cine general

Murió Pete Postlethwaite

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Actor. Fue nominado a un Oscar por ‘En el nombre del padre’.

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[Dennis McLellan] Cuando el actor británico Pete Postlethwaite estaba estudiando en la Bristol Old Vic Theatre School en los años setenta, el director de la escuela predijo que le iría bien como actor, pero no pudo resistir decirle que tenía cara de "arco de piedra".
"Toda mi carrera se sostiene en mis pómulos", dijo Postlethwaite al diario The Independent, de Londres, en 1998. "Son grandes, ¿no? ¿Quién fue el que dijo: ‘Parece que tiene la clavícula en la boca?’"
Postlethwaite, que fue nominado a un Oscar por su papel secundario como el padre de Daniel Day-Lewis en el drama ‘En el nombre del padre’ [In the Name of the Father, de 1993, murió el domingo, de cáncer, en un hospital de Shropshire, Inglaterra, de acuerdo a informes de la prensa británica. Tenía 64 años.
La mención de sus bien marcados rasgos, incluyendo una complexión rubicunda y una protuberante nariz que se había quebrado de niño jugando rugby, y vuelto a romper de adulto en peleas de bares, fue un refrán común durante toda la vida actoral de Postlethwaite, oficio para el que mostró talento desde muy temprano.
"Pos lo tenía todo", dijo Day-Lewis en una declaración el lunes. "De jóvenes, era él a quien íbamos a ver al teatro. Queríamos ser como él; desenfrenado y auténtico, valiente, natural, irreverente...
"No debería haberse ido. Me hubiera gustado que no lo hiciera. Existe la tendencia a hacer listados de fin de año. Cuando hacemos el listado de los más británicos, Pete no debería estar muy lejos de la cima."
En una carrera que incluyó actuar con la Royal Shakespeare Company, Postlethwaite apareció en numerosos programas en la televisión británica antes de aparecer en películas como ‘Los sospechosos de siempre’ [The Usual Suspects; Sospechosos comunes; Sospechosos habituales], ‘Tocando el viento’ [Brassed Off],’Atando cabos’ [The Shipping News], ‘Romeo + Julieta’ [Romeo + Juliet’, ‘Parque Jurásico II: El mundo perdido’ [The Lost World: Jurassic Park] y ‘Amistad’.
Como actor, contó Postlethwaite al diario Liverpool Daily Post en 2002: "Me niego a ser encasillado, y siempre haré cualquier cosa provisto que sea diferente, interesante, que se trabajo duro y si exige gran versatilidad."
Day-Lewis lo recomendó para el papel que lo puso en el centro de la atención internacional en ‘En el nombre del padre’, la película basada en un hecho real del director Jim Sheridan, que exploraba la relación entre un joven de Belfast que es encarcelado injustamente por un mortífero atentado del IRA en un pub inglés y su padre, que trata de salvar a su hijo y termina encarcelado él mismo.
"Era un actor tan, tan bueno", dijo Sheridan, desde Irlanda, al Times el lunes. "Básicamente era el epítome del padre no violento; es del tipo Gandhi de clase trabajadora.
"Creo que tuvo un enorme impacto más allá del cine en el alma de Irlanda e Inglaterra y la gente entiende que el padre no violento era en realidad el personaje más importante de la película. De este modo, sus roles cambiaron el paisaje político haciendo que la gente entendiera cómo puede una persona realmente inocente terminar implicada en todo esto".
Sheridan describió a Postlethwaite como un "hombre apasionado" que "vivía la vida plenamente".
"Era el ser humano más precioso que se pueda conocer, el más dulce", dijo Sheridan. "Bebía, pero podía controlarse. Al mismo tiempo, era muy profesional, lo que es una rara combinación".
Tras oír las noticias de su muerte, la actriz Julie Walters, que tuvo una larga relación romántica con Postlethwaite durante sus años en el Everyman Theatre de Liverpool, dijo a una agencia de noticias británica: "Es simplemente el actor más excitante y más estimulante de su generación. Era una persona y actor estimulante".
Steven Spielberg, que dirigió a Postlethwaite en ‘Parque Jurásico 2: El mundo perdido’ y ‘Amistad’, se dice que lo llamó una vez "probablemente el mejor actor del mundo" -elevados elogios que Postlethwaite respondió sarcásticamente: "Estoy seguro de que lo que dijo Spielberg fue: ‘Lo que pasa con Pete es que piensa que es el mejor actor del mundo’".
El menor de cuatro hermanos, nació en el seno de una familia católica de clase trabajadora de Warrington, Cheshire, Inglaterra, el 7 de febrero de 1946.
Enseñó en el St. Mary’s University College de Londres, donde siguió clases de teatro que, dijo después, le abrieron todo un nuevo mundo.
Después de enseñar teatro durante algunos años, empezó a estudiar actuación en la Bristol Old Vic. Más tarde pasó algunos años en el Everyman Theatre den Liverpool, adonde volvió en 2008 para representar al Rey Lear.
El actor decidió mantener su difícil apellido desde el principio.
"Mi primer agente lo quería cambiar", contó al diario londinense The Independent en 2000. "Así que lo cambié a él".
"Cuando despegué como actor, la gente empezó a decir: ‘¿Quién es ese tío con el nombre divertido?’", dijo en una entrevista de 2000 con el Independent de Londres. "Me aconsejaron cambiarlo, diciéndome que nunca pondrían mi nombre en una marquesina, por el gasto de electricidad.
"Pero nunca he contemplado cambiarme el nombre. Ese soy yo. Es mi madre y mi padre, y toda mi familia. Es de donde viene todo lo que soy. No puedo imaginar mi vida con otro nombre".
Activista político que salió a la calle para oponerse a la guerra en Iraq, fue el archivista del futuro en el documental ‘La edad de la estupidez’ [The Age of Stupid], sobre el cambio climático, de 2009.
Entre quienes le sobreviven se encuentran su mujer, Jacqui, y sus hijos Will y Lily.
7 de enero de 2011
4 de enero de 2011
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Murió Hideko Takamine

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Una de las actrices de cine más importantes de Japón.

