Murió Gary Winick

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Director de cine y pionero del cine digital.

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[Valerie J. Nelson] Murió Gary Winick, revolucionario productor y director de películas digitales independientes que encontró el éxito general con películas como ‘El sueño de mi vida’ [13 Going on 30; Si tuviera treinta] y ‘Cartas a Julieta’ [Letters to Juliet]. Tenía 49 años.
Winick, al que diagnosticaron un cáncer al cerebro hace dos años, falleció el domingo en el Centro Médico Beth Israel de Nueva York, informó Niels Mueller, un colaborador de toda la vida.
Cuando Winick asistió el Festival de Cine Sundance en 2002, ni siquiera tenía un agente. Proyectó su sexta película como director, ‘Tadpole’, una comedia sobre la adolescencia rodada en dos semanas con cámaras digitales y un presupuesto de 150 mil dólares.
Después de que ganara el premio del festival a la mejor dirección, y Miramax le pagara cinco millones de dólares por los derechos de distribución de ‘Tadpole’, lo empezó a llamar Hollywood.
Su primer proyecto de dirección con un gran presupuesto fue la comedia de fantasía romántica ‘El sueño de mi vida’, de 2004, con Jennifer Garner, sobre una niña de trece que despierta un día y descubrir que tiene treinta.
Le siguió ‘La telaraña de Carlota’, un remake de acción en vivo de 2006 que The Times llamó "encantadora y suave" en 2008. Winick la consideraba "la cosa más difícil que he hecho en mi vida".
"Trabajar con animales es bonito durante quince minutos; después es una frustración inimaginable", dijo Winick a Rocky Mountain News en 2006. Para el papel de Wilbur, el cerdo que se salvó del matadero, se usaron 47 cerdos y una sola toma podía demorar días.
Después de ser intervenido por el cáncer al cerebro, Winick dirigió su última película, ‘Cartas a Julieta’, estrenada el año pasado. La película de viaje y romance entre generaciones fue "un placer culpable", escribió la crítico Betsey Sharkey en el Times en 2010.
También dirigió la comedia de revancha ‘Guerra de novias’ [Bride Wars], de 2009, con Kate Hudson y Anne Hathaway.
Los algo más de dos años que Winick pasó haciendo ‘La telaraña de Carlota’ desvió su atención de InDigEnt (Independent Digital Entertainment), la compañía de producción digital que co-fundó en 1999 y que se convirtió en la empresa líder de la industria digital.
Con InDigEnt, Winick "vio la oportunidad de atraer a jóvenes talentos uniendo la economía del video digital con la creativa intimidad del medio", escribió Patrick Goldstein en el Times en 2002.
InDigEnt ganó notoriedad por las películas producidas por Winick, como ‘La cinta’ [Tape] (2001), con Ethan Hawke y Uma Thurman; ‘Intimidades’ [Personal Velocity: Three Portraits] (2002), que ganó el premio del jurado del Sundance; y el drama cómico ‘Retrato de April’ (2003), por el que la actriz Patricia Clarkson fue nominada a un Oscar.
Las pequeñas cámaras digitales hacían trabajar mejor a los actores, decía Winick.
"Realmente no tienes que sentir la presencia de ese gran mecanismo que es el cine, dijo al Washington Post en 2002. "En lugar de eso, lo haces con una pequeña cosa de plástico, que se cae frecuentemente al suelo."

Gary Scott Winick nació el 31 de marzo de 1961 en Nueva York, hijo de Alan Winick, abogado, y su esposa Penny.
Tras graduarse en la Tufts University en 1984, Winick se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Texas y el Instituto del Cine Americano.
En 1995 llamó la atención con su ‘Dulce vacío’ [Sweet Nothing], una historia con moraleja sobre la adicción al crack, con Mira Sorvino. Tres años después, hizo ‘El Código Tic’ [The Tic Code], un drama sobre el síndrome de Tourette.
"No te imaginas la cantidad de jóvenes cineastas que se inspiran en Gary", dijo Caroline Kaplan, una productora de ‘Cartas a Julieta’. "Ayudaba a los que estaban a su lado a dar lo mejor de sí mismos."
Su hermano mayor, Mark, murió de un ataque al corazón, en diciembre.
Además de sus padres, le sobreviven su novia Emily McDonnell; su madrastra Virginia Winick; y su padrastro, Ted Williams, todos de Nueva York.
14 de marzo de 2011
1 de marzo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Jane Russell

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Sirena de la pantalla tuvo su sensacional debut en ‘El forajido’.

