Murió Leonard Stern

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Guionista de televisión.

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[Dennis McLellan] Murió el guionista, productor y director Leonard Stern, cuya carrera en la televisión incluyó ‘Los recién casados’ [The Honeymooners], ‘Superagente 86’ [Get Smart] y ‘McMillan y esposa’ [McMillan & Wife] y cuya carrera adicional en el mundo editorial logró la creación de los clásicos libros de juegos de palabras Mad Libs. Tenía 88 años.
Stern, uno de los fundadores de la editorial Price Stern Sloan, falleció el martes en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Angeles después de una enfermedad que se prolongó durante quince meses, informó su nuera Laura Stern.
Stern habría escrito para el cine y la radio antes de pasarse a la televisión y convertirse en guionista de los sketches para los Recién Casados en ‘The Jackie Gleason Show’ en 1953. Fue también el guionista de la clásica serie ‘Los recién casados’, de 1955-56. Co-escribió uno de los episodios más populares de la serie, ‘The $99,000 Answer’.
En 1957 Stern fue galardonado con un Emmy como parte del equipo de guionistas del ‘The Phil Silvers Show’. Recibió un segundo Emmy en 1967 cuando él y Buck Henry escribieron un episodio de ‘Superagente 86’, del que Stern fue también el productor ejecutivo original.
Henry, que creó ‘Superagente 86’ con Mel Brooks, contó el miércoles al Times que Stern "tuvo mucho que ver con la redacción del episodio piloto, y escribió lo que siempre pensé y dije que eran los mejores episodios inaugurales y finales que definieron el programa y que la gente siempre recuerda."
En el primer episodio del programa, el agente secreto de Don Adams, Maxwell Smart, conduce un coche en dirección a un edificio que alberga al servicio de inteligencia C.O.N.T.R.O.L. Entrando por un largo pasillo, pasa por una serie de puertas que se abren y cierran automáticamente. Entra luego en una cabina telefónica, marca un número y desaparece de la vista.
"Toda vez que me empantano en las ridículas tramas y en las idiotas payasadas de los personajes, cruzo el vestíbulo de nuestra oficina y le digo: ‘Estoy empantando’", contó Henry. "Él propondría algo que siempre pensaba que era estúpido, pero que siempre funcionaba. Siempre me alegró que estuviese allí."
Stern, que trabajó en veintitrés programas de televisión, creó ‘Hotel Fenster’ [I’m Dickens … He’s Fenster], ‘Run Buddy Run’, ‘Él y ella’ [He & She] y ‘McMillan y esposa’, y creó en colaboración ‘Jennie, la hija del gobernador’ [The Governor & J.J.] y ‘Matrimonio de sabuesos’ [Partners in Crime].
Stern empezó su carrera como editor con Mad Libs, libros cuyas páginas incluían breves historias con palabras claves dejadas en blanco. El juego consiste en que un jugador pide a los otros que proporcionen substantivos, verbos, adjetivos o adverbios. Después de hacerlo, como dice en las instrucciones: "Lea toda la estúpida historia y muérase de la risa."
La idea de Mad Libs la tuvieron sus creadores Stern y Roger Price en 1953. Stern estaba trabajando en un guión de ‘Los recién casados’ y estaba buscando una palabra para describir la nariz del nuevo jefe de Ralph Kramden cuando Price entró.
Según contó Stern en una entrevista con Publishers Weekly en 2008: "Le pedí a Roger una idea para un adjetivo y antes de que le dijera qué tenía que describir, me arrojó las palabras ‘torpe’ y ‘desnudo’.
"Los dos empezamos a reír. Nos sentamos y escribimos un montón de historias con espacios blancos. Esa noche las contamos en una recepción y tuvieron un gran éxito."
Pero los editores, recordó más tarde Stern, rechazaron Mad Libs, diciendo algunos que era un juego, no un libro. Pero los jugadores dijeron que era un libro, no un juego. Finalmente Stern y Price decidieron publicar ellos mismos el libro en una modesta edición en 1958.
En la época, Stern era el guionista jefe de ‘The Steve Allen Show’, y Mad Libs recibió un gran empujón cuando Stern sugirió que usaran el formato de Mad Libs para introducir a los artistas invitados. Cuando Allen pidió al público que propusiera un sustantivo y un adjetivo, se produjo la memorable introducción: "Y aquí está el chispeante Bob Hope, cuya canción es ‘Gracias al comunista.’"
Popular entre niños y adultos, el éxito de Mad Libs fue duradero: Para cuando se celebró el cincuenta aniversario del juego de palabras en 2008, se habían publicado más de setenta tomos, y vendido más de 110 millones de ejemplares.
El éxito original de Mad Libs llevó a Stern y Price a asociarse con el ex periodista Larry Sloan para crear su propia editorial en Los Angeles en 1963.
Price Stern Sloan se convirtió en la editorial más grande de la Costa Oeste y era mejor conocida por sus ediciones de humor e infantiles. Entre sus títulos destacan ‘How To Be a Jewish Mother’, de Dan Greenburg, y la serie ‘The World’s Worst Jokes’.
En 1994, Stern utilizó sus años de tratar con ejecutivos y censores de redes de televisión para ‘A Martian Wouldn’t Say That’, una colección de memorandos y observaciones seleccionadas de archivos propios y ajenos que compiló con Diane L. Robison.
El título proviene de una nota de un ejecutivo sobre un diálogo en un episodio de la comedia ‘Mi marciano favorito’ [My Favorite Martian], de 1960.