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[Dennis McLellan] Murió Hideko Takamine, una niña estrella de Japón en los años treinta que se convirtió en una de las principales actrices de cine durante la época de la Segunda Guerra Mundial, representando a toda una gama de mujeres contemporáneas que capturaron el tenor de los tiempos. Tenía 86 años.
Takamine, que murió de un cáncer al pulmón, hizo su debut en la pantalla a los cinco en la exitosa película muda ‘Mother’, de 1929, y se dice que actuó en más de trescientas películas en una carrera que terminó cuando se retiró en 1979.
"Hideko Takamine era una de las más queridas y logradas estrellas del cine japonés", dijo Kevin Thomas, ex redactor de Times que reseñó películas japonesas entre 1962 y 1985. "Era guapa, y poseía un tremendo rango y versatilidad".
Después de empezar como una "especie de respuesta japonesa a Shirley Temple", dijo Thomas, "emergió como una de las grandes actrices japonesas del periodo de posguerra, que fue un periodo tremendo para el cine japonés".
Tras la guerra, dijo Thomas, "hubo un renacimiento del cine japonés. Las películas podían girar sobre la guerra y distribuir culpas, el impacto de la ocupación, la creciente emancipación de la mujer, todo ese tipo de cosas. Había una estupenda fermentación, y fue un periodo realmente creativo".
Y para muchos japoneses, escribió Phyllis Birnbaum en su perfil de Takamine en el New Yorker, "formaba tanto parte del Japón de posguerra como la leche en polvo de raro sabor que distribuían los militares estadounidenses".
"Muchas de las heroínas de Takamine eran mujeres corrientes que habían crecido después de la guerra", dijo a Birnbaum el historiador de cine Donald Richie. "Como muchas japonesas de entonces, querían más de la vida, pero no lo lograron".
"Las mujeres descubrieron que la guerra podía haber terminado, pero ellas no estaban mejor. Todavía se sentían infelices. Así que el tipo de papeles de Takamine se correspondían con el espíritu de la época, quizás había hecho el espíritu de la época".
Takamine, que dejó los estudios cinematográficos en 1950 para trabajar independientemente, rodó muchas de sus películas más notables con directores como Mikio Naruse y Keisuke Kinoshita.
Fue una striptisera en la película satírica de Kinoshita, ‘Carmen vuelve a casa’ [Carmen Comes Home], de 1951, el primer largometraje japonés en color; y una maestra en la película de Kinoshita contra la guerra, ‘Veinticuatro ojos’ [Twenty-four Eyes].
También representó memorablemente el papel que el crítico de cine Michael Wilmington describió una vez como el de "una mujer enamorada obsesivamente de un hombre sin valor" en la aclamada película de Naruse, ‘Nubes flotyantes’ [Floating Clouds], de 1955, y una camarera viuda en la película de Naruse, ‘Cuando una mujer sube la escalera’ [When a Woman Ascends the Stairs] (1960).
"Ambos directores son conocidos por sus descripciones de las mujeres, aunque sus estilos son completamente diferentes", dijo Takamine al diaro Straits Times en 1994. "Durante más de diez años, pasé de uno al otro, como una pelota de pingpong.
"Aunque diferentes en estilo, compartían una aversión común a las cosas no naturales. Yo trataba de ser tan natural como las mujeres que vemos en las noticias, pero agregando un poco de dramatismo para que pareciera todavía más real".
En 1955, el año en que Takamine se convirtió en la estrella más taquillera de Japón, se casó con el director y guionista Zenzo Matsuyama, que la sobrevive y con la que rodó varias películas.
Cuando se casaron, Takamine dijo a la prensa que quería "crear un nuevo estilo de esposa con trabajo".

Takamine nació el 27 de marzo de 1924 en Hakodate, en la isla de Hokkaido.
Su madre murió cuando tenía cuatro años y su padre la puso bajo los cuidados de su hermana en Tokio. Un año después, con su tía haciendo las veces de madre, Takamine entraba al mundo del cine. Se calcula que, de niña, apareció en cien películas, incluyendo sus papeles como niño.
"No había leyes contra el trabajo infantil, y yo era el sostén de mi familia", contó sobre sus días como niña estrella en una entrevista con el New York Times de 1983.
A diferencia de otras niñas estrellas, Takamine hizo una exitosa transición hacia su adolescencia.
Durante la Segunda Guerra Mundial recorrió los campamentos del ejército japonés cantando para las tropas. Inmediatamente después de la guerra, cantó para las tropas de ocupación estadounidenses en un teatro en Tokio.
"Yo cantaba canciones norteamericanas como ‘You Are My Sunshine’", dijo en la entrevista de 1983. "No tuve tiempo para pensar si me gustaba o no. Era trabajo.  Y, entre bastidores, me llegaban flores y chocolates y cupones de racionamiento, así que sobreviví gracias a los americanos".
Takamine se retiró después de que Kinoshita dirigiera ‘Hijo mío, hijo mío’ [Oh My Son!] en 1979.
Interrogada en la entrevista de 1983 sobre si lamentaba algo de su carrera, la franca Takamine dijo: "La odio todos los días. La he odiado durante cincuenta años, pero he continuado llevada por una especie de orgullo profesional".
Takamine, que no tuvo una educación digna de mencionar y de la que se dice que aprendió a leer ella misma, escribió varios libros, entre ellos ‘My Professional Diary’, una autobiografía de dos tomos publicada en 1976.
6 de enero de 2011
5 de enero de 2011
©los angeles times
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Murió Anne Francis

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Fue una de las estrellas del clásico de ciencia ficción, ‘Planeta prohibido’ de los años cincuenta.