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[Claudia Luther] Murió el lunes en su casa en Santa María, la actriz Jane Russell, la sirena de cabellos negros cuyo sensacional debut en la película ‘El forajido’ [The Outlaw] de 1943 inspiró al productor Howard Hughes para desafiar el poder y la estricta moralidad de la clasificación cinematográfica de Hollywood. Tenía 89 años.
Russell, que más tarde utilizaría su sensual imagen para lograr efectos cómicos con Bob Hope, Marilyn Monroe y otras grandes estrellas, tenía problemas respiratorios y murió después de una breve enfermedad, informó su familia.
La provocadora actuación de Russell en ‘El forajido’ -y las fotos publicitarias que la mostraban posando con una blusa escotada, recostada contra una pila de heno- marcó un giro histórico en la sexualidad en el cine. Se convirtió en una auténtica estrella y en una chica de calendario favorita de los soldados durante la Segunda Guerra Mundial. En su honor, las tropas en Corea bautizaron con su nombre dos cerros sitiados.
Apareció en otras dieciocho películas en los años cuarenta y cincuenta, y aunque sólo algunas fueron memorables, sigue siendo una favorita de la época por sus irónicos retratos de las diosas del sexo que parecen divertirse con sus propios efectos.
"Ese gracioso erotismo es raro en Hollwyood, y tenemos la suerte de que se le permitiera adornar tantas películas de aventuras", escribió el historiador y crítico de cine David Thomson sobre Russell, a la que definió como "físicamente gloriosa".
Entre las mejores películas de Russell se encuentran ‘Rostro Pálido’ [The Paleface], en la que fue la decidida Calamity Jane con el irresponsable dentista Hope en una parodia de ‘El virginiano’ [The Paleface] y ‘Los caballeros las prefieren rubias’ [Gentlemen Prefer Blondes], un musical en el que fue Dorothy, la morena amiga íntima de la ambiciosa Lorelei Lee (Marilyn Monroe). En ‘Los caballeros las prefieren rubias’, las dos actrices ejecutaron una formidable interpretación de la exitosa canción de Jule Styne-Leo Robin, ‘Diamonds Are a Girl’s Best Friend’.
Russell apareció en algunas películas en los años sesenta y terminó su carrera en el cine en 1970 como Alabama Tigress en ‘Más oscuro que el ámbar’ [Darker Than Amber], una adaptación al cine de la novela de misterio de John D. McDonald. Reemplazó a Elaine Stritch en ‘Company’ en Broadway durante varios meses en 1971, pero después de esto su carrera se limitó en general a apariciones en clubes nocturnos, teatros y otras presentaciones en vivo.
Para las generaciones posteriores, Russell -a la que Hughes diseñó un sostén de voladizo que contribuyó a su fama- fue conocida como ‘la Dama del Sujetador’ por su papel como portavoz de los sujetadores Plyatex para "mujeres curvilíneas".