Nacido el 23 de diciembre de 1922 en Nueva York, a los dieciséis Stern empezó a escribir chistes para Milton Berle. Estudió periodismo en la Universidad de Nueva York y trabajó como reclutador del Cuerpo Militar Femenino cuando servía en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial.
Después de iniciar su carrera en la radio, empezó a escribir guiones de películas a principio de los años cincuenta, incluyendo ‘Mamita y Papito’ [Ma and Pa Kettle Go to Town] y ‘Abbott y Costello en la Legión Extranjera’ [Abbott and Costello in the Foreign Legion]. Más tarde co-escribió y dirigió la película ‘Niña, tú y yo solos’ [Just You and Me, Kid], de 1979, con George Burns y Brooke Shields.
Le sobreviven su esposa, la actriz Gloria Stroock; su hijo Michael; su hija Kate; dos nietos y una biznieta.
22 de junio de 2011
9 de junio de 2011
©los angeles times
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Murió Clarice Taylor

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Actriz. Fue la Abuela Huxtable en el ‘Cosby Show’.

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[Valerie J. Nelson] Murió el lunes la actriz Clarice Taylor, mejor conocida por su retrato de la desenvuelta Abuela Huxtable en la popular comedia para la televisión ‘The Cosby Show’. Tenía 93 años.
Taylor falleció a causa de una insuficiencia cardiaca congestiva en su casa en Englewood, Nueva Jersey, informó su representante de relaciones públicas.
Bill Cosby dijo que era "perfecta" como la madre de su personaje, Cliff Huxtable, en la serie del NBC que se emitió de 1984 a 1992, excepto que se veía "tan joven que podría pasar por mi hermana".
"Hizo monólogos humorísticos. No éramos exactamente actores, sino artistas", dijo Cosby al Times el miércoles. "Así que cada vez que tenía que decirle algo sobre lo que tenía que hacer, simplemente hablaba con ella como lo haría un comediante."
Después de aparecer en la producción original de Broadway de ‘The Wiz’ a fines de los años setenta, Taylor recorrió el país con el espectáculo y compartió alojamiento con Phylicia Rashad, que era la esposa de Cosby en el programa de televisión.
Taylor se presentó a la audición para el papel de madre de Rashad, pero finalmente fue contratada como madre de Cosby.
"Me puse una peluca canosa, un pañuelo encima, zapatos sin taco y un vestido largo sin forma", contó Taylor a la Associated Press en 1987. "Bill presenció mi audición. Leí cinco líneas, y me dijo: ‘No es necesario que sigas, ya tienes el papel."
Tanto Taylor como Earle Hyman, que hacía de su marido, fueron nominados a un Emmy por sus roles como Anna y Russell Huxtable en 1986.
"Hizo presentaciones en solitario", contó Cosby. "Estaba muy al día con su Corvette. Conducía el aparato por todo Harlem. Tenía más agallas que Danica Patrick."

Nacida el 20 de septiembre de 1917 en el condado de Buckingham County, Virginia, Taylor creció en Harlem.
Empezó a actuar en el American Negro Theatre, de Harlem, y a fines de los años sesenta fue uno de los miembros originales de la Negro Ensemble Company, de Nueva York.
En el cine fue la nefasta criada Birdie en ‘Escalofrío en la noche’ [Play Misty for Me; Obsesión fatal; Obsesión mortal] (1971), de Clint Eastwood, y fue la actriz estelar de ‘Cinco en el lado de la mano negra’ [Five on the Black Hand Side] (1973).
Su otro rol de larga duración en televisión fue en ‘Barrio Sésamo’ [Sesame Street; Plaza Sésamo]. De fines de los años setenta a los noventa, fue Harriet, que de vez en cuando salía de su granja para visitar a su nieto David en la ciudad.
Taylor estaba recordando la época en que, de niña, se escapaba de la escuela para ir a mirar a la comediante afroamericana Moms Mabley en el Teatro Apolo, en Harlem, cuando un amigo blanco le dijo que no había oído hablar nunca de la enérgica humorista.
Recordó su indignada respuesta en una entrevista con el Washington Post en 1988: "Espera, ahora les voy a enseñar a los blancos quién era Moms Mabley."
El programa unipersonal de Taylor a fines de los ochenta, sobre Mabley, titulado ‘Moms’, inició una gira nacional y un enrevesado litigio sobre la autoría de la obra.
El programa fue anunciado originalmente como "basado en una idea de Clarice Taylor", pero escrito por Alice Childress, que luego demandó a Taylor cuando esta produjo otra versión de ‘Moms’ en la que no reconocía la autoría de Childress.
"Me obsesioné con la obra", dijo Taylor al Washington Post. "Era como si ‘Moms’ me hubiera estado empujando fuera de la tumba, diciéndome: ‘Mantén vivo mi nombre’".
La sobreviven dos hijos, James y William, y cinco nietos.
12 de junio de 2011
2 de junio de 2011
©los angeles times
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Murió James Arness

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Actor conocido por su rol en ‘La ley del revólver’.

