se negó a dejar a su esposa. E hizo muy bien". Algunas versiones publicadas sugieren que la aventura, durante la que tuvo un aborto, le provocó una crisis nerviosa.
Tras ser suspendida por Warner Bros., por negarse a aparecer en una película de vaqueros con Randolph Scott, Neal decidió marcharse de Hollywood.
Volvió a Nueva York donde, en diciembre de 1952, presentó un revival de ‘The Children’s Hour’ [La mentira infame]. Más tarde trabajó en Broadway, en ‘School for Scandal’.
En 1953 se casó con Dahl, un piloto de la RAF que había sido derribado al principio de la Segunda Guerra Mundial y asignado a un puesto en Washington, D.C., donde empezó a escribir cuentos.
Tras su matrimonio, compraron una casa en Inglaterra, aunque pasaban parte del tiempo en Nueva York.
Neal reconstruyó su carrera, apareció en ‘A Roomful of Roses’ en Broadway, trabajó con el Actors Studio y fue elegida por Elia Kazan para remplazar a Barbara Bel Geddes en ‘La gata sobre el tejado de zinc’ [Cat on a Hot Tin Roof].
También tuvo un éxito de taquilla con ‘Un rostro en la multitud], con Andy Griffith. En 1960 tuvo un papel secundario en la película ‘Desayuno con diamantes [Breakfast at Tiffany’s].
Después de recibir el Oscar, por ‘Hud’, Neal dijo: "Es extraño descubrir que todavía me quieran. En los últimos años mi vida profesional se divide en dos partes: antes y después de ‘Hud’. No soy una mujer muy ambiciosa y era feliz viviendo con mi familia en el campo, quizás haciendo una película cada tantos años".
Neal y Dahl se divorciaron a principio de los años ochenta después de que descubriera que tenía una aventura con una de sus mejores amigas. Dahl murió en 1990.
Además de su hija Ophelia Neal, sobreviven a Neal sus otros hijos -Tessa, Theo, y Lucy Dahl; su hermana Margaret Ann VandeNoord; su hermano William ‘Pete’ Neal; diez nietos y nietastros; y un biznieto.
Neal, que se convirtió en defensora de los pacientes de derrame, participaba activamente en el Centro de Rehabilitación Patricia Neal en Knoxville desde que lo empezara en 1978.
En 1984 Neal confió a un periodista que estaba cansada de que le dijeran que era aguerrida, valiente y decidida. Dijo que sólo era alguien que había absorbido más que su cuota de mala suerte.
Interrogada en 2002 por un periodista de New Orleans Times-Picayune sobre por qué pensaba que había sobrevivido todo lo que le había pasado en la vida, Neal respondió: "Dios lo sabe, no yo".
"Todo lo que sé es que he tratado siempre de hacer lo mejor que puedo. ¿Te has dado cuenta de que nunca hice a mujeres débiles? Parte de la explicación es mi voz; desconcierta a la gente. Pero la otra parte, creo, debo ser yo".
Valerie J. Nelson y Jack Jones contribuyeron a este artículo.
16 de agosto de 2010
10 de agosto de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

0 comentarios

Murió Tom Mankiewicz

panycine - 13 de agosto de 2010 - 07:05 - cine general

Guionista de películas de James Bond y Superman y logró hacerse un hueco en el mundo del cine, pese a tener como padre al célebre director Joseph L Mankiewicz, y a uno de los guionistas de ’Ciudadano Kane’, Herman J. Mankiewicz, como tío.