Ernestine Jane Geraldine Russell nació el 21 de junio de 1921 en Bemidji, Minnesota, aunque su familia se mudaría luego a California del Sur cuando ella era todavía niña. Después de la Escuela Secundaria Van Nuys, trabajaba como modelo y recepcionista cuando su foto llamó la atención de un agente de reparto que trabajaba para Hughes. El magnate estaba realizando una búsqueda nacional de mujeres pechugonas guapas para el papel de Rio McDonald, que se enamora de Billy the Kid en ‘El forajido’.
Tras una audiencia, le dieron el papel a Russell.
Hughes, que se ocupó de la dirección de la película después de Howard Hawks, se propuso explotar al máximo los recursos de su hallazgo. Incluso llegó a instruir a sus ingenieros que diseñaran un sujetador especial tipo ménsula, sin costuras visibles, que mostrara algo más sus pechos que la ropa interior convencional. Russell contó que encontró "ridículo" el artilugio y llevó su propio sujetador.
"Podía diseñar aviones, pero no era Mr. Playtex", escribió Russell en su autobiografía de 1985, ‘Jane Russell: My Past and My Detours’.
Al ver los resultados de los esfuerzos de Hughes en 1941, Joe Breen, que implementaba la censura, se horrorizó, diciendo que no "había visto nunca nada tan completamente inaceptable como las fotos de los pechos del personaje de Rio", que eran "escandalosamente enfatizados y, en casi todas las tomas, casi completamente al desnudo".
Ordenó a Hughes a borrar decenas de fotos de los pechos de Russell. Hughes no sólo se negó a ello, si no que azuzó la polémica resultante para darle publicidad a la película. Publicó los carteles de Russell en la pila de heno con frases como ‘¿Te imaginas revolcándote con Russell?’ y ‘¡Mala. ¡Caprichosa! ¡Magnífica!’ En una maniobra publicitaria aérea escribieron ‘El forajido’ en el cielo y luego, cuidadosamente, trazaron dos círculos con un punto en el centro de cada uno.
Hughes también inventó la frase: "¿Cuáles son las dos razones que explican la fama de Jane Russell?’ (Más tarde, el cómico Hope utilizó una variante, introduciendo a la actriz como "las dos y única Jane Russell".)
La película fue proyectada brevemente en 1943, para ser retirada mientras Hughes estudiaba revisiones y maximizaba la publicidad. Fue proyectada más ampliamente en 1946 sin la aprobación de la censura. La película "no es aburrida", aseguraba un reseñador de Los Angeles Times a sus lectores que aunque el personaje de Russell era incidental en la trama, "la explotación de su atractivo físico es tan insistente como se anunció."
Atraídos por la notoriedad de la película, los cinéfilos acudieron en masa al teatro. Para cuando los censores la aprobaron en 1949, ya había recaudado millones de dólares. Como escribió James R. Petersen en la revista Playboy en 1997, "Hughes demostró que una película puede ignorar la censura y hacer dinero". Siguieron otros desafíos de la censura, incluyendo, en particular, a ‘El hombre del brazo de oro’ [The Man With the Golden Arm], del director Otto Preminger en los años cincuenta. A fines de los sesenta, la censura fue reemplazada por el sistema de clasificación de la Asociación de la Industria Cinematográfica de Estados Unidos, que permitió la proyección de películas explícitamente sexuales o violentas si las audiencias eran restringidas sobre la base de la edad.
La famosa guerra de Hughes contra la censura fue retratada en ‘El aviador’ [The Aviator], la película biográfica de Martin Scorsese de 2004 en la que Leonardo DiCaprio es Hughes. En la película, Hughes se presenta ante al censor armado con fotografías en primer plano de Russell y otros prominentes pechos de la época.
Russell cooperó con la campaña publicitaria de Hughes, pero censuró las imágenes escandalosamente reveladoras.
Profundamente religiosa durante toda su vida, lamentó retrospectivamente la implacable atención dedicada a su generosa figura.
Aunque llegó a despreciar las provocadoras fotografías que la habían convertido en estrella a los diecinueve, sucumbió a la presión de su publicista para usar una de las más sensuales para la cubierta de su autobiografía.
En su vida personal, al contrario de su imagen pública más bien escandalosa, Russell era políticamente conservadora y evangélica años antes de que la frase se hiciera popular. Una vez promovió la lectura de la Biblia en las escuelas públicas.
Ella y su primer marido -su novio de la Escuela Secundaria Van Nuys, Bob Waterfield, que se convertiría en una estrella del fútbol americano de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA) y los Cleveland (más tarde Los Angeles) Rams- estuvieron casados durante veintitrés años hasta que se divorciaron en 1967. Adoptaron a tres niños -Tracy, Thomas y Robert (Buck), que la sobreviven, junto con seis nietos y diez biznietos.
Russell contó en su autobiografía que antes de su matrimonio con Waterfield tuvo un aborto chapucero, que pensaba que podría haber afectado su capacidad para ser madre. Las dificultades de la pareja con la adopción, la inspiró a fundar el Fondo Internacional para la Adopción Mundial [World Adopting International Fund], que ayudó a colocar a decenas de miles de niños en hogares adoptivos. La organización se disolvió en 1998.
Después de su divorcio de Waterfield, Russell se casó con el actor Roger Barrett, que murió de un ataque al corazón tres meses después de su boda en 1968. Su matrimonio con John Calvin Peoples en 1974, un hombre de negocios en el área inmobiliaria, duró hasta su muerte en 1999.
Tras la muerte de su tercer marido, Russell se mudó de su hacienda en Montecito a Santa María, hogar de su hijo menor y su familia. Para 2006, una degeneración macular comenzó a afectar su vista.
A los 84, con los cabellos plateados y todavía escultural, actuaba frecuentemente, con amigos, en una revista al estilo de los años cuarenta en un pequeñísimo teatro en el Hotel Radisson local, lejos de Las Vegas, donde había empezado su carrera como cantante en 1957.
Resumiendo su carrera en el cine, Russell escribió en su autobiografía que nunca pudo hacer las películas que le hubiese gustado.
"Excepto por la comedia, en el departamento de actuación no me conocía nadie", dijo. "Definitivamente fui víctima de la caracterización de Hollywood".
13 de marzo de 2011
28 de febrero de 2011
©los angeles times
traducción mQh