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[Dennis McLellan] Murió el domingo la actriz Anne Francis, que fue una de las dos protagonistas del clásico de ciencia ficción de los años cincuenta, ‘Planeta prohibido’ [Forbidden Planet], y que fue más tarde la estrella de la serie de televisión ‘Honey West’ de los años sesenta, cuyo personaje principal era una sensual detective privado que tiene un ocelote como mascota. Tenía 80 años.
Francis, a la que le diagnosticaron un cáncer al pulmón en 2007 y fue operada y sometida a quimioterapia, murió tras complicaciones de un cáncer al páncreas en una residencia de ancianos en Santa Bárbara, informó Jane Uemura, su hija. Murió acompañada por amigos y familiares, informó la portavoz de la familia, Melissa Fitch.
Una rubia curvilínea con un distintivo lunar junto a su labio inferior, Francis era niña modelo y actriz de radio cuando se interesó por el cine a principio de los años cincuenta.
Tuvo papeles principales y secundarios en más de treinta películas, entre ellas ‘Conspiración de silencio’ [Bad Day at Black Rock], ‘Más allá de las lágrimas’ [Battle Cry], ‘Semilla de maldad’ [Blackboard Jungle], ‘Mercenarios’ [The Hired Gun], ’Vaya marineros’ [Don’t Go Near the Water], ‘Proyecto Brainstorm’ [Brainstorm], ‘Una chica divertida’ [Funny Girl] y ‘El pescador pescado’ [Hook, Line and Sinker].
Se convirtió en una actriz de culto como una de las estrellas de ‘Planeta prohibido’, la película de MGM de 1956, con Walter Pidgeon y Leslie Nielsen, que incluyó a un servicial robot llamado Robby.
Sin embargo, Francis no se convirtió nunca en una gran actriz de cine y se la veía con mucho más frecuencia en televisión, como actriz invitada de decenas de series desde fines de los cincuenta y más allá, incluyendo un episodio de ‘La dimensión desconocida’ [The Twilight Zone; En los límites de la realidad] en el que fue el maniquí de unos grandes almacenes que adquiere vida en la noche.
Pero Francis será mejor recordada como la estrella de ‘Honey West’, la primera mujer detective en una serie semanal de televisión.
Basada en el personaje del título de la serie de G.G. Fickling de las novelas de misterio de Honey West , iniciada en 1957, la Honey West de Francis fue introducida a los telespectadores en un episodio de ‘El detective millonario’ [Burke’s Law] en la primavera de 1965.
El episodio fue el piloto de la serie de media hora, ‘Honey West’, que fue producida por Aaron Spelling transmitida en el otoño de 1965.
En este, West, que hereda una agencia de detectives de su fallecido padre en Los Angeles, tenía un socio llamado Sam Bolt (John Ericson), compartía un departamento con su tía Meg (Irene Hervey) y poseía un ocelote antropófago como mascota, llamada Bruce Biteabit.
En lo que más tarde Francis describió como "una irónica James Bond femenina", su sabuesa privada y karateka conducía un convertible deportivo Cobra hecho a la medida y, cuando era necesario, operaba desde un furgón de vigilancia móvil especialmente equipado que estaba pintado como un vehículo de la televisión.
Otros trucos suyos al estilo de Bond incluyen un radiotransmisor en forma de lápiz labial, una aceituna de Martini falsa con un mondadientes para captar conversaciones, pendientes que explotaban liberando gas lacrimógeno cuando eran arrojadas al suelo y una liga negra con encajes rosados que era al mismo tiempo una máscara antigás.
Como la exuberante y sensual Honey, Francis llevaba un llamativo vestuario que incluía una gabardina negra con patrón de piel de serpiente, un vestido de gala de marta remachado con pedrerías y un bañador de piel de tigre con una combinación de capa.
En la era de la televisión con las amas de casa Donna Reed y Harriet Nelson, la independiente y responsable Honey West ha sido descrita como un modelo para la generación de mujeres baby-boomers.
"Probablemente era la precursora de lo que llamaríamos los buenos aspectos de la independencia femenina", dijo al Commercial Appeal, de Menfis, en 1997.
"Los productores y guionistas con los que he trabajado, todos en la treintena y cuarentena, me dicen todo el tiempo: ‘No tiene ni idea de la influencia que tuvo en mí a través de Honey West. Me mostró que podía hacer algo inusual con mi vida, que podía ser libre y no depender de otro ser humano para sobrevivir".
Francis ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de televisión y recibió una nominación a un Emmy por su retrato de Honey West.
Las series fueron bien acogidas, pero ABC las canceló en 1966 después de treinta episodios. "Pudieron comprar ‘Los vengadores’ [The Avengers] (serie de espionaje), de Inglaterra, por menos de lo que cuesta hacer nuestro programa", dijo Francis más tarde.

Nació el 16 de septiembre de 1930 en Ossining, Nueva York. A los siete, después de que su familia se mudará a Ciudad de Nueva York, fue contratada por la agencia de modelaje John Robert Powers.
Su carrera como niña modelo la condujo a roles de actuación en los programas de radio para niños ‘Let’s Pretend’ y ‘Coast-to-Coast on a Bus’, y luego se pasó al radioteatro. En 1941 apareció en Broadway, como Gertrude Lawrence de niña en ‘Lady in the Dark’ [Una mujer en la penumbra].
Francis llegó a Hollywood por primera vez en 1946 y fue contratada por MGM. Pero después de un año de estar "acicalándose" en el estudio, durante el cual tuvo un pequeño papel en el musical de Mickey Rooney, ‘Otoño en primavera’ [Summer Holiday], Francis, todavía adolescente, volvió a Nueva York, donde empezó a aparecer en programas de televisión en vivo.
Después de representar a una prostituta adolescente con una hijita en un reformatorio en ‘Jóvenes perversas’ [So Young, So Bad}, un largometraje rodado en Nueva York en 1950, Francis fue contratada por 20th Century Fox. Después de tres años en Fox, volvió con MGM; a fines de los cincuenta, era autónoma.
Mientras estuvo en MGM fue co-protagobista de ‘Planeta prohibido’, un éxito de taquilla de gran presupuesto que fue nominado a un Oscar por sus efectos especiales.
Francis fue Altaira, la atractiva hija de un científico (Pidgeon): los dos únicos humanos sobrevivientes de un misterioso y avanzado planeta.
"Me dieron ese papel porque trabajaba para MGM y tengo buenas piernas", dijo Francis, que acostumbraba lucir abreviados trajes futuristas, en una entrevista para la revista Starlog en 1992.
En la época, recordó, "no creo que ninguno de nosotros haya estado realmente consciente del hecho de que se iba a convertir en una película de culto, probablemente mucho, mucho más firme hoy que entonces... ‘Planeta prohibido’ tuvo vida propia, algo que ninguno de nosotros sabía que iba a pasar".
Francis, que escribió en 1982 sus memorias ‘Voices From Home: An Inner Journey’, siguió apareciendo en televisión hasta fines de los noventa.
Además de Uemura, a Francis, divorciada dos veces, le sobreviven otra hija, Maggie, y un nieto, dijo Fitch.
5 de enero de 2011
3 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Lina Romay

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Cantante de Cugat, actriz de MGM.

