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Murió Joyce Howard


Actriz de cine y televisión.
El 23 de noviembre murió en Santa Monica, por causas naturales, la actriz británica Joyce Howard, que fue protagonista, con James Mason, en las películas de terror de los años cuarenta ‘La casa del terror’ [Terror House] y ‘They Met in the Dark’. Tenía 88 años.

Nacida en Londres en 1922, estudió en la Academia Real de las Artes Dramáticas y pronto actuó en el teatro.
Entre 1941 y 1950 hizo más de una docena de películas, fue la estrella de ‘Mrs. Fitzherbert’ y apareció como una determinada joven que se enroló en las fuerzas armadas en ‘El sexo débil’ [The Gentle Sex’].
Durante la Segunda Guerra Mundial siguió actuando en el teatro londinense, incluso durante bombardeos, contó su familia.
15 de diciembre de 2010
3 de diciembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Irvin Kershner


Director de Hollywood.
[Bruce Weber] Murió el sábado en su casa en Los Angeles el director de cine Irvin Kershner, que dirigió exitosas películas de Hollywood con famosas estrellas de Hollywood -incluyendo ‘El Imperio contraataca’ [The Empire Strikes Back], la segunda entrega de la trilogía original de ‘La Guerra de las Galaxias’ [Star Wars]- sin convertirse sin embargo en un nombre de marca él mismo. Tenía 87 años.
Según informó su hijo, la causa de su muerte fueron complicaciones de un cáncer.
Kershner era alto, de alargados y angulares rasgos cuya autoridad en el plató era amenizada con su ingenio y buen humor. El New York Times lo describió una vez como un "al mismo tiempo bufón de la corte, animador y el jefe indiscutido" y como un "Ichabod Crane con humanidad".
Su currículum, si no siempre brillante, era más que respetable, con películas en una variedad de géneros que le significaron la aclamación de los críticos -aunque no siempre la del público- y que a lo llevaron a menudo a trabajar con importantes estrellas del cine.
Sus primeras películas incluyen un drama realista sobre un pisoteado hombre de familia, ‘The Luck of Ginger Coffey’, con Robert Shaw en el papel estelar; ‘Un fabuloso bribón’ [The Flim-Flam Man], una loca y picaresca historia con George C. Scott como un tahúr y granuja itinerante con el sheriff (Harry Morgan) pisándole los talones; una excéntrica sátira social; ‘Un loco maravilloso’ [A Fine Madness], con un improbable Sean Connery, en el peapel de James Bond, como un sórdido y frustrado poeta; ‘Loving’, una dulce y desesperada comedia sobre una pareja suburbana de mediana edad, con George Segal y Eva Marie Saint; ‘En el fondo de un cajón de arena’ [Up the Sandbox], en la que Barbra Streisand fue una reprimida ama de casa de Manhattan que vive fantasías cada vez más escandalosas; y ‘El regreso de un hombre llamado Caballo’ [The Return of a Man Called Horse; La venganza de un hombre llamado Caballo], una película de vaqueros con Richard Harris.
También dirigió la película para la televisión, ‘Operación Centella’ [Raid on Entebbe] (1977), basada en una misión de rescate real en un caso de secuestro en 1976 en la que fuerzas especiales israelíes rescatan a los pasajeros de un avión secuestrado en Uganda.
Más tarde Kershner trabajó en varias películas de gran presupuesto, incluyendo el thriller sobrenatural ‘Los ojos de Laura Mars’ [The Eyes of Laura Mars] (1978), en la que Faye Dunaway es una altanera fotógrafa de moda vidente que tiene visiones de asesinatos; la película de crimen cibernético, ‘RoboCop 2’ (1990); y, nuevamente con Connery, que volvía al papel que lo hizo famoso, ‘Nunca digas nunca jamás’ [Never Say Never Again] (1983).
Kershner fue el único en dirigir tanto una película de ‘La Guerra de las Galaxias’ [Star Wars] y una película de James Bond, pero incluso aunque pensaba que no era la mejor opción para dirigir ‘El imperio contraataca’ la ahora muy bien considerada secuela de 1980 de ‘La Guerra de las Galaxias’ [Star Wars] (1977), la terriblemente exitosa película intergaláctica de George Lucas. Lucas había estudiado con Kershner en la academia de cine de la Universidad de California del Sur, y los dos eran amigos. Incluso así, Kershner rechazó la primera oferta de Lucas hasta que, como contó en una entrevista pública en la Escuela de Cine Colorado [Colorado Film School], Lucas le dijo que el futuro de la serie estaba en peligro.
"‘Bueno, quiero que lo pienses’, dice", contó Kershner, "porque si la segunda película funciona, haré más’. Me dijo: ‘Si esto no funciona, será el fin de ‘La Guerra de las Galaxias’".
Después de hacerle prometer que Lucas le daría libertad para hacer su propia película, Kershner aceptó. El resultado fue una película que introdujo el personaje gnomo, Yoda, que se encarga del adiestramiento Jedi de Luke Skywalker (Mark Hamill) mientras que Darth Vader (James Earl Jones) y el malvado imperio galáctico persigue a la arrojada banda de héroes, entre los cuales Han Solo (Harrison Ford) y la Princesa Leia (Carrie Fisher) de ‘La Guerra de las Galaxias’ así como el nuevo personaje, Lando Calrissian, representado por Billy Dee Williams. Es la película en la que Darth Vader revela que es el padre de Luke, y en la que Leia le dice a Han que lo ama, sólo para que este le responda: "Lo sé".
De acuerdo a la página web Box Office Mojo, la película recaudó más de 538 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo, ubicándose en el lugar 69 de la lista de las películas de mayor recaudación de la historia.

