cine general

Murió Kenneth Mars

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Veterano actor de pantalla y de voz.

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Murió el sábado en su casa en Granada Hills, de cáncer al páncreas, el veterano actor Kenneth Mars, cuyas memorables actuaciones fueron sus dos colaboraciones con el director Mel Brooks en ‘Los productores’ [The Producers] y ‘El jovencito Frankenstein’ [Young Frankenstein; El joven Frankenstein]. Tenía 75 años.
Durante una carrera que se extendió durante cinco décadas, Mars apareció en más de 35 películas, incluyendo ‘Dos hombres y un destino’ [Butch Cassidy and the Sundance Kid] (1969), ‘Personajes desesperados’ [Desperate Characters] (1971),’¿Qué me pasa, doctor?’ [What’s Up, Doc?] [1972] y ‘Días de radio’ [Radio Days] (1987). También apareció en series de televisión, incluyendo ‘Amor al estilo americano’ [Love, American Style], ‘Fernwood Tonight’, ‘El fantasma y la señora Muir’ [The Ghost and Mrs. Muir], ‘El comisario McMillan y su esposa’ [McMillan & Wife] y ‘Malcolm en el en medio’ [Malcolm in the Middle].
En ‘Los productores’ (1968), fue Franz Liebkind, un nazi medio loco cuya obra, ‘Springtime for Hitler’, atrae a una pareja de intrigantes productores de Broadway representados por Gene Wilder y Zero Mostel. Una de sus frases más citadas fue: "No lo sabe mucha gente, pero el Fuhrer era un pésimo bailarín’.
En ‘El jovencito Frankenstein’, Mars mostró nuevamente su talento para representar personajes germánicos en el papel del Inspector Kemp, un jefe de policía con monóculo y un brazo ortopédico ridículamente defectuoso.
"Pocos actores pueden hacer el papel del alemán estrafalario tan bien como Kenneth Mars", escribió Robert Alan Crick en el libro ‘Big Screen Comedies of Mel Brooks’, de 2009.

Mars nació en Chicago el 4 de abril de 1935. Estudió bellas artes en la Universidad del Northwestern, y empezó a actuar a principio de los años sesenta.
En sus últimos años, fue un solicitado actor de voz para proyectos de dibujos animados para niños y largometrajes animados. Fue la voz de Grandpa Longneck en la serie ‘En busca del valle encantado’ [The Land Before Time; La tierra antes del tiempo] y la de King Triton en ‘La sirenita’ [The Little Mermaid].
[viene de mQh]
28 de febrero de 2011
15 de febrero de 2011
©los angeles times

Murió Len Lesser

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Veterano actor de carácter, mejor conocido como el Tío Leo de la comedia de televisión ’Seinfield’.

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Murió el miércoles en Burbank, según informó la publicista Laura Stegman, el veterano actor de carácter Len Lesser, conocido por su rol recurrente como el Tío Leo en la exitosa comedia de NBC-TV, ‘Seinfield’, en los años noventa. Sufría de leucemia y cáncer.
A partir de principios de los años cincuenta, Lesser construyó su reputación como matón en una docena de películas y en cientos de programas de televisión, mientras alimentaba su pasión por el teatro. Pero el calvo actor de nariz ganchuda llevó su carrera a un nivel superior cuando se hizo con el papel del fastidioso Tío Leo, de Jerry Seinfeld, con su característico salud: "¡Hola!"
"Es el tipo de persona que a veces es absolutamente pesada, una persona a la que evitas", dijo Lesser sobre el Tío Leo en una entrevista con el Times de 1998. "Es un tipo muy expansivo, y hay algo de atractivo en eso".

Nacido el 23 de diciembre de 1922 en Nueva York, Lesser estudió economía y administración en la City College de Nueva York en 1942. Tras servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, volvió a Nueva York a estudiar actuación.
Se mudó a Los Angeles en 1954 y empezó a trabajar en televisión y comerciales. Consiguió roles en el cine, incluyendo papeles secundarios en ‘Los héroes de Kelly’ [Kelly’s Heroes], ‘Papillon’ y ‘El fuera de la ley’ [The Outlaw Josey Wales].
Además de ‘Seinfeld’, también tuvo un rol recurrente en la comedia de CBS , ‘Todo el mundo quiere a Raymond’ [Everybody Loves Raymond], como Garvin, el amigo del padre de Raymond.
Trabajaba frecuentemente en producciones locales, entre ellas ‘Cold Storage’ en el Gnu Theatre en 1993, ‘Cantorial’ en el Actors Alley en 1992 y ‘Awake and Sing!’ en A Noise Within, el año pasado.
22 de febrero de 2011
17 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Tura Satana

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Actriz de culto.