[Valerie J. Nelson] Murió Tom Mankiewicz, guionista que basó su reputación escribiendo para películas con James Bond, como ‘Diamantes para la eternidad’ [Diamonds Are Forever; Los diamantes son eternos], ‘Vive y deja morir’ [Live and Let Die] y ‘El hombre de la pistola de oro’ [The Man With the Golden Gun]. Tenía 68 años.
Mankiewicz, que recibió un polémico reconocimiento por la revisión de la película ‘Superman’ (1978) y su secuela de 1980, murió el sábado en su casa en Los Angeles, después de una breve enfermedad, informó su primo John Mankiewicz.
Hace tres meses, Tom sufrió una operación de Whipple, que se utiliza para tratar el cáncer al páncreas.
Como miembro de la segunda generación del cinematográfico clan Mankiewicz, ha admitido repetidas veces que le intimidaba su familia y su reputación. Su padre, Joseph L. Mankiewicz, ganador de un Oscar y escritor y director de la película ‘Todo sobre Eva’ [All About Eve], fue uno de los directores más célebres de la época. Su tío, Herman J. Mankiewicz, co-escribió ‘Ciudadano Kane’ [Citizen Kane], (1941), con Orson Welles.
Tratando de poner distancia entre él y su padre en Nueva York, Tom Makiewicz se mudó a Hollywood a principio de los años sesenta. Más tarde contó que su apellido había hecho su viaje más fácil y más difícil a la vez: sus llamadas eran respondidas, pero le preocupaba encontrar trabajo porque era el hijo de su padre.
"Así que tomó un tiempo hasta que te diste cuenta repentinamente que la gente te estaba llamando porque eras tú", dijo Mankiewicz al Washington Post en 1985.
En 1970 Mankiewicz fue contratado para rescribir el guión de ‘Los diamantes son eternos’, el séptimo largometraje en una serie basada en el espía literario de Ian Fleming, James Bond.
En la serie de películas con Bond, Mankiewicz también escribió ‘Vive y deja morir’ (1973), ‘El hombre de la pistola de oro’ (1974), y pulió ‘La espía que me amó’ [The Spy Who Loved Me] (1977) y ‘Moonraker’ (1979).
Conocido por un estilo literario ligero y fresco, Mankiewicz dijo una vez que lo habían atacado en pegatinas por su asociación con las eróticas películas de Bond. En 1987 dijo al Miami Herald: "No pido perdón por entretener a la gente".
Entre las películas de Bond, escribió y produjo la película ‘El Madre, la Melones y el Ruedas’ [Mother, Jugs & Speed], de 1976, con el director Peter Yates, que lo llamó para rescribir ‘Abismo’ [The Deep] (1977).
Su trabajo editorial más celebrado puede haber sido ‘Superman’, con Christopher Reeve. El director Richard Donner le encargó que rescribiera un guión imposiblemente largo, y Mankiewicz trabajó en el proyecto durante más de un año.
Donner lo llamó "consultor creativo" y el nombre de Mankiewicz apareció en la pantalla detrás de los escritores originales.
"La Asociación de Guionistas de Estados Unidos no quería reconocerlo, pero ciertamente merecía ese reconocimiento", dijo Donner al Times el lunes. "Probablemente yo no habría hecho la película si Tom no la hubiera rescrito".
"Le dio un aire de realidad al mundo del cómic", dijo Donner. "Creaba personalidades, emoción y vida" y daba a los personajes "un maravilloso sentido del humor. Hacía eso en todo que lo que hacía".
Donner también dirigió la película ‘Lady Halcón’ [Ladyhawke], de 1985, por la que Mankiewicz también fue reconocido en los créditos.
"Era uno de los personajes más cultos del mundo", dijo Donner. "Tenía una mente increíblemente retentiva... Era uno de los grandes narradores de nuestra industria".
Entre los casi veinte guiones que escribió Mankiewicz se incluye el de ‘Ha llegado el águila’ [The Eagle Has Landed; Atacan las águilas], de 1976. También co-escribió y dirigió el piloto de la serie de ABC-TV, ‘Hart y Hart’ [Hart to Hart], y siguió colaborando con la serie durante su existencia.
En 1987, Mankiewicz debutó como director de cine con ‘Dos sabuesos despistados’ [Dragnet], con Tom Hanks y Dan Aykroyd.
Sheila Benson, entonces crítico de cine del Times, observó en su reseña que "hay verdadero afecto por el viejo espectáculo que ofrecen las películas sobre desastres y persecuciones en coche".