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[Dennis McLellan] Murió el viernes James Arness, el espigado actor conocido por su retrato de Matt Dillon, el fuerte e imperioso sheriff y símbolo de la justicia de frontera en la histórica serie de televisión ‘La ley del revólver’ [Gunsmoke]. Tenía 88 años.
Arness falleció por causas naturales en su casa en Brentwood, informó la portavoz de la familia, Ginny Fazer.
‘La ley del revólver’ debutó el 10 de septiembre de 1955, en CBS, y con el inicio de ‘Vida y leyenda de Wyatt Earp’ [The Life and Legend of Wyatt Earp] en ABC cuatro días antes, empezó, con la serie de vaqueros para adultos, una nueva era en la televisión.
Pero mientras que ‘Wyatt Earp’, con Hugh O’Brian, terminó en 1961, ‘La ley del revólver continuó hasta 1975, superando de lejos a muchos de sus competidores y convirtiéndose en una de las series más prolongadas en la historia de la televisión por cable.
En el proceso, Arness se convirtió en una de las estrellas de televisión más persistentes, volviendo a aparecer como Dillon en un puñado de episodios de ‘La ley del revólver’ como películas para la televisión a fines de los años ochenta y principio de los noventa.
De dos metros de estatura, Arness era el actor más alto del mundo que se sentía perfectamente a gusto en el rol del mítico sheriff de Dodge City en la serie, que cosechó elogios por romper las convenciones del género de vaqueros en la televisión con sus historias marcadamente dramáticas y con personajes psicológicamente complejos.
"Matt", dijo Arness una vez, "es muy humano y tiene todos los defectos e impulsos de cualquiera que esté tratando de hacer un trabajo difícil del mejor modo que puede".
Arness fue tres veces nominado a un Emmy durante los primeros años de la serie. Como John Wayne en la gran pantalla, Arness era una imponente presencia en la pantalla chica.
"Creo absolutamente que cualquier panteón de personajes de televisión duraderos y memorables tendrá que incluir a James Arness", dijo al Times hace unos años David Bushman, entonces curador de televisión en lo que es ahora el Paley Center for Media de Nueva York. "Se convirtió en parte de la psique nacional."
‘La ley del revólver’ había sido un revolucionario éxito radial durante tres años, con William Conrad proporcionando la firme voz de Matt Dillon, cuando CBS empezó a buscar un actor para la versión en televisión.
En la época, Arness, nativo de Minnesota y veterano de la Segunda Guerra Mundial, había acumulado una larga serie de actuaciones, entre las cuales se destacan su retrato de un monstruo alienígena en la película clásica de ciencia ficción de 1951, ‘La cosa’ [The Thing From Another World; El enigma de otro mundo]. También apareció en el thriller de ciencia ficción ‘Ellos’ [Them!; La humanidad en peligro; El mundo en peligro], de 1954.
Entonces bajo contrato con la compañía de producción de John Wayne, Arness también apareció en cuatro películas con Wayne: ‘El gran Jim McLain’ [Big Jim McLain], ‘Infierno blanco’ [Island in the Sky], ‘Hondo’ y ‘El zorro de los océanos’
[The Sea Chase].
Temeroso de que su trabajo en una serie de televisión pudiera dañar su incipiente carrera en el cine, Arness accedió solo reluctantemente a participar en una prueba para el papel de Dillon; fue el último de un considerable número de actores que rindieron la prueba para el rol.
Cuando CBS le ofreció el papel, Arness dudó en firmar el contrato. Pero Wayne le instó a aceptarlo, diciéndolo que era una gran oportunidad.
Para dar un empujón publicitario a Arness y a ‘La ley del revólver’ para cuando empezara la serie, Wayne ofreció una introducción frente a las cámaras en la que elogió la nueva serie de vaqueros de la televisión por su honestidad, madurez y realismo.
"Yo sabía que había un solo hombre capaz de hacerlo: James Arness", dijo Wayne a los telespectadores. "Es un joven colega y puede ser desconocido para algunos de ustedes. Pero yo he trabajado con él y pronostico que será una gran estrella. Así que tendrán que acostumbrarse a él, del mismo modo que se acostumbraron a mí."
Arness se convirtió en un apreciado visitante en los hogares de millones de telespectadores, lo mismo que el resto del reparto de la serie: Dennis Weaver como el tieso alguacil de Dillon, Chester Goode; Amanda Blake como Kitty Russell, la propietaria del Long Branch Saloon; y Milburn Stone como el curtido y sabio Doc Adams.
Boyd Magers, redactor y editor de Western Clippings, una publicación sobre películas de vaqueros, atribuyó la prolongada popularidad de la serie a su robusto guión, dirección y reparto. En realidad, el foco recaería a menudo en los varios personajes regulares y artistas invitados de la serie.
"Arness en particular, dijo: ‘Dejen de enfocarme’", contó Magers al Times hace unos años. "No tenía ese complejo de estrella. Permitía que otra gente tuviera sus episodios. Así que no te cansabas de un personaje y eran todos personajes buenos y bien definidos, debido al guión."
Considerado como una persona que se resistía a las entrevistas, Arness era muy retraído, un rasgo que creía que había sido modelado por su timidez, causada a su vez por su estatura.
"Yo era el chico más alto de la escuela", contó una vez. "Y estaba muy consciente de ser el más alto de todos, compañeros y maestros."