Murió Betty Garrett

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Versátil actriz cómica.

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[Kate Linthicum] Murió Betty Garrett, actriz de comedias que formaba parte fija del reparto de musicales de MGM, como ‘Un día en Nueva York’ [On The Town] y ‘Llévame a ver el partido’ [Take Me Out to the Ballgame]; invitada frecuente en las series de televisión ‘Todo en familia’ [All in the Family] y ‘Laverne & Shirley’; y estrella en Broadway y en proyectos teatrales en Los Angeles. Tenía 91 años.
Garrett falleció el sábado en la mañana en el Centro Médico Ronald Reagan de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), debido a un aneurisma aórtico, informó su hijo Garrett Parks.
El miércoles pasado, Garret cenó con amigos y después dictó su clase semanal sobre comedias musicales en el Theatre West, el teatro sin fines de lucro que ayudó a fundar en North Hollywood hace medio siglo.
"Era una mujer de un optimismo ilimitado", dijo el sábado al Times Miles Kreuger, presidente del Instituto del Musical Americano [Institute of the American Musical]. "En el cine y en televisión mostraba un maravilloso sentido de alegría".
En una entrevista con el Times en 2009, Garret dijo sobre su larga carrera. "La gente me dice: ‘¿Cómo que has durado tanto?’", contó. "Les digo que creo que se debe a que he hecho toda mi vida lo que me gusta hacer".