Thomas Frank Mankiewicz nació el 1 de junio de 1942 en Los Angeles, pero pasó su infancia en Nueva York. Su madre era Rosa Stradner, una actriz nacida en Austria.
Tenía siete años cuando su padre ganó varios Oscar por el guión y la dirección de ‘Carta a tres esposas’ [A Letter to Three Wives], y dijo más tarde que "siempre quise estar en este negocio".
Mankiewicz estudió teatro en la Universidad de Yale, de donde egresó en 1963.
Su primer guión lo firmó como Thomas F. Mankiewicz, pero pensó luego que era demasiado pomposo y lo acortó a Tom Mankiewicz, contó más tarde.
También escribió el libreto para la versión musical de ‘La soltera retozona’ [Georgy Girl], que se estrenó en Broadway en 1970. Durante su función de tres días, el productor de las películas de Bond, Albert R. ‘Cubby’ Broccoli, estaba entre el público. Buscaba a un guionista.
Durante años Mankiewicz mantuvo una casa en Kenia. También era dueño de caballos de pura sangre y fue presidente del consejo de administración de la Asociación del Zoológico de Los Ángeles.
Su familia era "muy cariñosa", pero no necesariamente "normal", dijo al Times en 1987. "Nuestra idea de afecto no se expresaba en abrazos sino en agasajarnos con chistes".
Desde 2006 Mankiewicz enseñaba cine a estudiantes graduados de la Universidad Chapman, en Orange.
A menudo almorzaba en The Palm, en West Hollywood. Como recuerdo, el restaurante mantendrá el lunes noche abierto su reservado.
Su padre murió en 1993, a los 83.
A Mankiewicz le sobreviven su hermano Christopher, productor de cine y actor; su hermana Alexandra; y su madrastra, Rosemary Mankiewicz.
13 de agosto de 2010
3 de agosto de 2010
©los angeles times
traducción mQh

0 comentarios

Murió Suso Cecchi d'Amico

panycine - 12 de agosto de 2010 - 01:55 - cine general

Guionista. Trabajó con algunos de los más importantes directores italianos. Surgió en el mundo del cine italiano de posguerra y contribuyó a históricas películas, como ‘El ladrón de bicicletas’ y ‘El gatopardo’.

Murió la guionista Suso Cecchi D’Amico, que surgió en el mundo del cine italiano de posguerra para convertirse en una célebre artista y contribuir a películas históricas del tenor de ‘El ladrón de bicicletas’ [Bicycle Thieves] y ‘El gatopardo’ [The Leopard]. Tenía 96 años.
Cecchi D’Amico murió el 31 de julio en su ciudad natal, Roma, informó la agencia de noticias ANSA, citando a su familia como fuente. No se mencionó la causa de su muerte.
Cecchi D’Amico trabajó con algunos de los más renombrados directores italianos, entre ellos Franco Zeffirelli, Michelangelo Antonioni y Mario Monicelli, cuya película ‘Casanova 70’ le ganó una nominación al Oscar.
Fue igualmente exitosa con sus guiones para películas neo-realistas, de cine-arte y comedias como ‘Big Deal on Madonna Street’. Su trabajo contribuyó a un mundo cinematográfico italiano de posguerra más vibrante e innovador.
"Fue una generación extraordinaria, no solamente en el cine", dijo su amigo de toda la vida, Monicelli, él mismo en los noventa.
"Esa generación es la que surgió de dramáticos acontecimientos, como el fascismo y la guerra", dijo, pero "esas mentes pusieron a Italia de pie, encontraron un nuevo modo de hacer las cosas, de producir".
Su larga asociación con Luchino Visconti se convirtió en un elemento definitorio de la carrera de Cecchi D’Amico, que duró más de dos décadas y varias películas. Entre otros títulos, contribuyó a ‘El gatopardo’, la suntuosa descripción de la decadencia de una familia siciliana aristocrática basada en la novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa y con Burt Lancaster y Alain Delon en los roles estelares.