De origen noruego, Arness nació como James Aurness en Minneapolis el 26 de mayo de 1923. Su hermano, el futuro actor Peter Graves, nació tres años después.
Después de enrolarse en el ejército durante su primer año en el Beloit College de Wisconsin, a principio de 1943, Arness fue asignado a la 3ra División de Infantería y participó en el desembarco en Anzio, Italia, en 1944. (Debido a su estatura, fue elegido para ser el primero en salir de la lancha de desembarco para probar la profundidad del agua.)
Más tarde, cuando hacía una patrulla nocturna en un viñedo, Arness cayó en un nido de ametralladoras alemán y varias ráfagas fragmentaron sus huesos en su pantorrilla derecha. La herida acortó su pierna.
Después de varios meses de rehabilitación en un hospital público, Arness fue licenciado honrosamente del ejército en enero de 1945 con una pensión de invalidez de 56 dólares al mes.
Por sugerencia de su hermano, Arness se inscribió en una escuela de radio en Minneapolis. Pronto encontró trabajo como pinchadiscos en una emisora local.
Pero después de algunos meses, abandonó su trabajo para marcharse con un amigo a Los Angeles. Pensaba pasar unas semanas en la Costa Oeste y volver luego a casa.
En lugar de eso, después de algunos contactos en el mundo del espectáculo, decidió quedarse en Los Angeles y probar suerte en la actuación.
Utilizando el programa de becas GI Bill, se matriculó en el programa de actuación del Bliss-Hayden Theater, una pequeña y bien establecida escuela de teatro donde fue descubierto por un agente.
Eso condujo a que fuera presentado al productor Dore Schary. El resultado fue el debut de Arness en el cine en 1947 con un pequeño papel como uno de los tres hermanos escandinavos de Loretta Young en ‘Un destino de mujer’ [The Farmer’s Daughter]. Le siguieron pequeños roles en ‘Fuego en la nieve’ [Battleground], de William Wellman, ‘Caravana de paz’ [Wagon Master] y otras películas.
En el plató de ‘La ley del revólver’, Arness era conocido por su sentido del humor. Le encantaban las bromas y tenía incontrolables ataques de risa.
Fuera del set, era conocido porque evitaba a los periodistas y el ambiente de Hollywood, prefiriendo la compañía de tramoyistas y sus colegas pilotos.
Surfer desde que llegó a California, aprendió a volar a fines de los años sesenta para volar acceder rápidamente a playas remotas de Baja California para practicar el surf. Arness, que también esquiaba y navegaba en un velero, pilotaba su propio avión a locaciones de ‘La ley del revólver’.
Tras el fin de ‘La ley del revólver’ en 1975, Arness trabajó como un montañés en la película de televisión ‘The Macahans’ en 1976. Su personaje Zeb Macahan reapareció en la miniserie ‘La conquista del Oeste’ [How the West Was Won], en 1977; y en una serie de televisión de 1978 a 1979.
Arness también apareció como sheriff contemporáneo en la serie de 1981-82, ‘La ley de McClain’.
En 1987 volvió a su viejo papel de Matt Dillon en ‘El pistolero Dodge’ [Gunsmoke: Return to Dodge], la primera de cinco películas de ‘La ley del revólver’ para la televisión que se prolongaron hasta mediados de los años noventa.
El matrimonio con la actriz Virginia Chapman en 1948 terminó en divorcio en 1958. Tuvieron tres hijos: Rolf Aurness, ganador del Campeonato Mundial de Surf de 1970; Craig Aurness, fotógrafo, que murió en 2004; y Jennie Aurness, que murió en 1975.
Le sobreviven su esposa, Janet; dos hijos: Rolf y Jimmy; y seis nietos. Su hermano Peter murió en marzo de 2010.
8 de junio de 2011
4 de junio de 2011
©los angeles times
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Murió Adolfas Mekas

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Cineasta vanguardista y docente.

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[Bruce Weber] Murió el martes en Poughkeepsie, Nueva York, el inmigrante lituano Adolfas Mekas, que se convirtió en un influyente cineasta de vanguardia y maestro que, con su hermano Jonas, fundó Film Culture, la seminal revista de cine. Tenía 85 años.
Según su esposa, Pola Chapelle, la causa de su muerte fue una insuficiencia cardiaca.
Aunque Jonas Mekas, prolífico director y archivista de cine de vanguardia, era el mejor conocido de los hermanos Mekas. Adolfas Mekas hizo un puñado de películas que han sido descritas como hitos históricos del cine de vanguardia. La mejor conocida es ‘Aleluya las colinas’ [Hallelujah the Hills], una comedia en la que se parodiaba la historia del cine con una trama sobre dos jóvenes y su cómico cortejo de la misma chica, que fue uno de los éxitos populares y entre críticos en el primer Festival de Cine de Nueva York en 1963.
‘Aleluya...’ fue elogiada en el festival junto con las películas ‘Muriel’, de Alain Resnais; ‘El cuchillo en el agua’ [Knife in the Water], de Roman Polansky; ‘El ángel exterminador’ [The Exterminating Angel], de Luis Buñuel; y ‘El sirviente’ [The Servant], de Joseph Losey.
El New York Times describió la película como "una modesta y pequeña farsa hecha en Vermont" que "sorprende y deleita" al público "afirmando bulliciosamente que la vida puede ser un baile y que hacer una película puede ser divertido".
Mekas y su hermano llegaron a Nueva York en 1949 después de sobrevivir un campo de trabajos forzados nazi al final de la Segunda Guerra Mundial. Hijos de un campesino que adoraba los libros y las películas, se zambulleron ambos en la vida bohemia intelectual de la ciudad a principio de los años cincuenta, fundaron  Film Culture, la revolucionaria revista que empezó en 1955 con la entonces presuntuosa idea de que el cine era un arte serio e influía potentemente en la cultura en general.
Con colaboradores como Andrew Sarris, Stan Brakhage, Richard Leacock, Rudolf Arnheim, Arlene Croce y Peter Bogdanovich, definió la vanguardia, aunque prestó una reflexiva cobertura al cine tradicional. (La revista dejó de existir en los años noventa.)
Mekas, que vivía en Rhinebeck, Nueva York, fue miembro fundador del departamento de cine del Bard College en Annandale-on-Hudson, Nueva York, y enseñó allá de 1971 a 2004; dirigió su programa de cine de 1971 a 1994.