Isadore Kershner nació en Filadelfia el 29 de abril de 1923. Sus padres eran inmigrantes judíos de Ucrania, donde nacieron las dos hermanas mayores de Isadore. Su padre, Morris, sostenía a su familia vendiendo frutas y verduras en un puesto en la calle. El joven Isadore estudió música y bellas artes; tocaba la viola y el violín y estudió en la Escuela de Arte Tyler de la Universidad Temple. También estudió fotografía en el Art Center College of Design en California del Sur.
Cambió su nombre por el de Irvin después de servir en las Fuerzas Aéreas del Ejército como mecánico de aviones e ingeniero de vuelo durante la Segunda Guerra Mundial. Su primer trabajo en la industria del cine fue como documentalista para el Servicio de Información de Estados Unidos en Irán, Grecia y Turquía. Su primer largometraje, ‘La ciénaga blanca’ [Stakeout on Dope Street] (1958), fue financiada en parte por el magnate del cine B, Roger Corman.
Kershner se casó y divorció dos veces. Le sobreviven dos hijos, David, de Los
Angeles, y Dana, de Lummi Island, Washington.
"Yo lo consideraba un mentor", dijo Lucas en una declaración después de la muerte de Kershner. "Después de ‘La Guerra de las Galaxias’, hay una cosa que me quedó clara: no quería dirigir la segunda entrega. Necesitaba a alguien en quien pudiera confiar, alguien a quien admirara realmente y cuyo trabajo mostrara madurez y humor. Ese era Kershner".
"No quería que ‘El Imperio contraataca’ se convirtiera en una mera secuela más, otro episodio en una serie de aventuras del espacio", dijo. "Estaba tratando de construir algo, y sabía que Kersh era la persona que me ayudaría a hacerlo. Él puso mucho sobre la mesa. Le estoy verdaderamente agradecido".
8 de diciembre de 2010
29 de noviembre de 2010
©new york times
cc traducción mQh

Murió Marie Osborne Yeats


Actriz. Trabajó en las primeras películas mudas.
[Dennis McLellan] Murió Marie Osborne Yeats, niña actriz de la era del cine mudo que, bajo el nombre de Baby Marie Osborne apareció en películas como ‘Little Mary Sunshine’. Tenía 99 años.
Yeats, que trabajó más tarde como encargada de vestuario en un estudio de cine, murió el 11 de noviembre en su casa en San Clemente, informó su hija, Joan Young. En los últimos años, Yeats había sufrido tres derrames.
En 1915 tenía tres años cuando fue descubierta por el director Henry King en la Balboa Amusement Producing Co. en Long Beach, donde su padre estaba a cargo del zoológico del estudio y su madre adoptiva trabajaba como extra.
Un día King se encontraba en aprietos y necesitaba a un niño actor para un papel en ‘The Maid of the Wild’, una película corta en la que también actuaba King.
"Yo estaba allá, y llevaba corte holandés, así que me vistieron de niño", recordó Yeats en una entrevista con el Times en 2001.
King quedó impresionado con el trabajo de la agraciada niñita frente a las cámaras.
"Él pensaba que ella tenía una gran presencia de pantalla -era una natural- y quería promocionarla", dijo Jean-Jacques Jura, que entrevistó a Yeats para su libro ‘Balboa Films: A History and Filmography of the Silent Film Studio’, de 1999, escrito en colaboración con Rodney Norman Bardin II.
King empujó a Baby Marie al estrellato con ‘Little Mary Sunshine’, una película de 1916 escrita especialmente para ella.
‘Little Mary Sunshine’ fue la primera de una serie de largometrajes rodados en los Estudios Balboa, con Baby Marie Osborne en el papel estelar.
Un artículo en un diario de la época incluía este entre sus titulares: ‘Baby Marie Osborne, la Actriz Principal Más Joven del Mundo’.
Sobre su actuación en ‘Little Mary Sunshine’, el escritor del artículo observó que la actriz "nunca se pasa con la parte azucarada" y "su absoluta e impersonal conciencia es una revelación artística".
"Tuvo un gran éxito", dijo Jura.
La fama de la joven actriz se extendió a Europa, y empezó a realizar giras nacionales. Incluso aparecieron muñecas y muñecos de papel Baby Marie.
Balboa Films hizo lo imposible por dar en los estudios un tratamiento propio a su valorada niña prodigio, como descubrieron Jura y Bardin cuando hacían investigación para su libro. Entre las directivas del estudio se encuentran las siguientes:

"No debe ser fastidiada nunca".