Nacida como Giovanna Cecchi el 21 de julio de 1914 en el seno de una familia de escritores e intelectuales, empezó a trabajar en cine poco después de la Segunda Guerra Mundial. Se consiguió rápidamente un prominente trabajo para ayudar a escribir el guión de ‘El ladrón de bicicletas’ de Vittorio De Sica, que se estrenó en 1948 y se convirtió en un manifiesto del neo-realismo.
Durante su larga carrera, a menudo adaptó obras literarias, incluyendo ‘El extranjero’, ‘La fierecilla domada’ y libros de Dostoievski y Pirandello.
En 1944 el Festival de Cine de Venecia le confirió a Cecchi D’Amico un León de Oro por su trayectoria.
Le sobreviven tres hijos.
11 de agosto de 2010
7 de agosto de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

0 comentarios

Murió Cécile Aubry

panycine - 03 de agosto de 2010 - 19:10 - cine general

Actriz y escritora de cuentos para niños. Se casó con el hijo del pachá de Marrakesh.

[Bruce Weber] Murió el lunes en Dourdan, en las afueras de París, la actriz francesa Cécile Aubry, que tuvo una breve pero glamorosa carrera en el cine y se convirtió más tarde en escritora y creadora de series de televisión para niños. Tenía 81 años.
La causa de su muerte fue un cáncer al pulmón, informó la agencia France-Presse, citando fuentes familiares.
Aubry tenía apenas veinte años cuando apareció en el picante papel estelar de ‘Manon’, una película de Henri-Georges Clouzot de 1949 ambientada en la Francia de posguerra, sobre las moralmente cuestionables escapadas de una caprichosa jovencita amante del lujo y su perniciosa influencia sobre su amante. Cautivada por Hollywood, fue incluida inmediatamente en ‘La rosa negra’ [The Black Rose], una historia de aventuras en la Edad Media rodada en Inglaterra y Marruecos, con Tyrone Power y Orson Welles. Los dos roles llevaron a Aubry a la revista Life, que la mostró en portada en una sensual fotografía al estilo de Lolita y la describió en el artículo que la acompañaba como un "atado de juguetona, coqueta y amorosa adolescencia".
Sin embargo, su carrera fílmica fue breve: hizo una media docena de películas en Europa, la última en 1960, y cuando se retiró dijo que se había interesado en el cine solamente por la oportunidad de viajar que le brindaba. Se casó con el vástago de una poderosa familia marroquí; algunas fuentes dicen que fue un matrimonio secreto. Su marido, Si Brahim El Glaoui, era hijo del pachá de Marrakesh.
Después del matrimonio se dedicó a escribir cuentos para niños, y se hizo famosa convirtiendo dos de esos cuentos en series de televisión: ‘Poly’, transmitida primero en 1961, sobre un niño y un caballo, y ‘Belle et Sébastien’ (1965), sobre la amistad entre un niño huérfano y un perro al que encuentra paseando en las montañas. En las dos series fue protagonista su hijo Mehdi, como también en una serie posterior, ‘Le jeune Fabre’, sobre las tribulaciones de un adolescente.
‘Belle et Sébastien’ fue doblada para la televisión inglesa (como ‘Belle and Sebastian’) en 1967 y adaptada en 1981 a una serie de televisión animada, ‘Meiken Jolie’, que fue traducida al inglés. La banda de rock escocesa Belle and Sebastian tomó su nombre del cuento de Aubry.

Aubry nació como Anne-José Madeleine Henriette Bénard (o, de acuerdo con algunas fuentes, entre ellas la revista Life, simplemente Anne José Bénard) en París en agosto de 1928.

3 de agosto de 2010
24 de julio de 2010
©new york times
cc traducción mQh

0 comentarios

Murió Jim Neu

panycine - 02 de agosto de 2010 - 16:48 - cine general

Dramaturgo. También escribió guiones para cine. Muchas de sus obras fueron representadas en La MaMa Experimental Theater Club.

