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Murió Ted Key, Creador de Hazel


Creador de los personajes de historietas ‘Hazel’, ‘Mr. Peabody and Sherman’. A los 95.
[Dennis McLellan] Murió Ted Key, el dibujante de revistas que creó a la mandona pero adorable criada Hazel en los años cuarenta y más tarde al viajero en el tiempo, Mr. Peabody y Sherman, de ‘Rocky and Bullwinkle’, la famosa serie de dibujos animados de la televisión. Tenía 95 años.
Key, al que diagnosticaron cáncer a la vejiga a fines de 2006 y sufrió un derrame en septiembre pasado, murió el sábado en su casa en Tredyffrin Twonship, Pensilvania, informó su hijo Peter.
Key, nacido en Fresno, era un dibujante independiente de Nueva York cuando en 1943 vendió al Saturday Evening Post un dibujo sobre una criada.
La venta se convirtió en un inesperado despegue para Key, cuyo dibujo fue poco después un elemento regular de la revista de circulación nacional.
El personaje llegó a ser tan popular que la primera colección de dibujos de ‘Hazel’, publicada por Dutton en 1946, vendió la impresionante cantidad de medio millón de ejemplares.
Peter Key dijo que la idea de su padre de dibujar a una criada la tuvo en un sueño.
"Despertó, la apuntó y se volvió a dormir", dijo Peter Key al Times el lunes. "Despertó a la mañana siguiente y miró el apunte, sin esperar nada en especial porque la mayoría de las cosas que soñaba eran maluchas".
Pero esta vez Key leyó lo que había escrito y pensó que estaba bien. Así que hizo el dibujo y el Post lo compró.
A la semana siguiente, hizo dos dibujos más con la criada, presentó uno al Saturday Evening Post y el otro a la revista Collier’s. Las dos revistas los compraron y a la semana siguiente hizo tres dibujos más con la criada: una para el Post, otro para Collier’s y otro para This Week, el suplemento dominical del Sunday.
"Los compraron los tres, y poco después el Post, que era el comprador más importante de la época, le dijo: ‘Queremos los dibujos de la criada en exclusiva’", contó su hijo.
El personaje evolucionó rápidamente, agregó.
"Originalmente era flaca y tonta, y él no se sentía cómodo haciendo chistes sobre la estupidez de la gente, así que la criada evolucionó rápidamente en lo que sería años más tarde".
Aunque su padre escogió el nombre de Hazel al azar, dijo Peter Key, tuvo una consecuencia no intencionada: Hazel era el nombre de una hermana de un editor del Saturday Evening Post. "Pensó que el editor había elegido el nombre para fastidiarla y estuvo dos años sin hablarle", dijo.

Peter Key, que escribió chistes para ‘Hazel’ durante ocho años en los años setenta y ochenta, cree que la "humanidad" de Hazel contribuyó en gran parte a su éxito. La criada trabajaba para la familia Baxter con lo que Key describió como "la precisión de un sargento de marines".
"Ciertamente, de algún modo, decía cosas que la gente hubiese querido decir a figuras de autoridad, a veces a sus jefes y a veces a figuras de autoridad en general.
"Pero siempre tuvo un corazón de oro y siempre se las arreglaba para escapar de situaciones difíciles, y sin eso, no creo que hubiese tenido el éxito que tuvo".
‘Hazel’ se convirtió en una popular comedia de equivocaciones en 1961, con Shirley Booth como protagonista. La comedia, que le reportó a Booth dos premios Emmy, fue transmitida por el canal NBC y luego por el CBS hasta 1966.
Key adquirió los derechos de ‘Hazel’ del Saturday Evening Post en 1969, el año en que King Features Syndicate empezó a distribuir la tira cómica a diarios. Aunque Key se retiró en 1993, sus dibujos de ‘Hazel’ siguen apareciendo en diarios.
Pero incluso más famosos hoy que ‘Hazel’, dijo Peter Key, para mucha gente son dos personajes que creó su padre para el productor Jay Ward a fines de los años cincuenta para la serie cómica ‘Rocky and His Friends’: Mr. Peabody, el perro genio y su hijo adoptivo, Sherman, que viajaban en el tiempo con la máquina WABAC.
"Creo que eran tan populares justamente porque eran muy salvajes", dijo. Fue "la inherente demencia de lo que eran y lo que hacían, combinado con esa suerte de madura sofisticación que tenían los dibujos de Ward".

Key nació como Teodore Keyser en Fresno el 25 de agosto de 1912. Su padre era un inmigrante de Latvia que cambió su apellido Katseff cuando vivía en África del Sur y luego lo convirtió en Key durante la Primera Guerra Mundial.
Tras egresar de la Universidad de California en Berkeley en 1933, Key se mudó a Nueva York para trabajar como dibujante independiente. Mientras dibujaba personajes para revistas, también escribía para la radio a principios de los años cuarenta.
Key, que sirvió en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, también creó ‘Diz and Liz’, un dibujo sobre un hermano y una hermana que apareció en la revista infantil mensual ‘Jack and Jill’ de 1961 a 1972.
También escribió el guión de la película de Disney de 1978, ‘The Cat From Outer Space’ y escribió la historias de ‘The Million Dollar Duck’ y ‘Gus’, de Disney.