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[Dave Itzkoff] Murió el viernes noche, en Reno, Nevada, Tura Satana, una actriz cuya despótica presencia, exótica apariencia y abultado pecho llamó la atención de los espectadores de la película de culto ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’ (1965), de Russ Meyer.
Su deceso fue anunciado por su agente de toda la vida, Siouxzan Perry, que informó que se creía que la causa de su muerte fue una deficiencia cardiaca. Perry dijo que Satana tenía 72 años, aunque otras fuentes creen que nació en 1935.

Nacida un 10 de julio como Tura Luna Pascual Yamaguchi, en Hokkaido, Japan, de un padre filipino de origen japonés-filipino y una madre que era parte india cheyenne, parte escocesa-irlandesa, Satana pasó parte de su niñez en el campo de internamiento Manzanar, cerca de Independencia, California, antes de que su familia se estableciera en Chicago. Su aspecto y cultura asiática y el hecho de que madurara precozmente se tradujo en frecuentes acosos y abusos, y vivió de manera itinerante como bailarina exótica y modelo de desnudo. Incluso posó para las fotografías eróticas de Harold Lloyd, el ex comediante del cine mudo, que le sugirió que se dedicara al cine.
El rol que la hizo despegar lo tuvo en ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’, un filme de explotación de Meyer que, en fuerte contraste con los trabajos posteriores del director, no incluía escenas de desnudos. En esa película, Satana era Varla, cabecilla de un banda de bailarinas a gogó que secuestran a una pareja, asesinan al novio y obligan a la chica a seguirlas en otras aventuras fuera de la ley.
La caracterización que hizo Satana de Varla como una femenina y violenta mujer que reprende frecuentemente a los hombres que se atreven a mirarla, la hizo tan popular que su fama como actriz de culto la persiguió hasta mucho después de la época del drive-in. En las últimas décadas, la influencia de la actitud profesional de Satana se podía observar en artefactos de la cultura pop que iban desde ‘Xena, la princesa guerrera’ [Xena, Warrior Princess] hasta las películas de la serie ‘Kill Bill’, de Quentin Tarantino.
La sobreviven dos hijas, Kalani y Jade, y dos hermanas, Pamela y Kim.
18 de febrero de 2011
5 de febrero de 2011
©new york times
cc traducción mQh

Murió Lena Nyman

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Actriz sueca.

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[Dennis Hevesi] Murió el viernes en Estocolmo la actriz sueca Lena Nyman, cuya actuación en la película de sexo explícito ‘I Am Curious (Yellow)’ enfureció a los censores en los años sesenta y contribuyó a convertir la película en éxito de taquilla. Tenía 66 años.
Falleció después de una prolongada enfermedad, declaró a la Associated Press el agente de Nyman, Mats Nilemar.
Después de ‘I Am Curious’, Nyman prosiguió con una distinguida carrera. En total, actuó en más de cincuenta películas suecas y series de televisión, notablemente en la película de Ingmar Bergman, ‘Sonata de otoño’ [Autumn Sonata], en 1978, en la que fue la hermana mentalmente deteriorada de una lograda pianista (Liv Ullman).
Pero fue con ‘I Am Curious’ que dejó quizás su marca más indeleble. En la película, Nyman representa a una joven intensamente seria, llamada también Lena, que recorre Estocolmo como una periodista aficionada, planteando preguntas sobre las costumbres que le parecían que habían calcificado la vida en Suecia. Le pregunta a la gente si Suecia es realmente una sociedad sin clases, y a fastidiosos funcionarios sindicales por qué es el movimiento laborista tan conservador.
A la búsqueda de su propia identidad sexual, Lena tiene una tempestuosa relación con Borje (Borje Ahlstedt), al que conoce en una tienda. Tienen sexo en un árbol y en una balaustrada frente al palacio real, entre otros lugares.
Financiada con 160 mil dólares por el cineasta sueco Vilgot Sjoman, ‘I Am Curious (Yellow)’ alarmó al Servicio de Aduanas de Estados Unidos, que la prohibió en el país en enero de 1968 por considerarlo obscena. En noviembre, una corte de apelaciones federal resolvió que la película caía bajo la protección de la Primera Enmienda, que permitió su estreno en marzo de 1969. La película reportó cinco millones de dólares en los primeros seis meses y continuó siendo la película extranjera más exitosa en Estados Unidos durante veintitrés años.
Si "los cavernícolas de la oficina de aduanas" no hubiesen requisado ‘I Am Curious (Yellow)’, escribió Newsweek en marzo de 1969, "probablemente no se formarían esas filas de miles y miles de personas, esperando tener el privilegio de pagar cuatro dólares con cincuenta para ver la película".
Las reseñas fueron tibias. "La actuación de la señorita Nyman es monótona, y lo único que la redime es su rabia, que parece genuina e ilimitable", escribió Joseph Morgenstern en Newsweek. En The New York Times, Vincent Canby escribió: "Lena Nyman y Borje Ahlstedt son buenos, además de ser perfectamente presentables para los papeles principales". Agregó que las escenas de sexo eran "tan llanamente veraces que dejan de ser pornográficas".
En Suecia, algunos críticos consideraron ofensiva la película. Debido a su figura rellena, otros llamaron gorda a Nyman. Eso no la detuvo. En 1968 volvió a ser Lena en ‘I Am Curious (Blue)’, casi un remake de ‘Yellow’. (La bandera sueca es azul y amarillo).