"No se la debe gritar ni dirigirse a ella en coa".

"No debe ser mimada ni tocada innecesariamente. La idea de la dirección es no tocarla. Debes adorarla desde lejos".

En 1917, después de que expirara el contrato de Baby Marie con Balboa Films, dijo Jura, los Osborne y un socio compraron los viejos Estudios Kalem en Glendale, el que rebautizaron como Estudios Diando, para hacer sus propias películas con la niña como estrella.
Desgraciadamente, los días de gloria de Baby Marie como niña estrella fueron pocos, y terminaron después de ser la actriz principal en la comedia corta ‘Miss Gingersnap’, de 1919.
"Había un fondo fiduciario, pero no me parece que yo haya recibido algo", dijo al Times en 2001. "No importaba. Mi madre adoptiva me compraba ropa bonita. Vivieron bien, mientras duró. Se divorciaron cuando yo tenía siete u ocho años. Empecé a vivir yendo de uno al otro. Luego vivó con mi padre adoptivo".

Nació como Helen Alice Myres en Denver el 5 de noviembre de 1911, y se convirtió pronto en la hija de acogida de Leon y Edyth Osborn. (Rebautizaron a Marie y, más tarde, agregaron una ‘e’ a su nombre.)
"Me retiraron de la residencia de niños a cargo del estado de Colorado cuando tenía como tres meses", contó Yeats al Times en 2001. "Mi padre adoptivo administraba un teatro en Colorado Springs. Ignoro por qué mis se marcharon a California".
En los años treinta y cuarenta, Yeats trabajó ocasional y anónimamente en algunas películas, así como doble de Ginger Rogers, Deanna Durbin y Betty Hutton.
Empezando con un aprendizaje en la Western Costume Co. en 1952, tuvo una carrera de más de dos décadas como directora y diseñadora de vestuario de estudio en películas como ‘Ellos y ellas’ [Guys and Dolls], ‘Espartaco’ [Spartacus], ‘Cleopatra’ (estuvo a cargo de la guardarropa de Elizabeth Taylor), ‘Tal como éramos’ [The Way We Were], ‘Mame’ y ‘El Padrino II’.
"Debo ser franca contigo: prefería eso antes que actuar", dijo Yeats, que se jubiló en 1976, en la entrevista con Times. "He tenido una vida fascinante, maravillosa".
El matrimonio de Yeats con Frank Dempsey, con el que tuvo una hija, terminó en divorcio en 1937. Su matrimonio con Murray Yeats en 1945 terminó con su muerte, en 1975.
Además de su hija, le sobreviven cinco nietos.
3 de diciembre de 2010
18 de noviembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Monica Jonhson


Guionista de cine y televisión.
[Dennis McLellan] Murió Monica Johnson, guionista de cine y televisión mejor conocida por sus colaboraciones con el escritor y guionista Albert Brooks en ‘Un romance de hoy’ [Modern Romance; Idilio presente], ‘Perdidos en América’ [Lost in America; Desaparecidos en América] y otras comedias con Brooks. Tenía 64 años.
Johnson, residente de Palm Springs, falleció el lunes a causa de un cáncer al esófago en el Centro Médico Cedars-Sinai Medical Center en Los Angeles, informó su hija Heidi Johnson.
Hermana del difunto escritor de comedias Jerry Belson, Jonhson empezó su carrera literaria hace casi cuarenta años en los años setenta cuando escribió episodios para ‘The Mary Tyler Moore Show’, ‘Laverne & Shirley’ y otras series de televisión.
Primero formó equipo con Brooks para escribir (con Harry Shearer) ‘La vida real’ [Real Life], una comedia de 1979 que fue el debut cinematográfico de Brooks.
En los siguientes veinte años, Brooks y Johnson escribieron cuatro películas más, dirigidas y protagonizadas por Brooks: ‘Un romance de hoy’ (1981), ‘Perdidos en América’ [Lost in America] (1985), ‘Las manías de mamá’ [Mother] (1996) y ‘La musa’ [The Muse] (1999).
También escribieron (con Andrew Bergman) ‘El cazatalentos’ [The Scout], una comedia dirigida por Michael Ritchie en 1994, con la actuación de Brooks y Brendan Fraser.
"Monica Johnson era una persona extraordinaria", dijo Brooks en una declaración. "Divertida, inteligente, y era muy agradable trabajar con ella. El mundo ha perdido un gran sentido del humor".
Después de que ‘Las manías de mamá’, con Debbie Reynolds en el papel estelar, reportara a Brooks y Johnson el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la mejor película, un artículo en el Daily Variety observaba que la gente estaba preguntándose: "¿Qué Monica?"
"Pensaban que yo no existía. Pensaba que era Albert Brooks con otro nombre", dijo Johnson al diario del gremio.
Debido a que Brooks dirigía y protagonizaba las películas que escribían, Johnson dijo que Brooks "eclipsaba todo. Entretanto, yo podía ser su mujer misteriosa. La prensa hablaba solamente sobre Albert".
Sobre su primer encuentro con Brooks en los años setenta, dijo: "Éramos como dos gotas de agua. Él pensaba lo mismo que yo sobre el humor derivado de la realidad".