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[Valerie J. Nelson] Murió Lina Romay, cuya carrera como solista de la orquesta de Xavier Cugat a principios de los años cuarenta la llevó a iniciar otra carrera en el cine y, décadas después, a un periodo como anunciadora de radio en español en el Parque Hollywood. Tenía 91 años.
Romay falleció el 17 de diciembre, de causas naturales, en el Huntington Memorial Hospital, en Pasadena, según informó su hijo Jay Gould IV.
Cuando Cugat popularizaba la música latina en América del Norte, se aseguró de que fueran "chicas guapas las que cantaran para la banda", entre ellas Romay, "un canario con una asombrosa profundidad y rango", informó Newsday en 1997.
Trabajar con Cugat durante dos años fue tan perfecto, que "se parecía a sacarse los guantes", contó Romay al Times en 1980.
Descubierta en el escenario con la banda de Cugat en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York, pronto firmó un contrato de siete años con MGM, hacia 1943.
Durante la década siguiente hizo quince películas, y Hollywood aprovechó mucho su legado latino.
Su padre, Porfirio Romay, era un diplomático nacido en México que había trabajado en varios consulados mexicanos en Estados Unidos, incluyendo el de Los Angeles. Su madre, Lilian Walstead, era hija de padres irlandeses y noruegos.
Un artículo en el Times de 1945 empezaba diciendo: "La actriz Lina Romay puede ser el canario que lleve a las actrices latinoamericanas a un nuevo estado de permanencia en el cine".
Entre sus películas se encuentran ‘Escuela de sirenas’ [Bathing Beauty] (1944), con Esther Williams, ‘Aventura’ [Adventure] (1945), con Clark Gable, y ‘Los romances de Andy Hardy’ [Love Laughs at Andy Hardy] (1946), con Mickey Rooney.
Romay conoció a Jay Gould III, biznieto del barón de los ferrocarriles, en un carro alegórico en Brentwood. Después de su matrimonio en 1953, dejó de actuar para dedicarse a criar a sus tres hijos en Bel-Air. Gould murió en 1987.
En 1980 su carrera actoral renació cuando el Parque Hollywood la contrató para anunciar las carreras de caballo en español en emisoras locales.
"Es un trabajo muy excitante", dijo en1980 al Times, señalando que tenía "un don para anunciar los resultados".

Nació como María Elena Romay el 16 de enero de 1919 en Nueva York.
Como estudiante recién egresada de la secundaria, cantó en un evento panamericano en homenaje a su padre, lo que la llevó a un programa de radio de quince minutos. Cuando Cugat la oyó por radio, le ofreció una audición.
"Era el corazón de todas las fiestas, el centro de atención en todo lo que hacía", dijo su hijo. "Incluso tarde en su vida, cantaba en restaurantes y en bodas. No la podías mantener quieta".
En 1992 se casó con Robert O’Brien, un guionista de los programas de televisión de Lucille Ball. Murió en 2005.
Además de su hijo Jay, a Romay la sobreviven su hija Gloria Gould Gunter, y dos nietos. Su hija Anne murió en 1991.
4 de enero de 2011
29 de diciembre de 2010
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Murió Blake Edwards

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Dirigió ‘La pantera rosa’. Era un maestro de la comedia física.