La primera mujer de Key, Anne, murió en 1984. Además de su hijo Peter, le sobreviven su segunda esposa, Bonnie; sus hijos Stephen y David; y tres nietos.

dennis.mclellan@latimes.com

14 de mayo de 2008
6 de mayo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Joy Page


En ‘Casablanca’, Bogart le dijo: "Vuélvete a Bulgaria". A los 83.
[Dennis McLellan] Murió Joy Page, hija adoptiva del jefe de los estudios Warner Bros., Jack L. Warner, que se ganó un lugar en la historia del cine como la joven búlgara recién casada de ‘Casablanca’. Tenía 83 años.
Page murió el viernes por complicaciones con un derrame y neumonía en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Angeles, informó su hijo Gregory Orr.
La actriz era una alumna de diecisiete de la Escuela Secundaria Beverly Hills cuando consiguió el papel de Annina Brandel en ‘Casablanca’, el clásico de 1942 en el que actúa Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid.
Cuando la refugiada recién casada que necesita visas de modo que ella y su marido puedan marcharse de Casablanca hacia Estados Unidos, el personaje se enfrenta al dilema moral de tener que entregarse al capitán Renault (Claude Rains) a cambio de los documentos. Pero Bogart, como el mundano propietario de Rick’s Cafe Americain, interviene haciendo que su marido gane en la ruleta de manera que pueda comprar los visados.
Fue la primera película de Page.
Aunque su padre adoptivo, el magnate del cine, no estaba entusiasmado con que un miembro de la familia se convirtiera en actriz, Page había estado asistiendo a clases de actuación en el estudio, que impartía Sophie Rosenstein, que sugirió que leyera el guión.
Page había leído un primer borrador del guión de ‘Casablanca’ que Warner había llevado a casa y no estaba muy impresionada.
"Me dijo que pensaba que era cursi y anticuada", dijo Orr.
Pero después de enterarse de que Bergman era parte del reparto de la película, dijo que había cambiado de opinión.
"Pensó que eso lo cambiaba todo, que sería valiosa y auténtica por la participación de Bergman en ella", dijo Orr, agregando que su madre "estaba muy entusiasmada con la experiencia" de hacer ‘Casablanca’.
"Dijo que Bogart había sido muy amable con ella, que era muy paciente y que ensayaba con ella. Y ella admiraba mucho a Ingrid Bergman", dijo.
Aunque Warner se mostró contento con la actuación de Page en la película, no le ofreció un contrato con el estudio ni la contrató para otras películas de Warner Bros.

Representó a la hija de Ronald Colman en ‘El príncipe mendigo’ [Kismet], del director William Dieterle, una fastuosa aventura de fantasía de la MGM de 1944, con Marlene Dietrich.
Entre las otras películas de Page se encuentran ‘Man-Eater of Kumaon’, con el actor indio Sabu (1948), ‘Tarde de toros’ [Bullfighter and the Lady], con Robert Stack (1951) y ‘Tortura’ [The Shrike], con José Ferrer y June Allyson, (1955).
Page también trabajó en televisión, incluyendo ‘Schlitz Playhouse of Stars’, ‘Studio 57’, ‘Cheyenne’, ‘Wagon Train’ y ‘The Swamp Fox’, antes de retirarse de la actuación en 1962.

Nació el 9 de noviembre de 1924, en Los Angeles, como hija del actor de cine mudo Don Alvarado (que también era conocido como Don Page) y Ann Boyar, que se casó con Warner después de que ella y Alvarado se divorciaran.
En 1945 Page se casó con el actor William T. Orr, que más tarde fue vicepresidente y productor de Warner Bros. Se divorciaron en 1970.
Además de su hijo, la sobreviven su hija Diane Corr y su hermanastra Barbara Warner Howard.

dennis.mclellan@latimes.com

2 de mayo de 2008
24 de abril de 2008
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Sofiko Chiaureli