Nacida en Colorado el 21 de febrero de 1946, Johnson creció en El Centro, California.
Una breve biografía que escribió hace algunas semanas para su página web dice que estudió para ser asistente médico-dental "con la sólida determinación de casarse con un dentista. (Podría haber estudiado medicina, pero no tenía suficiente confianza en sí misma).
"Luego tuvo un golpe de suerte: el despotismo. Su hermano la introdujo al mundo de la comedia, y no ha vuelto a mirar atrás, excepto ocasionalmente cuando recoge su abrigo en la puerta".
Su hermano Jerry Johnson, un guionista que ganó tres veces un Emmy y murió de cáncer a la próstata en 2006, escribió toda la vida con Garry Marshall. Juntos llegaron a convertirse en productores ejecutivos de ‘La extraña pareja’ [The Odd Couple].
Johnson era una madre soltera y estaba trabajando como oficinista en una oficina de servicios sociales en Los Angeles cuando empezó a ganar dinero extra tipeando los guiones de ‘La extraña pareja’ para su hermano.
Al transcribir, "intervenía los guiones y se dio cuenta de lo divertida que era su hermana", contó Heidi Johnson. "Jerry la introdujo a la guionista Marilyn Suzanne Miller para que escribiera un guión para ‘Mary Tyler Moore’.
Johnson escribió para las comedias ‘The Paul Lynde Show’, ‘Paul Sand in Friends and Lovers’ y ‘Laverne & Shirley’, de las que también fue productora.
Penny Marshall, que fue Laverne en las exitosas series, recordó que Johnson y Jerry Belson tenían un sentido de humor "totalmente diferente".
"Él era mucho más amargo en su humor; era más duro", dijo Marshall, un cercano amigo de toda la vida de Johnson, al Times el miércoles. "Y era excéntrica".
La excentricidad de Johnson se extendía a sus atuendos.
"Llegaba en bata a trabajar y siempre llevaba cuatro tubos en su pelo", explicó Marshall. "Era su modo de ser.
"Era única, una persona única y divertida. Es una enorme pérdida para la comedia".
Johnson escribió después para la serie de televisión ‘It’s Garry Shandling’s Show’ y fue guionista y productora supervisora de la serie ‘Good Sports’ de 1991.
También fue una de las guionistas de la comedia ‘Americathon’, de 1979, y de la comedia dirigida por Jerry Belson, ‘Jekyll y Hyde... hasta que la risa los separe’ [Jekyll and Hyde … Together Again], de 1982.
Además de su hija, le sobreviven su séptimo marido Charles Lohr; y su hermano Gordon Belson.
26 de noviembre de 2010
4 de noviembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Arthur Bernard Lewis


Guionista y productor de ‘Dallas’.
Falleció el 30 de octubre en el Sherman Oaks Hospital, a consecuencia de complicaciones de una neumonía, el veterano guionista de televisión Arthur Bernard Lewis, que llegó a escribir 69 episodios de ‘Dallas’ y también fue editor y productor supervisor de la prolongada serie de televisión de CBS, comunicó su familia.
Lewis trabajó en ‘Dallas’ como guionista y editor narrativo a partir de 1978, en su primera temporada. Fue productor supervisor durante 113 episodios, desde 1981. Después de que terminara la serie en 1991, Lewis volvió a escribir los guiones de las películas ‘Dallas: el regreso de J.R.’ [Dallas: J.R. Returns] (1996) y ‘Dallas: La guerra de los Ewing’ [Dallas: The War of the Ewings] (1998).