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[Dennis McLellan] Murió Blake Edwards, guionista y director que luchaba contra la depresión en su vida personal, y que no obstante era conocido como un maestro de la comedia circense moderna y de ingenio sofisticado con películas que fueron éxitos de taquilla, como las comedias de ‘La pantera rosa’, ‘10’ y ‘Desayuno con diamantes’ [Breakfast at Tiffany’s]. Tenía 88 años.
Edwards falleció el miércoles noche, por complicaciones de una neumonía, en el St. John’s Health Center en Santa Mónica, informó Gene Schwam, agente de Edwards de toda la vida. Su esposa, Julie Andrews, y miembros de la familia inmediata, estuvieron junto a su lecho de muerte.
"Era el hombre más extraordinario que he conocido, y era mi compañero", dijo en una declaración el jueves Anderson, que colaboró con Edwards en la parodia erótica ‘Victor / Victoria’, de 1982, y otras películas. "Lo extrañaremos más de lo que podemos expresar y estará siempre en mi corazón".
La historiadora del cine, Jeanine Basinger, directora del programa de estudios de cine en la Universidad Wesleyan, en Middletown, Connecticut, dijo que Edwards está "en la cima absoluta del cine cómico".
"Sus películas de comedias encajaron con las tradiciones estadounidenses de la comedia física y el diálogo inteligente y sofisticado", dijo Basinger al Times en 2003. "Pero también sabe cómo ser cómico, cinematográficamente hablando, mediante cortes, movimientos de cámara y enmarques. Es un director de cine cómico consumado".
Edwards, que sufrió de lo que llamaba una "monstruosa" depresión durante toda su vida y en un momento llegó a contemplar el suicidio, se relajaba haciendo películas.
"Mi trabajo ha sido una de las grandes terapias de mi vida", dijo a GQ en 1989. "Ser capaz de expresarme a mí mismo y verme validado por las risas es el mejor de los mundos posibles".
Durante una carrera de más de cinco décadas, fue co-guionista y director de ‘La pantera rosa’ [The Pink Panther] y ‘El nuevo caso del inspector Clouseau’ [A Shot in the Dark], estrenadas ambas en 1964, con Peter Sellers como el torpe inspector de la policía francesa, Clouseau, que Edwards se ganó la reputación de haber hecho renacer la comedia física y los números visuales en la era moderna.
El escritor Maurice Richlin se acercó a Edwards con la idea de un inspector de la policía francesa persiguiendo a un notorio ladrón de joyas, y colaboraron en el guión de ‘La pantera rosa’.
Un reseñador de Variety llamó la película "inmensamente divertida" y elogió a Sanders en su rol como Clouseau, diciendo que se "correspondía perfectamente con el poli torpe que apenas mueve un pie, rompe una vasija o abre una puerta sin golpearse él mismo en la cabeza".
Sam Wasson, autor del libro ‘A Splurch in the Kisser: The Movies of Blake Edwards’, dijo que Edwards "tiene tantas películas que son respetadas como películas que son vilipendiadas".
"No entró al panteón de los grandes directores’‘, dijo Wasson. "La gente no sabe dónde colocar a Blake Edwards porque gran parte de su material es aparentemente torpe, aunque es sofisticado".
Y aunque Edwards tuvo tantos fracasos como éxitos, Wasson dijo: "Lo pongo en la línea de los grandes directores de comedia de Hollywood, empezando con (Charlie) Chaplin y hasta (Ernst) Lubitsch, (Preston) Sturges y (Billy) Wilder.
"Ciertamente fue el último gran director y guionista de la comedia tradicional de Hollywood".
Actor de cine menor que empezó a escribir guiones para películas y programas de radio a fines de los años cuarenta y creó diez años después las series de televisión ‘Peter Gunn’y ‘Mr. Lucky’, Edwards empezó su carrera en la pantalla grande en 1955.
Tuvo su primer éxito de taquilla con ‘Operación Pacífico’ [Operation Petticoat], una comedia sobre la tripulación de un submarino de la Segunda Guerra Mundial, con Cary Grant y Tony Curtis en los papeles protagónicos. Pero su carrera daría un giro decisivo con ‘Desayuno con diamantes’, en 1961.
La romántica y sofisticada comedia dramática basada en la novela de Truman Capote le ganó a Audrey Hepburn una nominación al Oscar a la mejor actriz. El compositor Henry Mancini también ganó un Oscar por su partitura, y él y Johnny Mercer ganaron un Oscar por su memorable canción ‘Moon River’.
Edwards exploró materias más oscuras en 1962, al dirigir la película policial ‘Chantaje contra una mujer’ [Experiment in Terror] y ‘Días de vino y rosas’ [Days of Wine and Roses], un sombrío drama sobre una joven pareja (Jack Lemmon y Lee Remick) que lucha por salir del alcoholismo. Pero en los años sesenta también dirigió comedias como ‘La carrera del siglo’ [The Great Race], ‘¿Qué hiciste en la guerra, papi?’ [What Did You Do in the War, Daddy?] y ‘El guateque’ [The Party].
Como director, Edwards tuvo una carrera marcada por su cuota de fracasos de taquilla, incluyendo ‘Querida Lilí’ [Darling Lili], el musical notoriamente caro de una película de espías de la Primera Guerra Mundial de 1970, que marcó su primera colaboración con Andrews, con la que se casó en 1969.
En realidad, del mismo modo que es conocido por la comedia física en muchas de sus películas y por explorar las cambiantes relaciones entre hombres y mujeres en todo el mundo, Edwards también es conocido por librar importantes batallas contra la interferencia de los estudios en sus películas -con Robert Evans, de Paramount, sobre ‘Querida Lilí’, y con James Aubrey, de MGM, sobre ‘Dos hombres contra el Oeste’ [Wild Rovers] (1971) y ‘Diagnóstico: asesinato’ [The Carey Treatment] (1972).
Sus legendarias peleas con los jefes de estudio inspiraron la cáustica sátira de Edwards sobre Hollywood, ‘S.O.B.’, de 1981.
"Siempre fue admirado y respetado por el modo en que luchó por la integridad creativa y el control de sí mismo, como director", dijo al Times Peter Lehman, director del Centro para el Cine, los Medios y la Cultura Popular [Center for Film, Media and Popular Culture] de la Universidad de Arizona y co-autor de dos libros sobre las películas de Edwards, en 2003.
Lehman dijo que Edwards también le echó una mano a Mancini -con el que había trabajado durante décadas, a partir del drama de detectives ‘Peter Gunn’ en 1958-, de modo que Mancini retuviera los derechos de su música. Esto también sentó un precedente para otros compositores, dijo Lehman.
Basinger agregó que las comedias de Edwards, tales como ‘10’, nos han dado "iconos de nuestra cultura".
Bo Derek, saliendo del agua con sus trencitas, es una de las más grandes imágenes iconográficas de esa década", dijo Basinger.
Los que ayudaron a Edwards a hacer reír al público, elogiaron su talento para la comedia.
Cuando rodaba ‘10’, Derek contó al Times el jueves, que "lo miraba para ver la infame y malvada expresión que nacía en su cara y saber que había pensado en algo cómico. Era un ambiente muy alentador, y nunca lo he vuelto a vivir".
Burt Reynolds, que fue protagonista de Edwards en ‘El hombre que amaba a las mujeres’ [The Man Who Loved Women], dijo el jueves en una declaración que Edwards era"el director más maravilloso que he conocido".
"Tenía un brillante sentido del humor, con gran talento para la comedia", dijo Reynolds. "Lo echaremos mucho de menos, y es irremplazable".
Jack Lemmon, que trabajó en tres películas dirigidas por Edwards, lo llamó una vez "un corajudo SOB’ y un consumado "cineasta".
"Algunas personas son directores maravillosos", dijo Lemmon a la revista GQ en 1989, "pero no son cineastas. Con eso quiero decir que pueden dirigir una escena individual, y será un verdadero tesoro. Pero cuando empiezan a pegar las escenas, el efecto no tiene mucho valor".