Actriz. Tuvo seis roles en ‘El color de las granadas’.
[Tom Birchenough] Actriz. Tuvo seis roles en ‘El color de las granadas’. El 1 de marzo murió en su ciudad natal de Tbilisi, por causas naturales, la conocida actriz de teatro y cine de Georgia, Sofiko (Sofía) Chaiureli. Tenía setenta años.
Su padre Mikheil fue un director de cine que hizo películas propagandísticas como ‘La caída de Berlín’ [The Fall of Berlin], en 1949, y era partidario de Stalin; su madre fue una famosa actriz de teatro.
Durante décadas Chiaureli fue la cara de Georgia en el cine de la Unión Soviética, mientras que en el mundo del cine debutó en 1957 en la película ‘Our Courtyard’, de Rezo Chkeidze, que fue presentada en Cannes.
Esa película fue una de las que marcaron la aparición de una nueva ola georgiana, claramente influida por el neo-realismo. También dio a conocer a una nueva generación de talentosos directores, con los que la actriz también trabajaría, y entre ellos su primer marido Georgy Shengelaya. Actuó en la película de 1977, ‘El árbol del deseo’ [The Wishing Tree], de Tengiz Abuladze, y en la película de su primo Georgy Daneliya, ‘Don’t Grieve’, de 1969.
Chiaureli estudió en la principal academia de cine de Moscú, la VGIK, en 1960, y rechazó ofertas de trabajo de teatros de Moscú para volver a Tbilisi, donde entró a la compañía de Mardzhanishvili Drama Theater, quedándose allá hasta casi el fin de su vida, excepto por los cuatro años que trabajó en la compañía de teatro rival, Rustaveli Drama Theater, entre 1964 y 1968.
Sus papeles en el teatro cubrieron todo el repertorio, desde las clásicas hasta piezas contemporáneas, nativas e internacionales; se recuerdan especialmente sus interpretaciones de Sófocles. En 2000 montó un teatro para monólogos llamado Veriko en su residencia de familia en Tbilisi, con su segundo marido Kote Makharadze, un respetado actor de teatro que en la Unión Soviética era mejor conocido como comentarista de fútbol. Murió hace seis años.
Su posterior fama internacional la obtuvo como musa del director armenio-georgiano Sergei Paradzhanov. En su ‘El color de las granadas’‘ [The Color of Pomegranates], de 1970, tuvo nada menos que seis roles, y más tarde colaboró en ‘La leyenda de la fortaleza de Suram’ [The Legend of the Suram Fortress], de Paradzhanov, en 1984, y en la última película del director, ‘Ashik Kerib’, en 1988.

1 de mayo de 2008
4 de abril de 2008
©variety
[viene de mQh]

Murió Madeline Lee Gilford


Legendaria estrella de cine se convirtió en productora en Broadway.
El 14 de abril, en Nueva York, murió la actriz y productora Madeline Lee Gilford. Tenía 84 años.
Casada con el actor Jack Gilford durante cuarenta años, lo conoció en una manifestación política en 1947. Ambos apoyaban causas de izquierda, un hecho que les perjudicaría durante la era de McCarthy. Se casaron en 1949. Los separó la muerte de Jack Gilford en 1990.

Nacida en el Bronx, fue actriz desde los tres años. Actuó en radio y compartió escenario con Ethel Barrymore en la pieza de 1944, ‘Embezzled Heaven’.
Ella y su marido estuvieron en lista negra durante la mayor parte de los años cincuenta. Madeline Gilford fue una de las actrices nombradas por Jerome Robbins en su declaración ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara.
En los años ochenta empezó a trabajar en casting y producción en Broadway, llegando a co-producir ‘The World of Sholom Aleichim’, con su marido como actor principal, y el musical ‘Rags’.
Escribió en colaboración con Kate Mostel (la mujer de Zero) las memorias ‘170 Years in Show Business’, que hace la crónica de la vida de las dos parejas, que fueron amigas toda la vida.
Hace poco había aparecido en series de televisión como ‘Ley y Orden’ y en películas como ‘The Old Feeling’, ‘La jaula de los pájaros’ [The Bird Cage], ‘Cocoon: El regreso’ [Cocoon: The Return], ‘La familia Savages’ [The Savages] y ‘Sexo en la ciudad’ [Sex and the City].
La sobreviven una hija, dos hijos y tres nietos.

24 de abril de 2008
18 de abril de 2008
©variety
[viene de mQh]

Murió Stephen Oliver


El actor trabajó en ‘Motor Psycho’ y ‘Tom Horn’.
El 5 de marzo murió en Big Bear Lake, de cáncer, el actor Stephen Oliver, conocido como Lee Webber en la serie de televisión ‘La caldera del diablo’ [Peyton Place]. Tenía 68 años.
Oliver se especializaba en papeles de personajes exaltados y tipos rudos en películas como ‘Motor Psycho’ y ‘Los ángeles del infierno’ [Angels from Hell], y en la película con Rita Hayworth, ‘El zoo de cristal’ [The Naked Zoo]. Fue el boxeador Gentleman Jim Corbett en la película de vaqueros de Steve McQueen, ‘Tom Horn’.
También apareció en series de televisión, como ‘Brackens World’ (en la que tuvo un papel recurrente), ‘Las calles de San Francisco’ [Streets of San Francisco], ‘Starsky y Hutch’ [Starsky and Hutch] y ‘Patrulla motorizada’ [CHiPs].

Nacido como Steve Welzig en Filadelfia, se crió en Riverside, California. Antes de convertirse en actor tuvo un sinnúmero de oficios, desde boxeador hasta cazador de recompensas y estuvo en un corto período en la Armada como desactivador de bombas en Vietnam.
Le sobreviven una hermana y tres hermanos.