Lewis, que nació el 15 de enero de 1926 y creció en Nueva York, escribió para ‘Hawai 5-0’ [Hawaii Five-0] y varias otras series de televisión antes de dedicarse a ‘Dallas’. También trabajó para la serie dramática ‘Hospital General’ [General Hospital] de ABC.
24 de noviembre de 2010
6 de noviembre de 2010
©los angeles times
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Murió Jill Clayburgh


Actriz. Fue dos veces nominada a un Oscar.
Murió el viernes la actriz Jill Clayburgh, cuya carrera en Hollywood brilló con sus roles en las películas ‘Una mujer descasada’ [An Unmarried Woman] y ‘Comenzar de nuevo’ [Starting Over], en los años setenta. Tenía 66 años.
Su marido, el galardonado dramaturgo David Rabe, dijo que murió después de una guerra de veintiún años con una leucemia linfocítica crónica. Falleció rodeada por sus familiares en su casa en Lakeville, Connecticut.
Se enfrentó con coraje a su enfermedad, discreta y silenciosamente, dijo Rabe, y se condujo con una enorme gracia y "la convirtió en una oportunidad para que sus hijos crecieran y fueran humanos".
En ‘Una mujer descasada’ (1978), dirigida por Paul Mazursky, Clayburgh apareció junto a Alan Bates y Michael Murphy como una divorciada que explora su sexualidad. Fue nominada a un Oscar a la mejor actriz, pero lo perdió ante Jane Fonda, en ‘El regreso’ [Coming Home]. Su segunda nominación a un Oscar llegó con ‘Comenzar de nuevo’ (1979), la comedia de Alan J. Pakula sobre un divorciado (Burt Reynolds) que se enamora, pero no puede separarse de su ex esposa (Candice Bergen). (Lo ganó Sally Field, por su rol en ‘Norma Rae’.)
También trabajó en ‘Dos más uno igual a dos’ [Semi-Tough], ‘Deletreo lo más rápido que puedo’ [I’m Dancing As Fast As I Can; La encrucijada de Lisa], ‘El expreso de Chicago’ [Silver Streak], ‘Mi querida señor juez’ [First Monday in October] y ‘Recortes de mi vida’ [Running With Scissors]. En Broadway apareció en ‘Design for Living’, de Noel Coward, en la producción original de ‘Jumpers’, de Tom Stoppard y en los musicales (ambos galardonados con un Tony) ‘Pippin’ y ‘The Rothschilds".
Trabajó en series de televisión como ‘Sexy Money’ [Dirty Sexy Money] y fue dos veces nominada a un Emmy: a la mejor actriz por su trabajo en ‘Hustling’, en 1975, y a la mejor actriz invitada en ‘Nip/Tuck’, en FX, en 2005.

Nacida el 30 de abril de 1944 en Nueva York, Clayburgh provenía de una familia privilegiada. Su padre era vicepresidente de dos importantes compañías y su madre era secretaria de David Merrick, productor de Broadway. Su abuela, Alma Clayburgh, era cantante de ópera y bohemia. Vivían en Nueva York.
La extasió ver a Jean Arthur en ‘Peter Pan’, en Broadway, y ella y una amiga de la escuela representaban sus propias piezas en casa. En el Sarah Lawrence College estudió religión, filosofía y literatura.
Clayburgh también estudió teatro en el Sarah Lawrence. Ella y su amigo Robert De Niro actuaron en la película ‘Boda sangrienda’ [The Wedding Party], dirigida por un egresado del Sarah Lawrence, Brian DePalma. Tras estudiar bellas artes, empezó a actuar en una compañía de teatro de repertorio y en musicales de Broadway como ‘The Rothschilds’ y ‘Pippin’.
Con Richard Thomas, encabezó el elenco de ‘A Naked Girl on the Appian Way’ (Broadway, 2005), la comedia de Richard Greenberg sobre las inusuales tribulaciones domésticas de una familia.
El director Doug Hughes, que la dirigió en una producción de ‘Todos eran mis hijos’ [All My Sons], de Arthur Miller, en el Westport Country Playhouse hace dos años, la llamó para ‘A Naked Girl’.
"Que tenga el tiempo de hacer una temporada de una obra es de gran ayuda, porque tuve el placer de verla actuar preciosamente en el rol de un personaje genuinamente trágico y tuve el placer de dirigirla en una comedia muy, muy ligera e inteligente, y actuó brillantemente", dijo en 2005.
Durante una entrevista ese año, Clayburgh explicó el lado poco elegante de la actuación.
"Una de las cosas divertidas que tienen los actores es que la gente mira sus carreras en retrospectiva, como si tuvieran un plan", dijo.
"La mayor parte de las veces te llaman por teléfono. Has estado esperando que te llamen, pensando: ‘Oh, Dios mío, nunca volveré a trabajar. Dios mío, estoy demasiado vieja. Quizás debería trabajar para Howard Dean’. Y todo eso cambia de repente".
Además de su marido, le sobreviven su hija, la actriz Lily Rabe; su hijo Michael Rabe; y su hijastro, Jason Rabe.
17 de noviembre de 2010
6 de noviembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Luis García Berlanga