Edwards nació como William Blake Crump en Tulsa, Oklahoma, el 26 de julio de 1922. Su padre biológico, Donald Crump, dejó a la madre de Edwards antes del nacimiento de su hijo y se dice que entregó a Blake a unos tíos para que lo criaran.
Cuando Edwards tenía unos tres años, su madre se volvió a casar y se unió a ella en Hollywood, donde su marido, Jack McEdward, el hombre que Edwards había considerado siempre como su padre, era gerente de producción de un estudio. McEdward era hijo del pionero del cine, J. Gordon Edwards, que dirigió a la estrella del cine mudo, Theda Bara, en la versión de ‘Cleopatra’, de 1917.
Como hijo único de padres que "no sabían cómo" amar y tenían problemas comunicándose, no solamente con él sino también entre ellos, Edwards encontró consuelo en las películas.
"Naturalmente me aferré a los Laurel y Hardies, a los Keatons y a los grandes cómicos", dijo al Times en 1991. "Me reía, y las horas que pasaba ahí era feliz. Me podía llevar a casa algo de todo eso".
Cuando crecía, Edwards también pasaba un montón de tiempo en platós de estudio y ganaba algo de dinero trabajando como extra. Tras terminar la Escuela Secundaria de Beverly Hills, consiguió un papel en ‘Diez héroes de West Point’‘ [Ten Gentlemen from West Point], una película de 1942. En esa década tuvo roles menores en casi una docena de películas.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Edwards sirvió en la Guardia Costera durante dieciocho meses. Sus últimos cinco meses los pasó en el Hospital Naval de Long Beach después de quedar gravemente herido en un accidente en una piscina de Beverly Hills.
Después del servicio militar, Edwards se asoció a su amigo John Champion para co-escribir y co-producir ‘Panhandle’, un western de 1948 que Champion financió con dinero de su fideicomiso. La película de bajo presupuesto contó con Rod Cameron en el papel estelar, y Edwards tuvo el rol secundario de pistolero.
"Yo era actor y quizás pensaba que lo seguía siendo, pero sé que no era serio", dijo Edwards en una entrevista para la publicación de DGA News, la Directors Guild of America, de 1993. "Yo no era muy dedicado y ciertamente no tenía ningún éxito.  Y el éxito era importante para mí".
Después de asociarse con Champion, con el que también escribió y produjo el western ‘Stampede’, de 1949, Edwards dijo que se dio cuenta "repentinamente de que había otro mundo allá fuera donde podía tener éxito, no solo por reputación y dinero. Escribir, eso era lo que me excitaba".
Como guionista de fines de los años cuarenta y principio de los cincuenta, Edwards creó y escribió para la serie radual ‘Richard Diamond, Private Detective’, con Dick Powell; también dirigió algunos episodios, y escribió para ‘Yours Truly, Johnny Dollar’ y ‘The Lineup’.
De principios de los años cincuenta a principios de los sesenta, en Columbia Pictures Edwards trabajó frecuentemente como guionista con el director y guionista Richard Quine, incluyendo las películas ‘Mi hermana Elena’ [My Sister Eileen] (1955), ‘Operación Grann Baile’ [Operation Mad Ball] (1957) y ‘La misteriosa dama de negro’ [The Notorious Landlady] (1962). Edwards y Quine también trabajaron juntos en ‘The Mickey Rooney Show: Hey, Mulligan’, una comedia para la televisión de 1954 a 1955.
La pesada carga de escribir guiones de películas de día y para la radio en la noche hizo aterrizar a Edwards en una terapia a principio de los cincuenta, pero el auto-análisis demostró ser provechoso.
"Por primera vez en mi vida empecé a ver que tenía más que ofrecer como escritor que simplemente haciendo dinero, y que había una cierta pasión en el proceso", dijo Edwards a GQ en 1989. "También creo que pensé que para alguien que necesitaba controlar su propia vida, dirigir era muy atractivo".
Cuando Quine fue ascendido de la unidad de películas B de Columbia a la de largometrajes con presupuestos más holgados, Edwards, que ya tenía experiencias de dirección en radio y televisión, tuvo su primera oportunidad para dirigir una película: ‘Venga tu sonrisa’ [Bring Your Smile Along], una comedia musical ligera de 1955, con Frankie Laine, y co-escrita por Edwards y Quine.
En las siguientes cuatro décadas, Edwards dirigió varias decenas de películas, escribiendo o co-escribiendo y produciendo la mayoría de ellas, entre las cuales ‘La carrera del siglo’, ‘¿Qué hiciste en la guerra, papi?’, ‘El guateque’, ‘Cita a ciegas’ [Blind Date], ‘Asesinato en Hollywood’ [Sunset], ‘Así es la vida’ [That’s Life!; Esto es vida] y ‘El hombre que amaba a las mujeres’.
Deprimido por sus conflictos con Evans y Aubrey a principios de los años setenta -"Pensé que iba a tener una crisis de nervios", contó más tarde a la revista Time-, Edwards se retiró a Suiza durante cinco años. Sin embargo, envalentonado con sus tres exitosas secuelas de ‘La pantera rosa’ con Sellers, volvió a Hollywood para rodar ‘10’.
La única nominación a un Oscar de Edwards fue por la adaptación a la pantalla de ‘Victor / Victoria’, aunque en 2004 recibió un Oscar honorario por su "extraordinaria prestación en su obra de toda la vida".
Colaboró con Andrews en varias películas, en breves series de televisión y en una adaptación musical de ‘Victor / Victoria’ para Broadway.
Además de su esposa, le sobreviven su hija e hijo de su primer matrimonio, Jennifer and Geoffrey; dos hijas adoptivas, vietnamitas, Amy y Joanna; una hijastra, Emma; siete nietos; y dos biznietos.
[Valerie J. Nelson contribuyó a este artículo.]
31 de diciembre de 2010
17 de diciembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Neva Patterson

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Fue la novia de Cary Grant en ‘Algo para recordar’.

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[Valerie J. Nelson] Murió Neva Patterson, actriz de carácter que fue la novia de Cary Grant en la película ‘Algo para recordar’ [An Affair to Remember; Tú y yo] en una carrera que se extendió durante seis décadas y más de cien roles en cine y televisión. Tenía 90 años.
Patterson falleció el martes en su casa en Brentwood, tras complicaciones de una cadera rota, informó su hija, Megan Lee.
La actriz ya era una veterana en Broadway cuando fue contratada como Lois, la bohemia que no llegaría al altar con Grant en ‘Algo para recordar’.
"Simplemente le encantaba haber besado a Cary Grant desde el primer día en el set", contó su hija. "Ella adoraba a Cary Grant".
Los personajes que representaba eran a menudo "señoras frágiles y recargadas, notoriamente elegantes, usualmente orientadas a los negocios, y más a menudo que no, muy dominantes", de acuerdo a una descripción corroborada por su familia, en un Internet Movie Database.
Después de su debut en ‘Taxi’ (1953), Patterson apareció en más de una docena de películas.
Fue una madre angustiada en la bien recibida ‘David y Lisa’ [David and Lisa], una película de 1962 sobre dos adolescentes con enfermedades mentales que se enamoran. En la película ‘Su otra esposa’ [Desk Set], de 1957, representó a la pacata y nerviosa informática y asistente de Spencer Tracy.
En televisión, Patterson fue la secretaria del gobernador en la serie de CBS, ‘The Governor & J.J.’, con Dan Dailey y emitida originalmente entre 1969 y 1970. También fue una poderosa matriarca en ‘Nichols’, con James Garner, una breve serie de vaqueros de NBC en 1971