24 de abril de 2008
18 de abril de 2008
©variety
[viene de mQh]


Murió Hazel Court, Reina del Grito


Fue la ‘reina del grito’ en películas de horror de los años cincuenta y sesenta.
Murió Hazel Court, la belleza inglesa que actuó con actores como Boris Karloff y Vincent Price en populares películas de horror en los años cincuenta y sesenta. Tenía 82 años.
Court murió el martes en su casa cerca del lago Tahoe tras sufrir un ataque cardiaco, informó el miércoles su hija Sally Walsh.
Aunque tuvo una importante carrera como actriz tanto en Inglaterra como en la televisión norteamericana, Court fue quizás mejor conocida por su trabajo en películas como ‘El cuervo’ [The Raven], de 1963. Actuó con Price, Karloff y Peter Lorre en la versión de Roger Corman del poema clásico de Edgar Allan Poe.
Corman la dirigió en cinco películas. Como otras reinas del grito de la época, los papeles de Court descansaban a menudo en su escote y en su capacidad para gritar horrorizada y sufrir espantosas muertes.
‘El entierro prematuro’ [The Premature Burial], ‘La máscara de la muerte roja’ [The Masque of the Red Death], ‘La maldición de Frankenstein’ [The Curse of Frankenstein] y ‘La chica diabólica de Marte’ [Devil Girl From Mars] la ayudaron a impulsar su condición de actriz de culto, recibiendo cartas de sus fans incluso años más tarde.

Hija de un jugador profesional de cricket, Court nació el 10 de febrero de 1926 en la ciudad inglesa de Sutton Coldfield.
Era adolescente y ya estaba apareciendo en producciones teatrales cuando fue descubierta por la J. Arthur Rank Organisation, que poseía estudios de cine y teatros. Court obtuvo su primer papel en el cine a los dieciocho y se convirtió luego en una popular actriz y chica de calendario.
"Fue una de las grandes bellezas de la historia", dijo Walsh. "Era una pelirroja de ojos verdes y su rostro era casi perfecto. Estuvo en la portada de prácticamente todas las revistas".
Court actuó en algunas de las películas de horror de bajo presupuesto de Hammer Film Productions y actuó con Patrick O’Neal en la serie cómica de la televisión británica ‘Dick and the Duchess’, de 1957. A fines de los años cincuenta viajó a Estados Unidos para trabajar en el programa de televisión ‘Alfred Hitchcock Presents’.
Walsh, que vive en Los Angeles, dijo que a Court la sobrevive otra hija, Courtneyt Taylor, de Ojai; un hijo, Jonathan Taylor, de Reno; y sus hijas adoptivas, Anne Taylor Fleming, de Los Angeles, y Avery Taylor, de San Francisco.

24 de abril de 2008
17 de abril de 2008
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Charlton Heston


Una leyenda del cine. A los 83.
[Bob Thomas] Murió Charlton Heston, que ganó el Oscar al mejor actor en 1959 por su papel como Ben-Hur y representó a Moisés, Miguel Ángel, El Cid y otros personajes heroicos en películas épicas en los años cincuenta y sesenta. Tenía 83 años.
El actor murió el sábado en su casa en Beverly Hills, acompañado por su esposa Lydia, dijo el portavoz de la familia, Bill Powers.
Powers se negó a comentar sobre la causa de su muerte y a proporcionar otros detalles.
"Charlton Heston era una leyenda mundial. Era conocido por su quijada bien definida, amplios hombros y resonante voz, y, por supuesto, por los roles que tuvo", dijo en una declaración la familia de Heston. "Nadie podría pedir una vida tan plena como la suya. Nadie podía entregarse más a su familia, a su profesión, y a su país".
Heston reveló en 2002 que tenía síntomas consistentes con el mal de Alzheimer, diciendo que "ahora debo reconciliar coraje y entrega en la misma medida".
Con su cuerpo grande y musculoso, la cara huesuda y la voz sonora, Heston demostró ser la estrella ideal en el período en que Hollywood estaba llenando las pantallas con panoramas que describían el pasado histórico y religioso. "Tengo una cara que pertenece a otro siglo", decía a menudo.
El publicista Michael Levine, que representó a Heston durante veinte años, dijo que la muerte del actor representaba la muerte de una era icónica para el cine.
"Si Hollywood tuviera un Monte Rushmore, ahí pondríamos la cara de Heston", dijo Levine. "Fue un personaje legendario único en Hollywood".
El actor asumió el rol de líder dentro y fuera de la pantalla. Fue presidente del Gremio de Actores de Cine y del Instituto Americano de Cine y participó en la marcha por los derechos civiles en los años cincuenta. Con el paso del tiempo se hizo más conservador y apoyó a candidatos conservadores.
En junio de 1998, Heston fue elegido presidente de la Asociación Nacional del Rifle, para la que posó blandiendo un rifle. Se dirigió sarcásticamente al presidente Clinton, diciendo: "Estados Unidos no le confiaría a usted nuestras hijas de veintiún años, y, Dios nos libre, tampoco nuestras armas".
Heston renunció a la presidencia de la Asociación Nacional del Rifle en abril de 2003, contando a miembros que sus cinco años en el cargo, fueron "toda una experiencia... La viví plenamente".
Más tarde ese año, Heston recibió la Medalla Presidencial de la Libertad, el más honor civil del país. "La grandeza de carácter que transmitió en la pantalla, también la transmitió durante su vida", dijo entonces el presidente Bush.
Sostuvo un prolongado feudo con el liberal Ed Asner durante el mandato de este como presidente del Gremio de Actores de Cine. Su activismo de los últimos años casi ensombreció sus logros como actor, que fueron considerables.
Heston prestó su fuerte presencia a algunas de las películas más aclamadas y exitosas de mediados de siglo. ‘Ben-Hur’ ganó once galardones de la Academy Award, un récord que comparte con la más reciente ‘Titanic’ (1997) y ‘El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey’ [Lord of the Rings: The Return of the King] (2003). Otras películas exitosas de Heston incluyen ‘Los diez mandamientos’ [The Ten Commandments], ‘El Cid’, ‘55 días en Pekín’ [55 Days at Peking], ‘El planeta de los simios’ [Planet of the Apes] y ‘Terremoto’ [Earthquake].
Le gustaba citar la cantidad de personajes históricos que había representado:
Andrew Jackson (‘La dama marcada’ [The President’s Lady], ‘Los bucaneros’ [The Buccaneer]), Moisés (‘Los diez mandamientos’), Rodrigo Díaz de Vivar (‘El Cid’), Juan Bautista (‘La historia más grande jamás contada’ [The Greatest Story Ever Told]), Miguel Ángel (‘El tormento y el extásis’ [The Agony and the Ecstasy]), el General Gordon (‘Kartum’ [Khartoum]), Marco Antonio (‘Julio César’ [Julius Caesar], ‘Marco Antonio y Cleopatra’ [Anthony and Cleopatra]), el Cardenal Richelieu (‘Los tres mosqueteros’ [The Three Musketeers]), Enrique IV (‘El príncipe y el mendigo’ [The Prince and the Pauper]).