A los 89 años, falleció Luis García Berlanga, uno de los grandes nombres del cine hispanoparlante. Autor de una obra cáustica y popular, enraizada en los esperpentos de Valle Inclán y en las pinturas negras de Goya, García Berlanga creó varias de las mejores películas de toda la historia del cine español.
[Luciano Monteagudo] "Los yanquis han venido/ olé salero, con mil regalos/ y a las niñas bonitas van a obsequiarlas con aeroplanos/ con aeroplanos de chorro libre/ que corta el aire/ y también rascacielos, bien conservaos/ en frigidaire." Corren tiempos duros de posguerra y con esta canción, improvisada a las apuradas, las fuerzas vivas de un minúsculo pueblito castellano –alcalde, cura, boticario, comerciantes, maestra, todos disfrazados a la manera andaluza– piensan congraciarse con una delegación estadounidense que promete pasar por el lugar. Es la fiebre del Plan Marshall y sueñan con un puñado de dólares y una modernidad made in Hollywood. Lo que no saben es que después de tanto ajetreo y preparativo, la comitiva extranjera pasará a toda velocidad, dejando a su paso apenas una estela de polvo.
La película se titula ‘Bienvenido Mr. Marshall’, se rodó en 1953, en plena dictadura franquista, y en su humor familiar pero corrosivo –capaz de cargarse tanto a la falsa caridad imperialista como al folklore for export español– ya se manifiesta la cáustica personalidad de su director, Luis García Berlanga (1921-2010), quien no tardaría en convertirse en uno de los grandes directores del cine español. "No ha habido nadie igual, creo que solamente Buñuel puede mirarle a los ojos", señaló ayer el presidente de la Academia Española de Cine, Alex de la Iglesia, en el sepelio de Berlanga, fallecido a los 89 en su casa de Pozuelo, Castilla-La Mancha. Autor de un cine tan cáustico como popular, enraizado en los esperpentos de Valle Inclán y en las pinturas negras de Goya, fue el creador de varias de las mejores películas de la historia del cine español, entre ellas ‘Plácido’ (1961), ‘El verdugo’ (1963) y la serie iniciada por ‘La escopeta nacional’ (1978), todas en tándem con su guionista y amigo Rafael Azcona, otro maestro de la comedia satírica.
"Con Berlanga desaparece un testimonio fundamental de la España del siglo XX", expresó el presidente del gobierno español, José Luis Rodríguez Zapatero. Y agregó: "Su genio inconfundible, su estilo provocador, irónico y lúcido forman ya parte de nuestro vocabulario cotidiano, de nuestra mirada al mundo. Berlanga elevó la comedia al más alto rango de la creación y, como en la sabia tradición clásica, supo hacernos reír señalando el espíritu de una época con una profundidad extraordinaria".
Nacido en Valencia el 12 de junio de 1921, en una familia acomodada (su padre fue gobernador de Valencia durante la República), García Berlanga cursó estudios de Derecho y Filosofía y Letras, aunque los abandonó para ingresar, en 1947, en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde más tarde sería profesor. Allí hizo amistad con Juan Antonio Bardem, con quien realizaría en conjunto su primer largo, ‘Esa extraña pareja’, en 1951. Dos años después, con ‘Bienvenido Mr.Marshall’ no sólo compitió en Cannes (donde provocó la queja de Edward G. Robinson por un plano en el que la bandera estadounidense se arrastraba por el fango), sino también se impuso como renovador del cine español, en un momento en el cual la sombra de la censura franquista parecía ahogar toda experiencia por afuera del academicismo y la zarzuela filmada.
Con el aval de ese éxito, Berlanga se lanzó a realizar una serie de comedias tan divertidas como mordaces, que a través del humor lograron escapar de las tijeras del régimen: ‘Novio a la vista’ (1954), ‘Calabuch’ (1956) y ‘Los jueves, milagro’ (1957). La moral recalcitrante e hipócrita de la sociedad española bajo el falangismo, tutelada por la Iglesia, el otro gran enemigo histórico de Berlanga, empezaba a ser expuesta en todas sus debilidades. "Lo que hay en mis películas es pesimismo, aunque he tenido la suerte de recubrirlo con un sainete cómico, de modo que diga lo que diga la gente se ríe, o se sonríe", señaló alguna vez el director.
En 1961, con ‘Plácido’, Berlanga se asoció con Azcona y ambos se potenciaron mutuamente. La comedia –que llegó a competir por el Oscar– surgió a partir de una campaña ideada por el régimen franquista que, bajo el lema "siente un pobre a su mesa", pretendía hacer crecer en el pueblo un sentimiento de caridad cristiana hacia los desheredados, pero que en realidad escondía una manera mojigata de limpiar conciencias burguesas. Dos años después, la dupla subiría la apuesta con ‘El verdugo’, una tragicomedia como ninguna, cumbre del humor negro y la crítica social. Un empleado de pompas fúnebres (Nino Manfredi), que no encuentra novia, pues todas las chicas huyen de él cuando se enteran de su trabajo, se casa con la hija (Emma Penella) del verdugo oficial (impagable José Isbert), que tiene el mismo problema, ya que todos sus pretendientes escapan al saber quién es su padre. Y aunque el joven abjure de la profesión de su suegro terminará reemplazándolo; y en la memorable escena final será llevado a rastras al garrote vil como si fuese el condenado y no el verdugo. Para escándalo de Franco, ese final estaba inspirado en el caso real de un verdugo del régimen quien, tras saber que se iba a ejecutar a una mujer, se negó a hacerlo y hubo que emborracharlo para llevarlo al patíbulo.
Escapando de la censura, que se la hizo difícil, en 1967 Berlanga llegó a Buenos Aires, donde junto a Rodolfo Bebán, Marilina Ross y Ana María Campoy rodó ‘Las pirañas’, un film que nunca tuvo buena prensa pero que debería ser revisado para una justa valoración. Y en 1974 filmó en ‘París Tamaño natural’, donde Michel Piccoli se enamoraba de un maniquí, que cumplía los requisitos que el hombre esperaba de una buena mujer: atractiva, muda y sumisa. Erotómano célebre (fue creador de la colección de literatura erótica ‘La sonrisa vertical’, que editaba Tusquets), Berlanga sin embargo declaró: "No creo que el cine sea un vehículo del erotismo. Ni siquiera el porno. El único vehículo del erotismo es el libro. El libro te excita la imaginación".
Tras la muerte de Franco y con la democracia, Berlanga volvió a rodar en España y se abocó a la delirante serie iniciada por ‘La escopeta nacional’ (1977) y que continuó ‘Patrimonio nacional’ (1981) y ‘Nacional III’ (1982), sarcásticos frescos sociales dominados por la aristocrática figura en decadencia del marqués de Leguineche. El estilo coral –y el virtuosismo de sus planos secuencia– alcanzaría su culminación en ‘La vaquilla’ (1985), última colaboración con Azcona, en la que retrató la Guerra Civil como un oscuro retablo de agridulces miserias. "Al tercer día de nacer –confesó en 2005 a El País– ya me estaba cagando en la sociedad española. Es lo que he hecho toda mi vida. Siempre he tenido la sensación de que no iba a tener nada positivo. Y he intentado crearme válvulas de escape. La principal es el erotismo. Es lo más importante de mi vida, una de las pocas cosas que me ascienden desde el nivel del barro y la mierda de esta sociedad que me ha tocado..."
16 de noviembre de 2010
©página 12
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Murió Joseph Stein