[Bruce Weber] Murió el lunes en su casa en el sector de Carroll Gardens en Brooklyn el dramaturgo Jim Neu, que fue el soporte principal del teatro experimental en Off Off Broadway y cuyo trabajo reflejó las rarezas y excesos de la cultura estadounidense en irónicos juegos de palabras. Tenía 66 años.
La causa de su muerte fue un cáncer al pulmón, informó su esposa, Carol Mullins.
Durante tres décadas, Neu escribió numerosas obras, la mayoría de las cuales fueron representadas en el centro de Manhattan, principalmente en el La MaMa Experimental Theater Club, el histórico semillero del teatro experimental que fuera fundado por Ellen Stewart en el East Village hace casi cincuenta años.
En general, el tema de Neu era el efecto de la cultura pop sobre la mente del estadounidense. Entre sus piezas se encuentran ‘The Floatones’ (1995), sobre un cuarteto de canto determinado a enseñar la doctrina de la autoayuda en música; ‘Mondo Beyondo’ (1997), sobre un gurú de la televisión que es amenazado por una mujer que proviene de su misterioso pasado; ‘Undercurrent Incorporated’ (1999) sobre unos espías en el paro que tratan de emplear sus habilidades entre diseñadores de moda y evangelistas de la tele; y su trabajo más reciente, ‘Gang of Seven’ (2008), sobre unos investigadores de mercado que sufren un deliro de poder colectivo. Neu a menudo actuaba en sus propias obras.
Amante del jazz, Neu incluía frecuentemente música y canciones originales en sus obras y llenaba sus diálogos de una críptica musicalidad que tomaba de prestado de músicos como Duke Ellington y Thelonious Monk, empleando frases cortas en réplicas a veces locas que zigzagueaban entre clichés ligeramente torcidos y otras estrafalarias sorpresas.
Véase por ejemplo este fragmento de ‘Live Witness’, una comedia de 1993 sobre la relación entre una pareja de presentadores de televisión:

"1: La gente se pregunta si acaso nosotros nos vemos fuera del trabajo.
2: ¿Si?

1: ¿Te cuesta mucho imaginarlo?
2: Nunca lo he intentado.

1: Yo tampoco.
2: No me gustaría poner en peligro la calidad de nuestra relación profesional.

1: No me gustaría comprometer la integridad de nuestra mutua objetividad.
2: De cierto modo somos un buen ejemplo de lo que pasa aquí. Tenemos la misma relación entre nosotros que con el público con nosotros. Estamos aquí simultáneamente, pero realmente no estamos juntos.

1: A veces me siento más cerca del público que de ti. Incluso cuando hablo contigo, en realidad estoy hablando con otra persona".

James A. Neu -su esposa dijo que él se horrorizaría si se revelara su segundo nombre, porque lo odiaba- nació en Brooklyn el 18 de noviembre de 1943. Cuando tenía siete años, su familia se mudó a Long Island, a Huntington. Su padre era conductor de camión y fue, más tarde, tendero; su madre trabajaba en la cantina de una escuela.
Tras egresar de la Universidad de Nueva York en Oneonta (ahora la SUNY College en Oneonta), Neu fue reclutado por el ejército, aunque en lugar de enviarlo a pelear a Vietnam, fue estacionado en Corea. Licenciado en 1967, se mudó al Lower East Side de Manhattan.
En 1970 Neu asistió a un taller dirigido por el actor Robert Wilson y se convirtió más tarde en parte de su troupe, contribuyendo con textos escritos para los cuadros de Wilson en el escenario. Además de escribir teatro, Neu escribió dos guiones de largometrajes: ‘Doomed Love’ (1983) y ‘El gran azul’ [The Big Blue] (1988), dirigidos ambos por Andrew Horn.
El hermano de Neu, Peter, murió en el otoño pasado. Su esposa, una diseñadora de iluminación con la que se casó en 1988 pero que fue su pareja durante más de cuarenta años, es la única que le sobrevive.

0 comentarios

Murió James Gammon

panycine - 02 de agosto de 2010 - 06:49 - cine general

Curtido actor de carácter. Fue el gerente Lou Brown en ‘Tres granujas en la liga’ y uno de los fundadores del MET Theatre. Recibió varios premios del Círculo de Críticos de Teatro de Los Ángeles, por actuación y dirección.