Heston hizo su debut en el cine en los años cuarenta en dos películas independientes de un compañero de universidad, David Bradley, que más tarde fue un renombrado archivista de cine. Tuvo el papel protagónico en ‘Peer Gynt’ en 1942 y fue Marco Antonio en la versión de Bradley de 1949 de ‘Julio César’, por la que le pagaron cincuenta dólares a la semana.
El productor de cine Hal B. Wallis (‘Casablanca’) descubrió a Heston en una producción de televisión en 1950, ‘Cumbres borrascosas’ [Wuthering Heights] y le ofreció un contrato. Cuando su mujer le recordó que habían decidido dedicarse al teatro y la televisión, Heston dijo: "Bueno, sólo haré esta película y ya veremos".
Heston fue anunciado como estrella en su primera película para Hollywood, ‘Ciudad en sombras’ [Dark City], una película negra de 1950. Cecil B. DeMille lo contrató luego como el administrador de un circo en ‘El mayor espectáculo del mundo’, calificada por la Academia de Cine como la mejor película de 1952. Siguieron más películas:
‘El salvaje’ [The Savage], ‘Pasión bajo la niebla’ [Ruby Gentry], ‘La dama marcada’, ‘El triunfo de Buffalo Bill’ (como Buffalo Bill Cody) [Pony Express], ‘Hoguera de odios’ [Arrowhead], ‘Bad for Each Other’, ‘Cuando ruge la marabunta’ [The Naked Jungle], ‘El secreto de los incas’ [Secret of the Incas], ‘Horizontes azules’ [The Far Horizons], ‘La guerra privada del mayor Benson’ [The Private War of Major Benson], ‘Orgullo contra orgullo’ [Lucy Gallant].
La mayoría eran películas de bajo presupuesto destinadas al olvido, y Heston parecía también destinado a seguir siendo una estrella de acción sin mayores méritos. Su viejo patrón DeMille lo rescató.
El director había planeado durante un largo tiempo una nueva versión de ‘Los diez mandamientos’, que había rodado como película muda en 1923 con un enfoque radicalmente diferente que combinaba historias bíblicas y modernas. Le impresionó el parecido facial de Heston con la escultura de Moisés, de Miguel Ángel, especialmente la nariz quebrada, y sometió al actor a una larga serie de pruebas antes de darle el papel.
El hijo recién nacido de Heston, Fraser Clarke Heston, hizo del niño Moisés en la película.
Y siguieron más películas: la excéntrica película de suspenso, ‘Sed de mal’ [Touch of Evil], dirigida por Orsen Welles; Horizontes de grandeza’ [The Big Country], de William Wyler, con Gregory Peck; la saga marina, ‘Misterio en el barco perdido’ [The Wreck of the Mary Deare], con Gary Cooper.
Luego vino su principal papel: ‘Ben Hur’.
Heston no fue el primero en ser considerado para el remake de la épica bíblica de 1925. Marlon Brando, Burt Lancaster y Rock Hudon habían rechazado la película. Heston se sumergió en el papel, ensayando durante dos meses para la furiosa carrera de carros.
Le enervaba la sugerencia de que la carrera había sido filmada con un doble: "No podía conducir bien el carro, pero no era necesario. Todo lo que tenía que hacer era no caerme. No tenía de qué preocuparme. MGM me había garantizado que yo ganaría la carrera".
El enorme éxito de ‘Ben-Hur’ y el Oscar de Heston lo convirtieron en una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood. Combinó sus épicas de la gran pantalla como ‘El Cid’ y ‘55 días en Pekín’ con películas menos impresionantes, como ‘El señor_de_Hawai’ [Diamond Head] , ‘Will Penny’ y ‘Aeropuerto 1975’ [Airport 1975]. En sus últimos años tuvo apariciones en películas como ‘El mundo según Wayne’ [Wayne’s World 2] y ‘La leyenda de Wyatt Earp’ [Tombstone].
Volvió a menudo al teatro, actuando en piezas como ‘ A Long Day’s Journey into Night’ y ‘A Man for All Seasons’. Actuó como magnate en el culebrón ‘The Colbys’, un derivado de ‘Dynasty’ que duró dos temporadas.