Adolfas Mekas nació en un villorrio lituano llamado Semeniskiai el 30 de septiembre de 1925. Durante el último año de la Segunda Guerra Mundial, él y Jonas se marchaban de Lituania para unirse a un tío en Austria, cuando fueron capturados por los alemanes y enviados a un campo de trabajos forzados. Tras el fin de la guerra vivieron en campamentos de refugiados, uno de los cuales estaba en Mainz, cerca de Frankfurt, donde pudieron estudiar en la universidad. Al principio pensaban marcharse a Israel -"No eran judíos", dijo Chapelle, pero les parecía romántico luchar por un nuevo país-, pero en lugar de eso emigraron a Estados Unidos, asentándose en Williamsburg, en Brooklyn.
"Todo era miseria y desplazamiento y sufrimiento y pérdida", escribió Jonas Mekas sobre sus primeros años en Europa. Pero llegar a Nueva York les cambió la vida.
"Ahora, de repente, todo era brillante, excitante y estaba disponible", escribió. "Las calles de Nueva York eran ferias, muy parecidas a las de El Cairo. En nuestro primer día compramos tres o cuatro naranjas. ¡La pesadilla había terminado! ¡Podemos comprar fruta!"
En 1971, los hermanos Mekas volvieron a Lituania por primera vez desde su partida, y cada uno hizo una película sobre el viaje: ‘Reminiscencias de un viaje a Lituania’ [Reminiscences of a Journey to Lithuania], de Jonas, y ‘Going Home’, de Adolfas. "Se proyectaron juntas en el Festival de Cine de Nueva York de 1972, un evento que Vincent Canby describió en el Times como "más desbordante de Mekases de lo que uno esperaría, y sin embargo sucesivamente conmovedores, indulgentes, bellos, poéticos, banales, repetitivos y audaz y descuidadamente irresponsables".
Además de su hermano, que vive todavía en Brooklyn, ahora en Greenpoint, y su esposa, a la que conoció en una proyección de cine y se casaron en 1965, a Mekas le sobreviven su otro hermano, Costas, de Semeniskiai, y un hijo, Sean, de Rhinebeck.
Entre sus otras películas se encuentran ‘The Brig’ (1964), la que, dirigida por ambos hermanos, es una adaptación de una deprimente pieza montada por el Living Theater sobre los marines confinados en una cárcel militar, y ‘Windflower’ (1968), una elegía, una historia ambientada en la era de la Guerra de Vietnam sobre un prófugo que es asesinado cuando trata de escapar de las garras del FBI.
A su muerte, Mekas estaba trabajando en una película sobre Giordano Bruno, un pensador italiano que fue quemado en la hoguera por herejía en 1600. Mekas describió a Bruno como "el primer beatnik" y tituló la película, con típico descaro, ‘Burn, Bruno, Burn’.
Su esposa dijo que inicialmente se sintió atraída por él por su inesperado y demostrativo humor; en su primera cita, arrojó su sombrero por la ventanilla de un taxi, contó. Otra vez, después de la première de una película en el Museo Arte Moderno, enrolló la alfombra roja, la puso debajo de un brazo y se marchó con ella, como si se la llevara a casa. (Nadie lo paró y la llevó de vuelta.)
"Esos dos tíos", dijo sobre los hermanos Mekas. "Siempre le dije a nuestro hijo: ‘Llegaron al país con diez dólares. No hablaban el idioma, y empezaron su primera revista seria sobre cine en ingles. Nada de mal."
5 de junio de 2011
2 de junio de 2011
©new york times
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Murió Leonard Kastle

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Director y guionista de ‘Los asesinos de la luna de miel’.