Nyman, que nació en Estocolmo el 23 de mayo de 1944, estaba estudiando en la Escuela Nacional de Teatro de Suecia cuando Sjoman la eligió para ‘I Am Curious’.
Nyman quedó anonadada con la reacción en su país ante las películas de la serie ‘Curious’, contó al Times en 1974. "Sabes", dijo, "a algunas personas, el sexo las horroriza. Me horrorizó que estuvieran todos tan horrorizados. Hubo tanta conmoción sobre esa película. ¡Guau!"
"Como si en Suecia nadie hubiese visto nunca a un hombre o mujer desnudos".
[viene de mQh]
18 de febrero de 2011
5 de febrero de 2011
©new york times
cc traducción mQh

Murió John Barry

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Compuso la banda sonora de once películas de James Bond.

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[Dennis McLellan] Murió John Barry, galardonado compositor de películas como ‘Nacida libre’ [Born Free] y ‘Memorias de África’ [Out of Africa], que ocupó un prominente lugar en la historia de la cultura pop tras escribir la banda sonora de once películas de James Bond, incluyendo ‘Desde Rusia con amor’ [From Russia With Love] y ‘James Bond contra Goldfinger’ [Goldfinger]. Tenía 77 años.
Según informó su familia en una declaración, Barry murió el domingo en Nueva York, donde llevaba viviendo algún tiempo. No se reveló la causa de su muerte.
"Creo que es, sin ninguna duda, uno de los autores de música para películas más importantes de los últimos cincuenta años", dijo al Times el lunes el historiador de bandas sonoras Jon Burlingame, profesor de historia de música de cine en la Universidad de Carolina del Sur.
En una carrera que empezó en 1960 y se prolongó durante más de cuarenta años, el compositor oriundo del Reino Unido ganó sus primeros Oscars con las películas ‘Nacida libre’ (1966) a la mejor banda sonora original y a la mejor canción original (el popular tema que escribió con el letrista Don Black).
Barry también fue galardonado por la Academia por las bandas sonoras de las películas ‘El león en invierno’ [The Lion in Winter] (1968), ‘Memorias de África’ (1985) y ‘Danza con lobos’ [Dances with Wolves; Bailando con lobos] (1990). Y fue nominado por las películas ‘María, Reina de Escocia’ [Mary, Queen of Scots] (1971) y ‘Chaplin’ (1992).
Su trabajo en las películas de Bond en los años sesenta ayudaron a Barry a situarse a la vanguardia de los compositores de música para películas.
Todo empezó con el trabajo de Barry sobre el tema de Monty Norman para ‘Agente 007 contra Dr. No’ [Dr. No], la primera película de 007 del escritor Ian Fleming en 1962, con Sean Connery en el papel principal. La banda sonora era de Norman.
Barry escribió luego para ‘Desde Rusia con amor’, ‘James Bond contra Goldfinger’, ‘Operación Trueno’ [Thunderball], ‘Sólo se vive dos veces’ [You Only Live Twice], ‘007, al servicio de su Majestad’ [On Her Majesty’s Secret Service], ‘Diamantes para la eternidad’ [Diamonds Are Forever], ‘El hombre de la pistola de oro’ [The Man with the Golden Gun], ‘Moonraker’, ‘Doctor Octopus’ [Octopuss], ‘En la mira de los asesinos’ [A View to Kill; Panorama para matar; Una vista para matar] y ‘Su nombre es peligroso’ [The Living Daylights; Alta tensión; El amanecer viviente].
"Creo que James Bond habría sido mucho menos interesante sin John Barry", dijo a la radio BBC su colega compositor de las películas de Bond, David Arnold, tras enterarse de la muerte de Barry.