Nacida el St. Joseph, Montana, el 23 de mayo de 1919, Garrett mostró talento para la actuación desde muy niña.
En 1936 una amiga de la familia la introdujo a la famosa bailarina Martha Graham. Graham recomendó a Garrett para una beca en la Neighborhood Playhouse en Nueva York.
"Terminé la secundaria a los dieciséis y me vine directamente a Nueva York", recordó Garrett más tarde.
Al cabo de unos años, empezó a conseguir roles en Broadway. Tuvo su primer gran éxito en ‘Call Me Mister’, un sketch para una revista de comedia en el que cantaba la popular canción ‘South America, Take It Away’.
Pronto Hollywood se interesó en ella. Un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer la llevó hacia el oeste en 1947 y pasó los siguientes años haciendo musicales, incluyendo los de 1949, ‘La hija de Neptuno’ [Neptune’s Daughter], con Red Skelton, y ‘Un día en Nueva York’, con Gene Kelly y Frank Sinatra.
"Yo estaba viviendo los últimos años de esos que llaman los años dorados’, contó al Times en 1979. "Conocí a Gable y a Tracy y, por supuesto, a Gene Kelly y a Sinatra. Crecer teniendo a Frank como ídolo y luego, repentinamente, convertirte en su actriz principal, es ver convertida en realidad una extraordinaria fantasía".
En 1944, Garret se casó con el actor Larry Parks, que tuvo éxito en el cine con ‘The Jolson Story’, pero cuya carrera terminó cuando fue puesto en lista negra en Hollywood. La pareja recorrió Gran Bretaña con un acto de vaudeville. Parks murió en 1975.
Garret fue mejor conocida por sus papeles en televisión en dos populares series de los años setenta, como la casera Edna Babish en ‘Laverne & Shirley’ y como Irene Lorenzo, vecina de Archie Bunker en ‘Todo en familia’.
En los últimos años montó un espectáculo unipersonal, ‘Betty Garrett and Other Songs’. Aparecía frecuentemente en el escenario del Theatre West. Entre sus últimas actuaciones se encuentra ‘Nunsense’, el estreno en Los Angeles, de ‘Waiting in the Wings’, de Noel Coward, y la revista ‘Betty Garrett, Closet Songwriter’.
Además de su hijo el compositor Garret Parks, la sobreviven su otro hijo (Andrew), actor, y una nieta (Madison).
El sábado noche Madison actuó en una ópera en la escuela secundaria.
"Está siguiendo los pasos de su abuela, dijo Garrett Parks sobre su hija.
3 de marzo de 2011
13 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Peggy Rea

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Actriz de carácter en ‘Los Walton’ y ‘Dos chalados y muchas curvas’.

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Murió el 5 de febrero la campechana actriz de carácter Peggy Rea, mejor conocida por sus papeles en televisión en ‘Los Walton’ [The Waltons], ‘Dos chalados y muchas curvas’ [The Dukes of Hazzard] y ‘Grace Under Fire’, informó la Santa Barbara Cemetery Assn. Falleció en su casa en Lago Toluca debido a complicaciones de una deficiencia cardiaca.

Nacida en Los Angeles el 31 de marzo de 1921 , Rea dejó la Universidad de California en Los Angeles (UCLA) para estudiar administración.
Cuando trabajaba como secretaria de producción en MGM en los años cuarenta, actuaba de noche en pequeñas producciones teatrales. Su primer rol importante lo tuvo en una producción de la gira de ‘Un tranvía llamado deseo’ [A Streetcar Named Desire’ en 1947, y apareció más tarde en una pieza en Broadway.
Después de debutar en televisión en ‘I Love Lucy’ en 1953, Rea trabajó en más de setenta proyectos de televisión. Entre sus actuaciones en cine se encuentran ‘Las siete caras del Dr. Lao’ [7 Faces of Dr. Lao] (1964) y ‘Recuerdos de guerra’ [In Country] (1989).
A fines de los años setenta y principios de los ochenta, fue Rose Burton, prima de Olivia Watson, en ‘Los Walton’, y Lulu, la esposa de Boss Hogg, en ‘Dos chalados y muchas curvas’. En ‘Grace Under Fire’, fue la suegra del personaje del título, de 1995 a 1980.
2 de marzo de 2011
12 de febrero de 2011
©los angeles times
[traducción mQh]

Murió Kenneth Mars

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Veterano actor de pantalla y de voz.