Autor de ‘El violinista en el tejado’.
[Anita Gates] Murió el domingo, en Manhattan, Joseph Stein, autor de ‘El violinista en el tejado’ [Fiddler on the Roof] y de más de una docena de musicales en Broadway. Tenía 98 años.
Según su hijo Harry, Stein falleció después de fracturarse el cráneo en una caída, agregando que su padre, un inveterado bromista, había sufrido numerosos achaques en los últimos años, incluyendo un cáncer a la próstata, y que los usó todos como material humorístico.
"Dijo que algunos de sus mejores chistes se los llevaba a la tumba", contó Harry Stein.
‘El violinista en el tejado’, basado en los cuentos de Sholem Aleichem sobre un repartidor de leche judío y su familia que hacen frente a horrorosos cambios en un pequeño pueblo ruso en 1905, se estrenó en Broadway en 1964. El libreto de Sheldon Harnick y la partitura de Jerry Bock cosecharon elogios, pero el libro de Stein pasó prácticamente desapercibido.
"Va más allá del color local y describe, en conmovedores trazos, el pesar de un pueblo", escribió Howard Taubman en su reseña en el New York Times, que también describió el libro como "maravillosamente correcto".
Entre memorables canciones como ‘Sunrise, Sunset’ y ‘If I Were a Rich Man’, los diálogos de Stein poseían su propia poesía. Cuando Hodel, la hija de Tevye, se prepara para unirse a su futuro marido en Siberia, le dice a su padre: "Sólo Dios sabe cuándo nos volveremos a ver". Él responde: "Entonces lo dejaremos en sus manos". Y justo antes del primer gran número del espectáculo, Tevye habla con Dios: "Por supuesto me doy cuenta de que ser pobre no es una vergüenza, pero tampoco es un gran honor".
En 1965, el musical ganó nueve premios Tony, incluyendo el premio al mejor musical y al mejor autor de un musical, Stein. Para 1971, cuando la producción se convirtió en el musical que más tiempo estuvo en tablas en la historia de Broadway (desde entonces, ese récord ha sido superado varias veces), ya se había representado en 32 países, en dieciséis idiomas. El espectáculo dejó de ser representado al año siguiente, pero desde entonces ha vuelto cuatro veces más a Broadway, más recientemente en 2004.
Stein era un veterano de Broadway cuando apareció ‘El violinista en el tejado’. Justo el año antes había recibido elogiosas reseñas por su guión ‘Enter Laughing’, una comedia basada en un libro de Carl Reiner, sobre un niño judío que sueña con llegar a ser actor.
También co-escribió de dos exitosos espectáculos. ‘Take Me Along’ (1959), escrito con Robert Russell, fue un musical basado en ‘Ah, Wilderness!’, de Eugene O’Neill, con Jackie Gleason, Robert Morse y otros. El musical ‘Plain and Fancy’, de 1955, que escribió con Will Glickman, era una ligera historia de romance y choques culturales entre neoyorquinos y menonitas.