Cuando nació en un suburbio de Chicago el 4 de octubre de 1923, lo bautizaron Charles Carter. Sus padres se mudaron a St. Helen, Michigan, donde su padre, Russell Carter, gestionaba un aserradero. Creció en los bosques de Michigan prácticamente sin amigos y se entretenía leyendo libros de aventuras e inventando sus propios juegos mientras recorría la zona con su rifle.
Los padres de Charles se divorciaron; ella se casó con Chester Heston, encargado de una planta en Wilmette, Illinois, un elegante barrio de Chicago. Tímido y desorientado en la gran ciudad, el chico tuvo problemas para adaptarse a la nueva escuela secundaria. Se refugió en el departamento de teatro.
"La actuación me ofrecía la posibilidad de ser muchas personas a la vez", dijo en una entrevista de 1986. "En esos días no estaba satisfecho conmigo mismo".
Llamándose a sí mismo Charlton Heston por el nombre de soltera de su madre y el apellido de su padrastro, obtuvo una beca de estudios de la Universidad de Northwestern en 1941. Sobresalió en piezas de teatro del campus y se presentó en la radio. En 1943 fue alistado en la Fuerza Aérea del Ejército y sirvió como radio-artillero en Aleutians.
En 1944 se casó con una estudiante de teatro de Northwestern, Lydia Clarke, y después de su licenciamiento del ejército en 1947 se mudó a Nueva York para buscar trabajo como actor. Pero fueron contratados como co-directores y actores principales en un programa de teatro veraniego en Asheville, Carolina del Norte.
De regreso en Nueva York, los Heston empezaron a encontrar trabajo. Con su cuerpo robusto de 1.88 metros de alto y un atractivo rostro de facciones marcadas, Heston consiguió papeles en culebrones de televisión, en teatro (‘Antony and Cleopatra’, con Katherine Cornell) y programas de televisión en vivo, como ‘Julius Caesar’, ‘Macbeth’, ‘The Taming of the Shrew’ y ‘Of Human Bondage’.
Heston escribió varios libros: ‘The Actor’s Life: Journals 1956-1976’, publicado en 1978; ‘Beijing Diary: 1990’, sobre su dirección de la pieza de teatro ‘The Caine Mutiny Court Martial’, en chino; ‘In the Arena: An Autobiography’, 1995; y ‘Charlton Heston’s Hollywood: 50 Years of American Filmmaking’, 1998.
Además de Fraser, que dirigió a su padre en la película de aventuras ‘Mother Lode’, los Heston también tuvieron una hija, Holly Ann, nacida el 2 de agosto de 1961. La pareja celebró sus bodas de oro en 1994 con una fiesta con amigos políticos y de Hollywood. Cuando murió, llevaban casados 64 años.
En los últimos años, Heston estuvo en el centro de la atención tanto por sus cruzadas por sus actuaciones. Además de su trabajo para la Asociación Nacional del Rifle, participó en la campaña presidencial republicana y a favor de candidatos al Congreso y contra la discriminación positiva.
Renunció a Actors Equity, diciendo que la decisión del sindicato de no permitir que un actor blanco recibiera un papel de euroasiático en ‘Miss Saigon’ era "obscenamente racista". Atacó los informes de CNN desde Bagdad por "sembrar dudas" sobre la campaña de los aliados en la Guerra del Golfo de 1990-1991.
En una junta de accionistas de Time Warner, reprochó a la compañía por lanzar un álbum de Ice-T donde supuestamente se llama al asesinato de polis.
Heston escribió en ‘In the Arena’ que se sentía orgulloso de haber hecho lo que había hecho "aunque ahora seguramente Warners no me ofrecerá nunca más un papel ni hablarán bien de mí en Time. Por otro lado, dudo que me pasen un parte en la carretera".