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Murió el sábado en su casa en Granada Hills, de cáncer al páncreas, el veterano actor Kenneth Mars, cuyas memorables actuaciones fueron sus dos colaboraciones con el director Mel Brooks en ‘Los productores’ [The Producers] y ‘El jovencito Frankenstein’ [Young Frankenstein; El joven Frankenstein]. Tenía 75 años.
Durante una carrera que se extendió durante cinco décadas, Mars apareció en más de 35 películas, incluyendo ‘Dos hombres y un destino’ [Butch Cassidy and the Sundance Kid] (1969), ‘Personajes desesperados’ [Desperate Characters] (1971),’¿Qué me pasa, doctor?’ [What’s Up, Doc?] [1972] y ‘Días de radio’ [Radio Days] (1987). También apareció en series de televisión, incluyendo ‘Amor al estilo americano’ [Love, American Style], ‘Fernwood Tonight’, ‘El fantasma y la señora Muir’ [The Ghost and Mrs. Muir], ‘El comisario McMillan y su esposa’ [McMillan & Wife] y ‘Malcolm en el en medio’ [Malcolm in the Middle].
En ‘Los productores’ (1968), fue Franz Liebkind, un nazi medio loco cuya obra, ‘Springtime for Hitler’, atrae a una pareja de intrigantes productores de Broadway representados por Gene Wilder y Zero Mostel. Una de sus frases más citadas fue: "No lo sabe mucha gente, pero el Fuhrer era un pésimo bailarín’.
En ‘El jovencito Frankenstein’, Mars mostró nuevamente su talento para representar personajes germánicos en el papel del Inspector Kemp, un jefe de policía con monóculo y un brazo ortopédico ridículamente defectuoso.
"Pocos actores pueden hacer el papel del alemán estrafalario tan bien como Kenneth Mars", escribió Robert Alan Crick en el libro ‘Big Screen Comedies of Mel Brooks’, de 2009.

Mars nació en Chicago el 4 de abril de 1935. Estudió bellas artes en la Universidad del Northwestern, y empezó a actuar a principio de los años sesenta.
En sus últimos años, fue un solicitado actor de voz para proyectos de dibujos animados para niños y largometrajes animados. Fue la voz de Grandpa Longneck en la serie ‘En busca del valle encantado’ [The Land Before Time; La tierra antes del tiempo] y la de King Triton en ‘La sirenita’ [The Little Mermaid].
[viene de mQh]
28 de febrero de 2011
15 de febrero de 2011
©los angeles times

Murió Len Lesser

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Veterano actor de carácter, mejor conocido como el Tío Leo de la comedia de televisión ’Seinfield’.

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Murió el miércoles en Burbank, según informó la publicista Laura Stegman, el veterano actor de carácter Len Lesser, conocido por su rol recurrente como el Tío Leo en la exitosa comedia de NBC-TV, ‘Seinfield’, en los años noventa. Sufría de leucemia y cáncer.
A partir de principios de los años cincuenta, Lesser construyó su reputación como matón en una docena de películas y en cientos de programas de televisión, mientras alimentaba su pasión por el teatro. Pero el calvo actor de nariz ganchuda llevó su carrera a un nivel superior cuando se hizo con el papel del fastidioso Tío Leo, de Jerry Seinfeld, con su característico salud: "¡Hola!"
"Es el tipo de persona que a veces es absolutamente pesada, una persona a la que evitas", dijo Lesser sobre el Tío Leo en una entrevista con el Times de 1998. "Es un tipo muy expansivo, y hay algo de atractivo en eso".

Nacido el 23 de diciembre de 1922 en Nueva York, Lesser estudió economía y administración en la City College de Nueva York en 1942. Tras servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, volvió a Nueva York a estudiar actuación.
Se mudó a Los Angeles en 1954 y empezó a trabajar en televisión y comerciales. Consiguió roles en el cine, incluyendo papeles secundarios en ‘Los héroes de Kelly’ [Kelly’s Heroes], ‘Papillon’ y ‘El fuera de la ley’ [The Outlaw Josey Wales].
Además de ‘Seinfeld’, también tuvo un rol recurrente en la comedia de CBS , ‘Todo el mundo quiere a Raymond’ [Everybody Loves Raymond], como Garvin, el amigo del padre de Raymond.
Trabajaba frecuentemente en producciones locales, entre ellas ‘Cold Storage’ en el Gnu Theatre en 1993, ‘Cantorial’ en el Actors Alley en 1992 y ‘Awake and Sing!’ en A Noise Within, el año pasado.
22 de febrero de 2011
17 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Joanne Siegel

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Sirvió de modelo para el personaje de Superman, Lois Lane.