Joseph Stein nació el 30 de mayo de 1912 en el Bronx, hijo de Charles Stein, fabricante de carteras, y Emma Rosenblum. Egresó del City College de Nueva York en 1934 y se licenció en trabajo social en la Universidad de Columbia en 1937.
Stein trabajó durante varios años como asistente social antes de que conociera al comediante Zero Mostel a través de un amigo mutuo. Mostel dijo al pasar que andaba buscando materiales para una comedia para la radio y Stein le sugirió una idea, por la que Mostel le pagó quince dólares. Así empezó su carrera en la literatura. (Mostel fue Tevye en la producción original de ‘El violinista en el tejado’ en Broadway).
En 1948, Stein debutó en Broadway, creando con Glickman un sketch para ‘Lend an Ear’, una revista musical con Carol Channing, coreografiada por Gower Champion. Y se convirtió en miembro del grupo de guionistas de la clásica serie de comedias de Sid Caesar en los años cincuenta, ‘Your Show of Shows’.
También escribió el guión de tres de sus musicales -‘El violinista en el tejado’, ‘Enter Laughing’ y ‘Mrs. Gibbons’ Boys’, de 1949, que fue un fracaso en Broadway- cuando fueron llevados al cine y escribió otros proyectos para la televisión, pero su principal carrera estuvo en el teatro.
Cuando ‘El violinista en el tejado’ todavía se representaba en el Broadway Theater, Stein escribió el guión ‘Zorba’ para el musical de Kander y Ebb, de 1968, basado en el libro ‘Zorba el griego’ [Zorba the Greek], que fue protagonizado por Herschel Bernardi como el apasionado, ansioso y meditabundo personaje del título, un hombre al que el crítico del New York Times, Clive Barnes, describió en su reseña como que "vivía como si se fuera a morir en cualquier momento". Un revival de ‘Zorba el griego’, con Antonio Banderas como protagonista, se espera en Broadway para 2012, dijo el productor del espectáculo, Barry Weissler, en una entrevista el lunes pasado.
En el curso de los años, varios de sus musicales fueron repuestos en Broadway, aunque también escribió los guiones de cuatro espectáculos más, tres de ellos musicales.
Su último, ‘Rags’, un musical de 1986 sobre una joven inmigrante (Teresa Stratas) en la era de las maquilas en el Lower East Side, se derrumbó después del peso de las reseñas negativas y cerró después de cuatro funciones. Sin embargo, le significó a Stein, entonces de 74 años, su última nominación a un Tony. El único trabajo reconocido que hizo en Broadway después de eso, fue escribir algunos textos adicionales para ‘Jerome Robbins’ Broadway’ (1989).
Sin embargo, siguió trabajando hasta después de cumplir los noventa. En 2007 la Westport Country Playhouse en Connecticut produjo ‘All About Us’, un musical de Kander y Ebb basado en ‘Skin of Our Teeth’, de Thornton Wilder, con guión de Stein.
El Times de Londres llamó a Stein "el último gran guionista de Broadway". Se siguieron representando incluso sus trabajos menos conocidos. En 2008 la serie  Encores! representó un revival del espectáculo de Stein, ‘Juno’, de 1959, basado en ‘Juno and the Paycock’, de Sean O’Casey, en el City Center, con Victoria Clark.
La primera esposa de Stein, Sadie Singer, murió en 1974. Se casó luego con la actriz Elisa Loti, en 1975, que le sobrevive, así como sus tres hijos de su primer matrimonio: Daniel, Harry y Joshua Stein; un hijastro, John Bader; una hijastra, Jenny Lyn Bader, una dramaturga con la que estaba trabajando en un nuevo musical, ‘Heaven Can Wait’, en la época de su muerte; y seis nietos.
Aunque ciertamente era conocido por ‘El violinista en el tejado’, contendía que era otro musical el que lo había afectado más profundamente.
"Yo creo en la filosofía de ‘Zorba’", dijo Stein al Hartford Courant en 2007, "de que la vida es lo que haces hasta el día de tu muerte, así que mejor usarla toda y enorgullecerte de lo que estás haciendo".
Después de su experiencia con el musical, decidió que nunca volvería a hacer nada simplemente porque fuera comercial.
"De cierto modo", dijo sobre ‘Zorba el griego’, "me cambió la vida".
[Bruce Weber contribuyó al reportaje].
7 de noviembre de 2010
25 de octubre de 2010
©new york times
cc traducción mQh