11 de abril de 2008
6 de abril de 2008
©washington post
[viene de mQh]

Murió Jules Dassin


Director de film noir. El director de ‘Rififí' y ‘Nunca en domingo' es considerado uno de los directores norteamericanos más importantes de la posguerra. A los 96.
[Claudia Luther] Murió el lunes, en un hospital de Atenas, Jules Dassin, el director norteamericano perseguido que fue un maestro del film noir, con clásicos como ‘Fuerza bruta' [Brute Force], ‘La ciudad desnuda' [The Naked City] y ‘Rififí' [Rififi]. Tenía 96 años.
Se desconoce la causa de su muerte. La Associated Press informó que había sido internado en el hospital hace algunas semanas.
"Grecia llora la pérdida de un hombre excepcional, un gran artista y un verdadero amigo", dijo en una declaración el primer ministro Costas Karamanlis. "Su pasión, su inagotable energía creativa, su espíritu de combate y su nobleza serán inolvidables".
Dassin, considerado de uno de los directores más importantes de la posguerra, dirigió su película más influyente, ‘Rififí', cuando vivía en Francia, donde llegó después de ser colocado en Hollywood en una lista negra acusado de ser comunista a principios de los años cincuenta. ‘Rififí' le significó el premio al mejor director del Festival de Cine de Cannes en 1955.
‘Rififí' es el "punto de referencia de todas las películas del cine negro subsiguientes", escribió el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, en 2000, cuando fue reestrenada en Estados Unidos.
La película fue considerada ampliamente como el prototipo de películas como ‘Hagan juego' [Ocean's Eleven] y ‘Misión imposible' [Mission: Impossible]. Dassin mismo hizo otra película basada en ‘Rififi', ‘Topkapi' (1964), con Melina Mercouri, con la que había trabajado en la popular película en lengua inglesa ‘Nunca en domingo' [Never on Sunday], en la que representa a una atractiva prostituta. Más tarde, Dassin y Mercouri se casaron.
Turan dijo que la influencia de ‘Rififí' es difícil de exagerar. El crítico escribió que una parte de la película es un "modelo de tensión y precisión". En la secuencia, Dassin gasta "treinta minutos en el asalto mismo, una media hora enteramente sin diálogos (aunque hace un buen uso de los efectos de sonido) que carcome los nervios y es una clase magistral tanto sobre cómo hacer cine sobre cómo cometer un asalto".

Dassin nació el 18 de diciembre de 1911 en Middletown, Connecticut, uno de ocho hermanos de una familia de inmigrantes judíos rusos. Su padre, un barbero, se mudó con la familia a Nueva York. Dassin terminó su secundaria en el Bronx.
Se metió al mundo del espectáculo como actor en el teatro judío de Nueva York a mediados de los años treinta. Pero tras descubrir que "no era un actor", se pasó a dirección, primero en teatro y luego en cine.
A principio de los años cuarenta, Dassin se marchó a Hollywood, llegando a trabajar para MGM, Universal y 20th Century Fox. Su primer largometraje para la MGM fue ‘El corazón delator' [The Tell-Tale Heart], que fue seguida por ‘Fuera del pasado', estrenada en 1942. Hizo varias películas promedio para la MGM, incluyendo ‘El fantasma de Canterville' (1944) y ‘A Letter for Evie' (1946).
Pero ‘Fuerza bruta' (1947), la violenta película sobre una prisión, con Burt Lancaster y Hume Cronyn, marcó un fuerte cambio. La siguió ‘La ciudad desnuda' (1948), uno de los primeros dramas policiales rodado en las calles de Nueva York; ‘Mercado de ladrones' (1949), una cruda película sobre camioneros autónomos en lucha contra un mayorista de verduras torcido; y ‘Noche en la ciudad' (1950), una película negra con Richard Widmark como un estafador en Londres que cae en sus propias trampas. Widmark murió la semana pasada, a los 93.
Pero a principios de los años cincuenta se empezó a perseguir en Hollywood a simpatizantes del Partido Comunista, y el nombre de Dassin apareció en la extensa lista negra.
Dassin nunca negó que hubiese sido miembro del Partido Comunista. Como parte del mundo teatral de Nueva York en los años treinta, cuando la Depresión todavía afectaba profundamente a millones de estadounidenses, fue uno de los muchos que vio en el Partido Comunista un movimiento bien intencionado de protección de los trabajadores. Dejó el partido a fines de los treinta por diferencias con el partido por la alianza de los soviéticos con Hitler y el estallido de la Segunda Guerra Mundial.
En 1951, sus colegas directores Edward Dmytryk y Frank Tuttle mencionaron el nombre de Dassin al Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara, diciendo que Dassin era parte de la "facción comunista" de Hollywood. Aunque Dassin no fue llamado nunca a declarar ante el comité, no pudo encontrar empleo después de sus declaraciones. En 1953 se marchó a Francia con su familia.
Al principio Dassin no pudo encontrar trabajo. Pero finalmente le invitaron a escribir un guión y a dirigir ‘Rififí', basada en una novela de Auguste le Breton. Gira sobre un grupo de ladrones de joyas que al final temen más de sí mismos que de la policía. Dassin fue uno de los ladrones, Cesar, con el seudónimo de Perlo Vita.
Dassin dijo a David D'Arcy de National Public Radio, en 2000, con ocasión del relanzamiento de ‘Rififí' en Estados Unidos, que al hacer la película recordó el consejo que le dio Alfred Hitchcock una vez: "Díles lo que vas a hacer, y luego déjalos preocuparse sobre cómo lo harás".
El plato fuerte de la película es la ahora famosa secuencia del asalto de media hora. La escena está imbuida de una jadeante tensión.
"Pocas películas de vanguardia han demostrado de manera tan hábil cómo el tiempo y el ritmo afectan la percepción", escribió el crítico de cine Michael Sragow en 2000.
François Truffaut dijo sobre ‘Rififí' que era "la mejor película negra que he visto en mi vida" y dijo que las resplandecientes tomas en locación de Dassin de las frías y lluviosas calles de París reveló una ciudad que, en cierto modo, era desconocida para los franceses mismos. El crítico de cine Leonard Maltin calificó la película de "el abuelito de todas las película de intriga y policiales".
Gran parte de ‘Rififí' suena familiar hoy porque muchos directores -incluyendo a Dassin mismo- la han imitado. Su ‘Topkapi', sobre el robo de un puñal enjoyado de un museo de Estambul, también fue influyente. Las bandas de ladrones al estilo de ‘Rififí' y ‘Topkapi', cada una con una especialidad que es requerida para cometer el gran atraco, es ‘citada' tan estrechamente en ‘Misión imposible' (1996), de Brian De Palma, que Dassin dijo al New York Times que lo había "escandalizado".
"Creo que es demasiado literal, es la misma cosa", dijo. "Me pregunté si acaso se permite eso. Aparentemente se permite".
Aunque en el Festival de Cine de Cannes de 1955 recibió el premio más alto por su dirección de la película, Dassin se sentía rechazado por sus pares debido a la lista negra. En una entrevista con Susan King, del Times, con ocasión de una retrospectiva en abril de 2004 de sus películas en Museo de Arte del condado de Los Angeles, Dassin dijo que la gente en el festival lo eludía mirando "como si hubieran detectado un bicho arrastrándose en alguna parte, u ocultaban sus rostros. Fue difícil".
Incluso más espantoso, dijo, fue que se izara la bandera francesa sobre él cuando se anunció el premio.
"Soy estadounidense. Debería haber sido una bandera norteamericana", dijo.