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[Dennis McLellan] Cuando en 1970 se estrenó la primera película de Leonard Kastle como director y guionista, ‘Los asesinos de la luna de miel’ [The Honeymoon Killers], los críticos se deshicieron en elogios sobre el lúgubre drama realista, de bajo presupuesto y en blanco y negro sobre un hampón de los bajos fondos y su gorda amante, la enfermera, cuya participación en el engaño de mujeres solas termina en asesinato.
El director francés François Truffaut la llamó su "película americana favorita".
El director italiano Michelangelo Antonioni la consideraba como "una de las películas más puras que he visto".
Kastle, cuya primera película estaba destinada a ser también la última, murió el 18 de mayo en Westerlo, Nueva York, después de una breve enfermedad, informó Tina Sisson, una amiga. Tenía 82 años.
Kastle es considerado como uno de los directores de una sola película más intrigantes de Estados Unidos.
Ni él ni el productor Warren Steibel tenían experiencia fílmica cuando emprendieron el rodaje de ‘Los asesinos de la luna de miel’, que se convirtió en un filme de culto en Estados Unidos y Europa.
Kastle era un compositor de óperas cuyas obras se transmitían por televisión, y Steibel fue el productor de la serie de televisión ‘Firing Line’, de William F. Buckley Jr.
Pero después de que un amigo adinerado de Steibel accediera a invertir 150 mil dólares para financiar una película de bajo presupuesto, Steibel le pidió a su amigo Kastle que escribiera el guión.
‘Los asesinos de la luna de miel’ se basa en la historia verídica de Martha Beck y Raymond Fernández, los llamados "Lonely Hearts Killers" , que fueron ejecutados en la cárcel de Sing Sing, en Nueva York, en 1951.
La película se rodó en locación en Albania, Nueva York, y alrededores, en ocho semanas, con Shirley Stoler y Tony Lo Bianco como Beck y Fernández.
El director original de la película era Martin Scorsese. Pero su ritmo de trabajo era demasiado lento y pronto fue retirado. El cineasta industrial Donald Volkman se hizo cargo del proyecto durante un tiempo, hasta que Kastle asumió como director.
Como Steibel, Kastle veía la película como un contraste crudamente realista de ‘Bonnie y Clyde’ [Bonnie and Clyde], con Warren Beatty y Faye Dunaway en los roles estelares.
"Esa película me indignó", dijo Kastle en una entrevista sobre el relanzamiento de la película en DVD. "No quería mostrar tomas bonitas de gente bonita".
‘Los asesinos de la luna de miel’, escribió el crítico de cine del Times en su reseña de 1970, "es el tipo de película que recupera tu fe en las posibilidades del cine comercial norteamericano".
"Esta extraordinaria y pequeña película", escribió Thomas, "pertenece a esa larga pero ahora prácticamente extinta línea de películas B que analizan el lado oscuro del modo de vida americano, con una percepción y una honestidad que normalmente están ausentes en nuestras caras y escapistas producciones."
En su reseña de la película en el New York Times, Roger Greenspun describió a Kastle como "la verdadera estrella de la película", diciendo que su dirección lo colocaba "entre los más importantes artistas deliberados de este medio".
Pero entonces Kastle desapareció del mundo del cine, hasta de dos décadas más tarde Todd McCarthy, del Daily Variety, dijo a los lectores que Kastle era uno de los directores sobre los que la gente preguntaba más a menudo: "¿Y qué pasó con?"
"Nadie’, escribió McCarthy cuando se reestrenó ‘Los asesinos de la luna de miel’ en 1992, "desapareció tan rápida y misteriosamente como Kastle".
Después del rodaje de la película, Kastle volvió a componer y más tarde se dedicó a la docencia, aunque eso no quiere decir que no haya tratado de volver a la gran pantalla.
Escribió varios guiones y trató durante décadas de hacer ‘Las bodas de Cana’ [The Wedding at Cana], su historia sobre la corrupción y el crimen organizado en la iglesia católica en los años setenta. Estuvo cerca de lograrlo en 2001, pero el financiamiento no se logró.
"Estuvimos muchas veces a punto de hacerla", dijo Kastle sobre el frustrado proyecto en una entrevista con el Albany Times-Union en 2001. "Me sentía como Sísifo, subiendo la roca por la ladera".
Pero, como señaló irónicamente en su entrevista para el DVD de Criterion, al menos podía decir: "Después de ‘Los asesinos de la luna de miel’, nunca hice una película mala."

Hijo de inmigrantes rusos, nació en Nueva York el 11 de febrero de 1929, y creció en Mount Vernon, Nueva, York.
Niño prodigio, empezó su educación musical en la Juilliard School en 1938. Después de estudiar piano y composición en la Mannes Music School (ahora el Mannes College) en Manhattan, se matriculó en el Curtis Institute of Music en Filadelfia en 1950.
Al principio de su carrera trabajó como director asistente de música y conductor de ‘NBC Television Opera Theater’ de 1955 a 1959, periodo durante el cual dirigió su ópera de un acto, ‘The Swing’. NBC también emitió su ópera de tres actos, ‘Desert’, en 1961.
Las otras óperas de Kastle son ‘The Pariahs’, ‘The Passion of Mother Ann: A Sacred Festival Play’ (una trilogía) y una ópera infantil de un acto, ‘Professor Lookalike and the Children’.
Kastle, que también escribió piezas para orquesta y canciones, enseñó composición y otros cursos en la Universidad de Nueva York en Albania (ahora la Universidad de Albania) de 1978 a 1989.
Le sobrevive su hermana Norma Merker, de San Francisco.
31 de mayo de 2011
29 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Jeff Conaway

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Actor. Conocido por sus roles en ‘Grease’ y ‘Taxi’.