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[Dennis McLellan] Murió Joanne Siegel, la que, en los años treinta, jugó un rol central en la saga de Superman como la modelo adolescente del artista Joe Shuster para la creación de Lois Lane y se casó más tarde con uno de los creadores de El Hombre de Acero, el escritor Jerry Siegel. Tenía 93 años.
Siegel, residente de toda la vida de Marina del Rey que ganó un largo litigio para recuperar los derechos de reproducción de su marido sobre Superman y personajes relacionados, falleció el sábado en el St. John’s Health Center en Santa Mónica, informó su hija Laura Siegel Larson. Aún no se ha determinado la causa de su muerte.
Joanne Siegel era la estudiante de secundaria Joanne Kovacs cuando puso un pequeño anuncio clasificado en la categoría ‘Buscan Trabajo - Personal Femenino’ en el Cleveland Plain Dealer en 1935, el año de la Depresión: ‘Modelo para Artistas. Sin experiencia".
Una de las respuestas al anuncio fue de Shuster, un joven artista de Cleveland que, con un joven escritor amigo (Siegel), estaba trabajando en Superman como una potencial tira cómica.
"Joe estaba estudiando arte y pensaba que necesitaba a alguien para posar como el personaje Lois Lane, de la historia de Superman. Así que posé", dijo Joanne Siegel en una entrevista con el Plain Dealer en 1996.
"Recuerdo el día en que conocí a Jerry en la salita de Joe. Jerry era el modelo de Superman. Estaba parado allá, en una pose típica de Superman. Me dijo que su personaje volaba por el aire, y saltó del sofá, como demostración".
La hija de Siegel dijo que "una de las cosas en las que [Shuster y Siegel] estaban particularmente interesadas era cómo se veía una mujer que estaba siendo transportada en los brazos por alguien que volaba".
"Así que consiguieron una silla con brazos, y mi mamá se tendió en el sofá con los brazos en un brazo, y las piernas en el otro, y Joe la dibujó en esa posición".
Al menos tres mujeres en el área de Cleveland han reclamado haber sido la inspiración de Lois Lane, pero Joanne Siegel afirmó, en la entrevista de 1996, que estaba todas equivocadas.
"De hecho, mi papá escribió una vez una carta a la revista Time porque le irritaba que la gente tuviera esas pretensiones", contó Larson. "Joe Shuster también escribió una carta. Quería asegurarse de que todos supieran que mi mamá había sido el modelo [para Lois Lane]".
"Mi padre me dijo que ella no posó solamente para el personaje, pero desde el día que la conoció, fue su personalidad la que dio al personaje. Era no solamente guapa, sino muy inteligente y determinada, y tenía mucho coraje; era una persona valiente".
Superman debutó en 1938 en la revista Action Comics No. 1, publicada por la predecesora de DC Comics. El personaje causó sensación de inmediato y estaba en camino para convertirse en uno de los personajes más reconocibles del mundo.
Sin embargo, Siegel y Shuster firmaron un acuerdo con el editor en 1938 y una corte falló más tarde que habían vendido todos los derechos de reproducción de Superman por 130 dólares.