Dassin conoció a Mercouri, su segunda mujer, en Cannes en 1955; se casaron en 1966, después de divorciarse ambos.
Mercouri finalmente abandonó la actuación para incorporarse al parlamento griego. Más tarde fue nombrada ministro de cultura. Murió de cáncer al pulmón en 1994.
El director hizo varias películas en el país natal de Mercouri, incluyendo ‘El que debe morir' [He Who Must Die], una adaptación de la novela ‘The Greek Passion' de Nikos Kazantzakis, que es una versión moderna de la historia de Cristo.
Pero Dassin probablemente es mejor conocido por la película que convirtió a Mercouri en una estrella internacional: ‘Nunca en domingo'. La película de 1960, en la que Dassin es un turista americano tratando de rescatarla de la prostitución, fue un éxito de taquilla en Europa y Estados Unidos. Le ganó a Dassin nominaciones al Oscar por dirección y guión, y durante un tiempo su tema musical se oyó en todas partes. La película también atrajo a turistas hacia Grecia.
Algunos años después, Dassin fue nominado para una Tony Award como mejor director y mejor libreto para la versión musical de ‘Nunca en domingo', titulada ‘Ilya, Darling'.
En 1962, Mercouri actuó con Anthony Perkins en la intensa ‘Fedra' [Phaedra], de Dassin.
Otras películas de Dassin incluyen ‘Up Tight!' (1968), un mal concebido remake de ‘El delator' [The Informer], de John Ford, con su reparto íntegramente negro, y la poco memorable ‘Círculo de dos' (1980), con Richard Burton y Tatum O'Neal. Dassin dijo, de buen humor, sobre ambas, que fueron "un desastre".
Dassin le dijo a Patrick McGilligan y Paul Buhle en una entrevista para ‘Tender Comrades', un libro de 1997 sobre la lista negra, que después de ‘Círculo de dos', su carrera fílmica había prácticamente terminado.
Como hizo durante toda su vida, Dassin volvió al teatro para dirigir producciones de teatro griego.
Sobre el periodo de la lista negra, Dassin decía a menudo que él había tenido suerte: Volvió a encontrar trabajo después de cinco años.
"No estoy amargado", dijo el optimista Dassin al L.A. Weekly cuando cumplió noventa. "Pero está la infelicidad de tantas vidas destruidas y el efecto que tuvo en las películas que se hicieron durante largo tiempo".

8 de abril de 2008
1 de abril de 2008
©los angeles times
[viene de mQh ]