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[Dennis McLellan] Murió el viernes el actor Jeff Conaway, que se hizo famoso a fines de los años setenta como el chico de secundaria en la exitosa película musical ‘Grease’ y fue un invitado habitual en la serie de televisión ‘Taxi’, pero más conocido en los últimos años por sus apariciones en el programa ‘Celebrity Rehab With Dr. Drew’. Tenía 60 años.
Conaway fue trasladado de urgencia al Encino Hospital Medical Center, informó su hermana, Carla Shreve. Tenía neumonía cuando llegó inconsciente al hospital el 10 de mayo, la consecuencia de "demasiados fármacos", y fue puesto en un coma inducido, informó.
Conaway empezó a aparecer en películas y en televisión y trabajó en la producción en Broadway de ‘Grease’ antes de que la versión fílmica, con John Travolta y Olivia Newton-John en los roles estelares, fuera estrenada en 1978.
Conaway fue Kenickie, el compinche del compañero de Travolta, Danny Zuko, en la Escuela Secundaria Rydell.
"Tenía tantos granos que la gente pensaba que era leproso", le dice Rizzo (Stockard Channing) a Kenickie, mirándole el cuello en un espejo compacto.
"Anímate", replica el personaje de Conaway. "Los granos de Kenickie son como una tarjeta de Hallmark".
Más tarde ese mismo año, Conaway representó a Bobby Wheeler, el chofer de taxi que quiere ser actor en ‘Taxi’.
La serie sobre un grupo de taxistas de Nueva York, cuyo reparto incluía a Judd Hirsch, Danny De Vito, Marilu Henner y Tony Danza, se emitió hasta 1983.
Aunque la serie dio a Conaway una permanente exposición a nivel nacional, rescindió su contrato y abandonó el programa después de tres temporadas, diciendo que se había cansado de ser caracterizado como un "rubio tonto" y el blanco de muchos chistes sobre jóvenes actores.
"En ‘Taxi’ hice la misma escena durante tres años", dijo al diario The Toronto Star en 1989. "No me usaban. Es natural cuando hay siete personas para un espectáculo de media hora".
En una entrevista con la Associated Press de 1985, dijo que se había deprimido haciendo la serie.
"Cuando estás deprimido, Hollywood puede ser un lugar horrible. Decidí cambiar mi vida y hacer otras cosas".
Sus otros proyectos, sin embargo, no le ayudaron en su carrera.
Volvió a la teleserie en 1984, como el Príncipe Erik Greystone en ‘Wizards and Warriors’, una serie de fantasía y aventuras que terminó después de ocho episodios. Luego tuvo un papel en ‘Berrenger’, un breve culebrón nocturno de 1985.
Ese mismo año, Conaway apareció en Broadway en ‘The News’, un musical de rock sobre el periodismo sensacionalista de Nueva York que terminó sus funciones después de dos días.
Más tarde trabajó en la serie ‘The Bold and the Beautiful’ y en la serie de ciencia ficción ‘Babylon 5’, en los años noventa. Le siguieron numerosas apariciones como actor invitado en películas de cine y televisión, perseguido por historias de alcoholismo.
Conaway ya se había hecho conocido por abandonar el ‘Celebrity Fit Club’, de VH1, por un intento de rehabilitación en 2006 cuando se unió a otros ocho famosos para el debut de ‘Celebrity Rehab With Dr. Drew’ en 2008.
Estaba tan ebrio en la mañana que entró, que tuvieron que poner subtítulos para traducir sus palabras.
‘Celebrity Rehab With Dr. Drew’ le agregó una nueva dimensión al fin de la fama de Conaway.
"Donde iba, la gente me decía: ‘Te vi en ese programa. Yo te apoyaba. Sigue así", dijo en el News Journal, un diario de Wilmington, Delaware, en 2008. "Es bonito saber que hay gente a la que le interesa. Espero haber ayudado a otros. Yo estaba muy mal, y si puedo luchar contra el yunkie que llevo dentro, entonces tú también puedes".
En una entrevista en el Times en enero, Conaway dice que se enganchó a la cocaína y a los analgésicos después de una operación a la espalda, y las veces que trató de dejar las drogas, le daban pataletas, gritaba y perdía la conciencia.
Pero, dijo al Times, que ese comportamiento no lo volvería a mostrar frente a las cámaras.
"Todos sabíamos que estábamos en la tele", dijo. "Creo que todos tomamos decisiones. A veces íbamos un poquito más allá de lo normal. No puedes evitarlo. Hay cámaras rodando frente a ti".
Cuando la continuación ‘Celebrity Rehab 2 With Dr. Drew’ empezó en noviembre de 2008, Conaway volvió al programa.

Nació en Manhattan el 5 de octubre de 1950. Tras el divorcio de sus padre, vivió con sus abuelos en Carolina del Sur y con su madre y sus dos hermanas mayores en Flushing, Nueva York.
Empezó su carrera como actor en 1960 cuando su madre, que era actriz, lo llevó con ella a una audición para el drama de Broadway, ‘All the Way Home’. El director, Arthur Penn, contrató al chico de diez años para el rol de un niño del Sur.
Trabajó luego en teatro, y más tarde como modelo, llegando a aparecer en reclames antes de unirse como cantante a una banda de rock cuando tenía quince años. Empezó a consumir drogas en una gira.
Al cabo de dos años, contó a la revista People en 1989, "todos mis amigos eran junkies. Creo que si hubiera seguido siendo músico, ahora estaría muerto".
Después de pasar un año en la North Carolina School of the Arts, se inscribió en la Universidad de Nueva York, donde estudió actuación y danza. Se preparó para varios papeles en ‘Grease’ en Broadway y, poco antes de licenciarse, le dieron el rol de Danny Zuko, que lo representaba originalmente Barry Bostwick.
Conaway estuvo casado con la hermana de Olivia Newton-John, Rona.
Además de su hermana Carla, le sobreviven su esposa Kerri Young Conaway; otra hermana, Michele Goffin; y un hijastro, Emerson Hall.
30 de mayo de 2011
28 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Irene Gilbert

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Actriz. Co-fundadora de la academia de actuación Stella Adler, de Los Angeles. Trabajó en series de televisión en los años setenta, como 'Barnaby Jones' y 'Cannon'.