[Claire Noland] Murió James Gammon, actor de carácter cuya grave voz y curtido rostro dejaron indelebles recuerdos en las piezas de Sam Shepard, una montaña de series de televisión y películas, más su giro cómico en la película de béisbol ‘Tres granujas en la liga’ [Major League]. Tenía 70 años.
Gammon murió el viernes rodeado por su familia en casa de su hija en Costa Mesa, donde habían estado viviendo él y su esposa, Nancy. Sufría de cáncer de las glándulas suprarrenales y al hígado.
Gammon era mejor conocido por su papel como Lou Brown, gerente de los desafortunados Cleveland Indians en la comedia ‘Tres granujas en la liga’ de 1989 y en su secuela de 1994. Destacó en roles claves en innumerables películas, incluyendo ‘Cowboy de ciudad’ [Urban Cowboy], ‘Un lugar llamado Milagro’ [The Milagro Beanfield War], ‘Dos chicas en la carretera’ [Leaving Normal], ‘Tallo de hierro’ [Ironweed], ‘Silverado’ y ‘Regreso a Cold Mountain’ [Cold Mountain].
En televisión fue el padre en ‘Nash Bridges’, de 1996 a 2001, aunque era solo nueve años mayor que la estrella, Don Johnson. También tuvo roles recurrentes en las series de televisión ‘La familia Walton’ [The Waltons], ‘Bagdad Cafe’, ‘El frente familiar’ [Homefront] y ‘Middle Ages’, un papel central en la miniserie de 1995, ‘Calles de Laredo’ [Streets of Laredo] y en una gran cantidad de papeles como invitado en ‘La ley del revólver’ [Gunsmoke] y otras series de vaqueros en los años sesenta hasta ‘Anatomía de Grey’ [Grey’s Anatomy] en 2007.
Pese a dejar una indeleble impresión en las dos pantallas, Gammon cautivaba mejor al público cuando estaba en el escenario. Uno de los fundadores del MET Theatre, recibió varios premios del Círculo de Críticos de Teatro de Los Ángeles, por actuación y dirección. En los años setenta, Gammon contribuyó a fundar el viejo MET, un teatro de cincuenta butacas en Poinsettia Place, cerca de Melrose Avenue en la comuna de Fairfax, con una trilogía de las piezas de William Inge, ‘Bus Stop’, ‘Picnic’ y ‘En la escalera oscura’ [Dark at the Top of the Stairs].
"Hizo un montón de películas, para la pantalla grande y la televisión, pero creo que su gran presencia y poder estaban en el teatro", dijo el sábado Paul Koslo, actor y director que trabajó con Gammon en el MET". "Siempre tenía algo inesperado, fascinante y real".
En 1978, Gammon apareció en su primer drama de Shepard, ‘Curse of the Starving Class’ [Al otro lado del paraíso], en el Public Theater de Nueva York. El dramaturgo llamó a Gammon "increíble" después de verlo retomar el papel de Weston en la première en el MET de la Costa Oeste un año más tarde.
En una reseña de la producción en el MET, la crítico de teatro Sylvie Drake dijo en el Times: "La suya es una actuación extraordinaria: un retrato fascinante, apasionado y ciego de un hombre en el mar en una vida que había abandonado años antes, hace demasiado tiempo como para esperar volver a encontrarla".
Gammon fue protagonista en una sucesión de roles de Shepard, entre ellos ‘Una impostura del recuerdo’ [A Lie of the Mind], ‘Círculo de engaños’ [Simpatico], ‘El fallecido Henry Moss’ [The Late Henry Moss] y una producción en Broadway de ‘El niño enterrado’ [Buried Child], de 1996, rol por el que fue nominado a un Tony.
Las historias de Shepard sobre deserción y lazos familiares rotos tocaron una cuerda en Gammon.
"Simplemente me engulle’, dijo Gammon al New York Times en 1996. "Yo me dejo engullir".