Neva Louise Patterson nació el 10 de febrero de 1920, en una granja en las afueras de Nevada, Iowa, y fue bautizada en homenaje a una amiga de su madre, no de su ciudad natal, contó al Des Moines Register en 2002.
Patterson, hija de un padre cartero y una madre costurera, se mudó a Nueva York en 1938.
En Broadway, Patterson debutó en ‘The Druid Circle’, una de las diez piezas en las que trabajó en el Great White Way entre 1947 y 1959.
Originar el papel de Helen Sherman en ‘The Seven Year Itch’ [La comezón del séptimo año; La tentación vive arriba] en Broadway fue un punto culminante en la vida de Patterson, dijo su hija.
Durante la temporada de la obra, Patterson, dos veces divorciada, conoció a James Lee, que trabajaba en el departamento de utilería.
Después de casarse a fines de los cincuenta, la pareja adoptó a su hija cuando era una beba y a un niño italiano de trece años. Lee se convirtió en un escritor mejor conocido por sus contribuciones a la miniserie ‘Roots’, de 1977. Murió en 2002, a los 79 años.
Aprendió seis idiomas y estaba siempre bromeando, contó su hija.
A principios de los años ochenta, Patterson fue una madre ambiciosa en la película para la televisión, de NBC, ‘V’, y su secuela, la miniserie ‘V: The Final Battle’.
Cartas de admiradores y visitantes inesperados seguían apareciéndose a su puerta, contó su familia. En los últimos meses, cinco admiradores de ‘V’ de Francia le trajeron regalos y una petición de autógrafos.
Además de su hija, Megan Lee, de Brentwood, la sobreviven su hijo, Filippo Quaretti-Lee, de Florida; seis nietos; y dos biznietos.
30 de diciembre de 2010
16 de diciembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

La Bette Davis de los Pobres

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‘La muerte en acecho y ‘Entre dos corazones’. Los dos largometrajes permiten redescubrir la figura de Ida Lupino, quien sin abandonar su rol de actriz dirigió cine regularmente y en más de una ocasión escribió los guiones de sus películas. Esta pionera terminaría resultando la primera mujer en hacer un film noir.

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[Horacio Bernades] Tal vez la turbación del momento haya impedido a Kathryn Bigelow incluir entre sus agradecimientos a Ida Lupino, cuando en marzo recibió el primer Oscar a la dirección cinematográfica jamás concedido a una mujer. A fines de los ’40, cuando Hollywood era "un corral de machos", la señora Lupino, una de sus estrellas femeninas más estimadas, tomó por primera vez la cámara, "cansada de aburrirme en el set, mientras otros hacían el trabajo interesante". De allí en más, y sin abandonar su rol de actriz, esta señora nacida en Londres y radicada desde su adolescencia en Estados Unidos no sólo dirigió cine regularmente (más tarde también televisión, en abundancia), sino que en más de una ocasión escribió los guiones de sus películas. Además de fundar tempranamente, junto a su marido, una productora que le permitió no depender de las majors. Una reciente edición doble del sello Epoca reúne dos de sus películas más conocidas, respetando sus títulos de estreno en Argentina: ‘La muerte en acecho’ [The Hitch-hiker] y ‘Entre dos corazones’ [The Bigamist], ambas de 1953.
Actriz de carácter, Lupino se definió alguna vez como "la Bette Davis de los pobres". Empleadas de la Warner, en los años ’40 la mujer de párpados caídos era una de las stars de la compañía, mientras a Lupino le tocaba, en el mejor de los casos, el papel de partenaire. Pero partenaire de qué estrellas: en el mismo año, 1940, Lupino fue dos veces novia de Bogart, en sendos clásicos del gran Raoul Walsh. Primero, en ‘La pasión manda’ [They Drive by Night], la mejor película de camioneros jamás filmada. Enseguida, en ‘Su último refugio’ [High Sierra], aquélla en la que un Bogart de canas pintadas resiste a tiros en una cabaña montañosa. Parecería que esas experiencias en el cine "de hombres" la marcaron: a la larga, esta pionera múltiple terminaría resultando la primera mujer en dirigir un film noir, treinta o cuarenta años antes de que alguna congénere se animara a seguir sus pasos. La que lo hizo es Kathryn Bigelow: por eso habría sido bueno que en marzo de este año le dedicara un recuerdito.
El film noir que filmó Lupino es ‘La muerte en acecho’. Una de psicópata criminal, en verdad, más que film noir. The Hitch-hiker es la designación que en inglés se le da al que anda a dedo. En este caso, un perverso ladrón y asesino, que no tiene problemas en despachar a sus víctimas. Concisa, tensa, con ráfagas de gran estilo (todo el comienzo, narrado en planos detalle; la escena final, que funda su efecto en la dilatación temporal) y efectivísimos toques de humor (el asesino, que tiene los ojos torcidos, duerme con uno abierto y otro cerrado), ‘La muerte en acecho’ fue escrita por la propia Lupino junto a su socio y marido, Collier Young. Fundadores de la compañía The Filmakers, bajo ese sello Lupino rodó, el mismo año, ‘Entre dos corazones’, que como indica el título original narra el drama de un bígamo (Edmond O’Brien, que en ‘The Hitch-hiker’ hace de una de las víctimas).
En los antípodas del moralismo hollywoodense, en lugar de condenar al protagonista, Lupino busca entender sus razones, permitiendo que el espectador se ponga en su lugar, tanto como en el de sus dos mujeres. Sostenida en un lúcido manejo del punto de vista, ‘The Bigamist’ confirma que la mujer que desde mediados de los ’50 hasta fines de la década siguiente se pondría al frente de incontables episodios de Alfred Hitchcock presenta, ‘La dimensión desconocida’, ‘Dr. Kildare’ y ‘La isla de Gilligan’ conocía los secretos de la puesta en escena. No se trataba de un caprichito de estrella con pretensiones. Está claro que para ella, dirigir cine (y televisión) era un camino de Ida.
18 de diciembre de 2010
©página 12

Murió Leslie Nielsen

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Héroe romántico convertido en comediante.