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[Valerie J. Nelson] Murió Irene Gilbert, que convenció a su mentor, Stella Adler, de que abriera una escuela de actuación en Los Angeles en 1985 y luego fue su directora durante veinte años. Tenía 76 años.
Gilbert falleció el 21 de mayo debido a complicaciones relacionadas con el mal de Alzheimer, en casa de su hijo, en Eureka, California, informó John Jack Rodgers, director ejecutivo de la Stella Adler Academy of Acting and Theatre-Los Angeles.
"No habría escuela en la Costa Oeste si no fuera por el empuje y determinación de Irene de mantenerla abierta", dijo Rodgers. "Era tenaz."
Adler era una connotada profesora de actuación con un antiguo conservatorio en Nueva York cuando Gilbert empezó a dar clases en Los Angeles en los años sesenta y se convirtió en su amiga íntima.
Con Gilbert y la actriz Joanne Linville, Adler fundó la academia, que empezó en un pequeño teatro en Hollywood Boulevard con Argyle Avenue.
Un incendio en 1991 arrasó con la escuela y el edificio iba a ser demolido para hacer espacio para el metro cuando Adler murió a fines de 1992.
Lo último que "me dijo [Adler] fue: ‘¿Vas a reconstruir el teatro?’", contó Gilbert al Times en 1994. "Le juré que lo haría. Quiero continuar con sus enseñanzas."
Entre los notables alumnos de Los Angeles se encuentran Benicio Del Toro, Mark Ruffalo y Salma Hayek.
La escuela volvió a abrir sus puertas en 1944 en Hollywood Boulevard con Highland Avenue en lo que fue antes el Embassy Club, un club privado para la elite de Hollywood en los años treinta.
Como administradora de la academia, Gilbert seguía el principio de Adler de que "no se distingue un diamante de una piedra sino cuando lo pules", de acuerdo al artículo en el Times de 1999.
"¿Puedes saber intuitivamente si una persona tiene talento?", dijo Gilbert. "No se puede. Es algo que crece. Lo veo todo el tiempo. Llegan acá y no saben nada, pero entonces se empieza a construir."

Nacida como Irene Liebert el 25 de agosto de 1934 en Alemania, hija de Gaston y Lucie Liebert, emigró a Nueva York con su familia justo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial.
Cuando tenía cinco años, sus padres fueron asesinados por un conductor ebrio, y fue criada por una tía y sus cuatro hermanos mayores.
Desde su infancia quiso actuar y cambió su apellido a Gilbert en parte porque sonaba más "de estrella", dijo Rodgers.
En televisión, Gilbert apareció en series de televisión de los años setenta como ‘Barnaby Jones’, ‘Cannon’ y ‘Emergency!’ y siguió actuando hasta fines de los años ochenta.
También enseñó en la academia y produjo y dirigió numerosas obras.
Antes de que se retirara Gilbert, la academia sin fines de lucro bautizó uno de sus espacios como Irene Gilbert Theatre.
A Gilbert, que estaba divorciada, la sobrevive su hijo Randall Garrett Herzon.
30 de mayo de 2011
28 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Bill Hunter

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Prolífico actor australiano.

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Murió de cáncer el 21 de mayo, en una residencia, el actor Bill Hunter, el arquetípico trabajador australiano en una multitud de películas, entre las cuales el estrafalario trío formado por ‘La boda de Muriel’ [Muriel’s Wedding], ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’ [The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert’ y ‘El amor está en el aire’ [Strictly Ballroom] -informó su agente. Tenía 71 años.
La prolífica estrella de las pantallas del cine y la televisión australianas, poseedor de una curtida cara, un acento distintivamente bronco y un estilo autoritario y práctico continuó siendo un actor solicitado hasta el final.
En una declaración, el director Baz Luhrmann describió a Hunter como "un actor icónico que sintetiza la quintaesencia de lo australiano."
Su despegue en la industria se produjo cuando trabajaba como especialista en Hollywood en el rodaje de ‘La hora final’ [On the Beach], en Melbourne, en 1959 -una película sobre sobrevivientes de una guerra nuclear, con Gregory Peck, Ava Gardner y Fred Astaire.
"Vio a Gregory Peck hacer 27 tomas y pensó: ‘Hasta un tonto podría hacerlo’", contó al diario Daily Telegraph en Sydney, Rhoda Roberts, ex esposa de Hunter.

Hunter nació en Melbourne el 27 de febrero de 1940 y creció en el campo del estado de Victoria. Era hijo del propietario de un bar que, finalmente, quebró. Hunter contó al diario Sunday Age, de Melbourne, en 1994, que dejó la escuela a los trece y empezó a trabajar como vaquero, conocidos en Australia como ‘arreadores’ [drovers], que llevan el ganado a través de Victoria.
Empezó su carrera en los años sesenta en series de la televisión australiana.
Llamó la atención al principio de su carrera cuando fue el camarógrafo de un noticiario en ‘Newsfront’, la película del director Phillip Noyce sobre los medios y la política en Australia en los años cincuenta. Hunter ganó n 1978 el premio al mejor actor del Instituto del Cine Australiano por el papel, el primero de tres, el equivalente australiano del Oscar.
También cosechó elogios por sus papeles como un mayor de ejército en el drama sobre la Primera Guerra Mundial, ‘Gallipoli’, de Peter Weir, 1981; miembro del jurado de un concurso de baile en la comedia romántica ‘El amor está en el aire’, de Luhrmann, 1992; padre de la novia en ‘La boda de Muriel, de P.J. Hogan; y un tolerante mecánico en la compañía de reinonas en ‘Priscilla’, de Stephan Elliott.
Hunter también tuvo papeles menores en la épica de Luhrmann de 2008, ‘Australia’, y en la miniserie de televisión ‘The Pacific’, una co-producción estadounidense-australiana, estrenada el año pasado.
29 de mayo de 2011
28 de mayo de 2011
©los angeles times
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