Gammon nació el 20 de abril de 1940 en el pueblo agrícola de Newman, Illinois. Tras la separación de sus padres, vivió con su madre y hermanos en Florida central, donde terminó la secundaria. Estudió brevemente en la universidad y encontró empleo como camarógrafo en el canal CBS-TV de Orlando. Pronto se marchó a Los Ángeles, donde conoció a su futura esposa y participó en el teatro local.
Gammon volvió a Florida en 1989 después de comprar una granja dedicada a la cría de caballos llamada Milagro, en Ocala, donde él y su esposa se dedicaron a criar caballos de carrera pura sangre. (Penny Blues, un caballo criado por los Gammon en co-propiedad con Johnson, ganó las Santa Ynez Stakes en Santa Anita en 2000).
Además de su esposa durante 38 años, a Gammon le sobreviven sus hijas Allison Mann, de Costa Mesa y Amy Gammon, de West Hollywood; dos nietos; un hermano, Phillip, de Northridge; y una hermana, Sandra Glaudell, de Ocala.
Aunque Gammon se retiró del MET en los años ochenta, todavía volvía regularmente, notablemente para la producción de ‘El rey Lear’ [King Lear] en 2003.
"El teatro ha sido siempre el fundamento de todo", dijo Gammon al Chicago Tribune en 1995. "Preferiría hacer teatro todo el tiempo, si pudiera. Es simplemente una desgracia que no se pueda vivir de ello".

0 comentarios

Murió Buff Cobb

panycine - 30 de julio de 2010 - 07:07 - cine general

Actriz y productora de teatro. Estuvo casada con Mike Wallace. Fue una de las pioneras de los programas de entrevistas por televisión con ‘Mike and Buff’ a principios de los años cincuenta.

[Valerie J. Nelson] Murió el 12 de julio Buff Cobb, que fue anfitriona de los primeros programas de entrevistas por televisión con ‘Mike and Buff’ a principios de los años cincuenta, con Mike Wallace, que entonces era su marido. Se cree que tenía 83 años.
Cobb, ex actriz y productor de teatro, falleció en una casa de reposo en Lebanon, North Hampshire.
Estaba trabajando con Tallulah Bankhead en una producción itinerante de ‘Private Lives’ cuando Wallace, entonces un locutor relativamente joven, la entrevistó en 1949.
"Era una actriz, y para mí era una figura glamorosa", dijo Wallace más tarde.
Pronto se casaron y lanzaron el programa ‘Mike and Buff’ en CBS. También recorrieron la ciudad de Nueva York para presentar el programa de entrevistas ‘All Around Town’, que se transmitió de 1951 a 1952.
‘Mike and Buff’ mezclaba temas ligeros y serios en discusiones de la pareja. "Despabílate", era uno de las frases características de Wallace en el programa.
"Exageramos los intercambios personales", dijo Cobb, según el libro de 1985, ‘Whatever Became Of?’
CBS suspendió el programa en 1953, y su matrimonio terminó dos años después.

Nació como Patrizia Cobb Chapman en Florence, Italia, donde su padre, el cantante de ópera Frank Chapman, estaba estudiando canto. Muchas referencias mencionan su fecha de nacimiento como el 19 de octubre de 1928. Pero cuando emigró a Estados Unidos en 1929, declaró que había nacido en 1926.
Tras el divorcio de sus padres fue criada por su madre, Elisabeth Cobb, escritora que era la hija del autor y humorista Irvin S. Cobb.
Después de vivir principalmente en Nueva York y Santa Mónica, adoptó el nombre de artista Buff Cobb.
Actriz de la plantilla de 20th Century Fox, fue una de las esposas de Rex Harrison en la película ‘Ana y el rey de Siam’ [Anna and the King of Siam] de 1946.
Contrajo dos veces breves matrimonios -con el abogado de Hollywood, Gregson Bautzer, y el actor William Eythe, un colega actor de Fox que la introdujo a Bankhead, que contrató a Cobb para ‘Private Lives’.
De 1953 a 1955 fue panelista en el programa concurso de televisión ‘Masquerade Party’, en el que había que identificar a personajes famosos distorsionados bajo elaborados maquillajes.
"Cobb es muy intensa sobre todo", dijo el New York Times en una reseña del programa en 1955.
Se dedicó luego a la producción teatral y recibió una nominación a un Tony por la primera piezas que produjo en Broadway, un revival de ‘Too True to Be Good’, con Lillian Gish, en 1963.
Cobb se casó con su cuarto marido, H. Spencer Martin, un agente inmobiliario, en su departamento de Manhattan. Él murió en 1987, a los 68 años.
La sobrevive su hermano, Tom Brody.

0 comentarios