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[Anita Gates] Murió el domingo en Fort Lauderdale, Florida, el actor canadiense Leslie Nielsen, que a mitad de carrera arrojó por la borda tres décadas de credibilidad en papeles dramáticos y románticos para empezar una nueva, mucho más exitosa, como actor cómico en películas como ‘¿Y dónde está el piloto?’ [Airplane!; Aterriza como puedas] y ‘La pistola desnuda’ [The Naked Gun]. Tenía 84 años.
Según informó su agente, John S. Kelly, la causa de su muerte fueron complicaciones de una neumonía.
Nielsen, un hombre espigado y con las características de un ídolo de matiné, fue contratado a menudo para representar a serios héroes al comienzo de su carrera cinematográfica, en los años cincuenta.
Sus papeles más conocidos incluyen al capitán de una nave espacial en el clásico de ciencia ficción ‘El planeta desconocido’ [Forbidden Planet] (1956), el adinerado y solterón aristócrata sureño en ‘Tammy, la muchacha salvaje’ [Tammy and the Bachelor] (1957) y el capitán de un transatlántico haciendo frente a un desastre en ‘La aventura del Poseidón’ [The Poseidon Adventure] (1972).
En los años sesenta y setenta, cuando sus cabellos se habían tornado canos y se había convertido en un personaje más distinguido, Nielsen tuvo papeles como serio militar, líder de gobierno e incluso capo de la mafia en películas policiales, de vaqueros y, ocasionalmente, de horror.
Luego, en la parodia de una película de catástrofes de bajo presupuesto y gran taquilla de 1980, ‘¿Y dónde está el piloto?’, fue el incompetente médico a bordo de un avión de pasajeros destinado al desastre. Algunas de sus frases se hicieron populares. ("Seguro [surely] que no estás hablando en serio", dice un personaje. El doctor Nielsen responde: "Hablo en serio. Y no me llames Shirley".)
Críticos y público por igual elogiaron su seco humor, y su carrera volvió a remontar.
‘¿Y dónde está el piloto?’ fue seguida por una serie de televisión -‘La pistola desnuda’ [Police Squad!] (1982)-, de los directores y guionistas David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker.
Sólo duró seis episodios, pero Nielsen, su tontorrón personaje, el teniente Frank Drebin, y los creadores rodaron tres exitosas secuelas.
La primera, ‘¿Y dónde está el policía?’ [The Naked Gun: From the Files of Police Squad!; Agárralo como puedas] (1988), fue seguida por ‘¿Y dónde está el policía? 2½’ [The Naked Gun 2 ½: The Smell of Fear; El aroma del miedo] (1991) y ‘La pistola desnuda 33 1/3: El insulto final’ [The Naked Gun 33 1/3: The Final Insult] (1994). En las tres películas, el reparto de Nielsen incluyó a Priscilla Presley y O. J. Simpson.
Otros directores contrataron a Nielsen para toda una variedad de comedias, incluyendo ‘Reposeída’ [Repossessed] (1990), una parodia de ‘El exorcista’ [The Exorcist], con Linda Blair; ‘Drácula, un muerto muy contento y feliz’ [Dracula: Dead and Loving It], (1995), de Mel Brooks; ‘Espía como puedas’ [Spy Hard] (1996); y ‘2001: Despega como puedas’ [2001: A Space Travesty] (2000).
Ninguna fue tan bien recibida como las películas de la serie ‘La pistola desnuda’, pero Nielsen encontró un nuevo papel como el descontrolado y paranoico presidente de Estados Unidos en ‘No hay dos sin 3 (una película de miedo 3)’ [Scary Movie 3] (2003) y ‘Descuartizados de miedo (una película de miedo 4)’ [Scary Movie 4] (2006).
Fiel a la identidad adoptada como cómico, su autobiografía ‘Naked Truth’, publicada en 1993, contenía acontecimientos ocurridos en su vida que eran alegre y descaradamente inventados.
Entre esos hechos se incluyen dos Oscar, una aventura amorosa con Elizabeth Taylor y una estadía en un centro de rehabilitación, para curarse de la adicción a los chistes estúpidos.
En la vida real fue nominado dos veces al Emmy: en 1982 como actor principal de la serie de comedias ‘La pistola desnuda’, y en 1998 como destacado actor invitado en una serie de comedias por el episodio ‘Day by Day’, una comedia para la televisión del canal NBC sobre yuppies y guarderías.
Fuera de las pantallas, en 2002 fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá, el reconocimiento cívico más alto del país.

Leslie William Nielsen nació el 11 de febrero de 1926, en Regina, Saskatchewan. Hijo de un miembro de la Real Policía Montada de Canadá, de origen danés, y de una madre galesa, creció en los Territorios del Noroeste y en Edmonton, Alberta, donde terminó la secundaria. Jean Hersholt, el actor y filántropo danés, era su tío.
Nielsen se enroló en la Real Fuerza Aérea de Canadá antes de cumplir los dieciocho y fue adiestrado como artillero aéreo durante la Segunda Guerra Mundial, pero no fue nunca enviado al extranjero.
Comenzó su carrera en una radio de Calgary, Alberta, y estudió luego en la Academy of Studio Arts, en Toronto, y en la Neighborhood Playhouse en Nueva York. Hizo su debut en televisión en 1950, en un episodio de ‘Actors Studio’, una serie de CBS.
Para cuando tuvo su debut en el cine, en 1956, ya contaba con decenas de apariciones en series de televisión y había actuado en teatro en una pieza en Broadway, ‘Seagulls Over Sorrento’, en 1952, como un tiránico y ruin oficial de la Armada.
Continuó con roles como actor invitado en series de televisión durante toda su carrera, y con gran regularidad en los años setenta.
Trabajó en teatro, haciendo giras en todo Norteamérica y el Reino Unido con un espectáculo personal, sobre el idealista abogado Clarence Darrow.
Sus últimos proyectos incluyeron dos comedias, en 2009, ‘Stan Helsing’ y ‘Spanish Movie’.
Nielsen se casó cuatro veces. Su primera esposa (1950-56) fue Monica Boyer; su segunda (1958-73), Alisande Ullman, con la que tuvo dos hijas; su tercera (1981-83), Brooks Oliver. Estos matrimonios terminaron en divorcio.
En 2001 se casó con Barbaree Earl, residente de Fort Lauderdale, que lo sobrevive, así como sus hijas Maura Nielsen Kaplan y Thea Nielsen Disney.
Su hermano mayor, Erik Nielsen, fue vice-primer ministro de Canadá de 1984 a 1986. Murió en 2008.
En una entrevista con el New York Times en 2008, Leslie Nielsen comentó sobre su carrera y su transición a la comedia, un desarrollo que describió recientemente como "demasiado bueno para ser verdad".
18 de diciembre de 2010
28 de noviembre de 2010
©new york times
http://www.nytimes.com/2010/11/29/nyregion/29nielsen.html?ref=obituaries
cc traducción mQh http://mqh.blogia.com/2010/121805-murio-leslie-nielsen.php