Hija de inmigrantes húngaros, Joanne Siegel nació como Jolan Kovacs el 1 de diciembre de 1917 en Cleveland. (Debido a que maestros y otros alumnos de la escuela encontraban difícil pronunciar su nombre, la llamaron Joanne.)
Después de terminar la secundaria, trabajó como modelo en Boston y Nueva York bajo el nombre de Joanne Carter, antes de trabajar en un astillero del área de Los Angeles durante la Segunda Guerra Mundial.
Después de la guerra se mudó a Nueva York, donde se reunió con Siegel, con el que se casó en 1948. Los dos habían estado casados con otros, y se divorciaron.
El año anterior, Shuster y Siegel habían tratado de recuperar los derechos de Superman, pero sin ningún éxito.
Después de eso, contó Larson, "mi padre buscó trabajo y descubrió que los editores no querían contratarlo. Lo habían puesto en una lista negra. Mi madre y mi padre vivieron en la pobreza durante muchos, muchos años.
"Fue gracias al ingenio de mi madre que un día llamó al editor de Superman y le dijo: ‘¿Cómo es posible que usted haga millones de dólares con el personaje creado (en colaboración) por Jerry y permita que viva en esta increíble pobreza?"
"Y fue gracias a su determinación que finalmente mi padre pudo volver a trabajar, como escritor anónimo de muchas historias de Superman, Lois Lane y otras historias".
Antes del estreno de la película ‘Superman’ en 1978, una campaña dirigida por escritores y artistas de revistas de historietas condujo a que lo que se conocía entonces como Warner Communications -la empresa matriz de DC Comics- acordaran pagar a Shuster y Siegal veinte mil dólares al año por el resto de sus vidas.
Jerry Siegel murió en 1996.
"Su anhelo era que mi mamá y yo continuáramos sus intentos de recuperar la propiedad del personaje que había creado con tanto cariño", dijo Larson.
Debido a nuevas disposiciones de la Ley de Derechos de Autor, dijo, lograron recuperar esos derechos tras un fallo de una corte federal en 2008. Sin embargo, la familia Siegel está todavía esperando el dinero que se les debe desde 1999.
Además de su hija, la sobreviven una hermana -Sophie Halko; y dos nietos.
22 de febrero de 2011
18 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Tura Satana

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Actriz de culto.

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[Dave Itzkoff] Murió el viernes noche, en Reno, Nevada, Tura Satana, una actriz cuya despótica presencia, exótica apariencia y abultado pecho llamó la atención de los espectadores de la película de culto ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’ (1965), de Russ Meyer.
Su deceso fue anunciado por su agente de toda la vida, Siouxzan Perry, que informó que se creía que la causa de su muerte fue una deficiencia cardiaca. Perry dijo que Satana tenía 72 años, aunque otras fuentes creen que nació en 1935.

Nacida un 10 de julio como Tura Luna Pascual Yamaguchi, en Hokkaido, Japan, de un padre filipino de origen japonés-filipino y una madre que era parte india cheyenne, parte escocesa-irlandesa, Satana pasó parte de su niñez en el campo de internamiento Manzanar, cerca de Independencia, California, antes de que su familia se estableciera en Chicago. Su aspecto y cultura asiática y el hecho de que madurara precozmente se tradujo en frecuentes acosos y abusos, y vivió de manera itinerante como bailarina exótica y modelo de desnudo. Incluso posó para las fotografías eróticas de Harold Lloyd, el ex comediante del cine mudo, que le sugirió que se dedicara al cine.
El rol que la hizo despegar lo tuvo en ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’, un filme de explotación de Meyer que, en fuerte contraste con los trabajos posteriores del director, no incluía escenas de desnudos. En esa película, Satana era Varla, cabecilla de un banda de bailarinas a gogó que secuestran a una pareja, asesinan al novio y obligan a la chica a seguirlas en otras aventuras fuera de la ley.
La caracterización que hizo Satana de Varla como una femenina y violenta mujer que reprende frecuentemente a los hombres que se atreven a mirarla, la hizo tan popular que su fama como actriz de culto la persiguió hasta mucho después de la época del drive-in. En las últimas décadas, la influencia de la actitud profesional de Satana se podía observar en artefactos de la cultura pop que iban desde ‘Xena, la princesa guerrera’ [Xena, Warrior Princess] hasta las películas de la serie ‘Kill Bill’, de Quentin Tarantino.
La sobreviven dos hijas, Kalani y Jade, y dos hermanas, Pamela y Kim.
18 de febrero de 2011
5 de febrero de 2011
©new york times
cc traducción mQh