Sobre el memorable arreglo de Barry del tema de Bond para ‘Agente 007 contra Dr. No’, Arnold dijo a Burlingame, en un artículo en el Daily Variety de 2008: "Combina el estilo despreocupado del bebop con esa oscura y distorsionada guitarra eléctrica, que es definitivamente un instrumento del rock ‘n’ roll.
"A nivel de sonido representaba todo lo que era el personaje: un chulo fanfarrón y engreído, tenebroso y peligroso, provocador, sensual, incansable. Y lo hizo en dos minutos".
En 2001, Norman obtuvo una indemnización por difamación del Sunday Times de Londres por un artículo que afirmaba que él no había escrito el famoso tema de James Bond. El diario negó la imputación, alegando que Barry era el compositor del tema.
De acuerdo a la versión de la Press Association, Barry había sido contratado para escribir el tema en una fase posterior del proyecto "porque a Norman se le había acabado la inspiración y pasaba por una crisis".
Aunque Barry declaró ante el jurado que la afirmación de Norman de que él había escrito solo el tema era un "absoluto sin sentido", el jurado falló unánimemente a favor de Norman.
En un artículo en el Daily Variety de 2008, Barbara Broccoli, que empezó la producción de las películas de Bond en 1995, elogió el trabajo de Barry. Es la hija del productor original de las películas de Bond, Albert R. ‘Cubby’ Broccoli.
"John es parte del ADN original de las películas de Bond", dijo. "El sonido creado por él era único y finalmente fue muy importante para toda la historia de Bond".
Al hacer la crónica de la transformación de Barry como compositor de música para películas, Burlingame dijo el lunes que la carrera de Barry "empieza con una elástica guitarra en el lenguaje del rock [en la película ‘Beat Girl’ de 1960], progresa pasando por el fresco sonido pop-orquestal de las películas de James Bond y finalmente cristaliza en las románticamente grandiosas bandas sonoras sinfónicas, exuberantemente orquestadas, para películas como ‘Memorias de África’ y ‘Danza con lobos’.
La larga y variada lista de logros de Barry como compositor incluye ‘Zulú’ [Zulu], ‘Plan siniestro’ [Seance on a Wet Afternoon], ‘El caudillo de los desalmados’ [King Rat], ‘Petulia’, ‘Perdidos en la noche’ [Midnight Cowboy; Cowboy de medianoche], ‘Robin y Marian’ [Robin and Marian], la versión de ‘King Kong’ de 1976, ‘En algún lugar del tiempo’ [Somewhere in Time], ‘Fuego en el cuerpo’ [Body Heat; Cuerpos ardientes], ‘The Cotton Club’, ‘Peggy Sue se casó’ [Peggy Sue Got Married; Peggy Sue, su pasado la espera] y ‘Propuesta indecente’ [Indecent Proposal].
Galardonado cuatro veces con un Grammy, también compuso la banda sonora de las películas para televisión ‘Eleanor y Franklin’ [Eleanor and Franklin], ‘El zoo de cristal’ [The Glass Menagerie] y ‘El amor en ruinas’ [Love Among the Ruins], de los años setenta.
"Todos los grandes artistas son reconocibles por su estilo", dijo a Variety Black, que colaboraba frecuentemente con Barry, en 2008.
"Sólo tienes que oír una nota de Sinatra para saber que es él", dijo. "Ocurre lo mismo con John Barry. Escucha ‘Diamantes para la eternidad’ o ’Sólo se vive dos veces’ o ’James Bond contra Goldfinger’ y lo sabes desde el principio".

Barry, el menor de cuatro hermanos, nació como John Barry Prendergast el 3 de noviembre de 1933 en Yorkshire, Inglaterra, donde su padre era propietario de varios teatros y su madre, pianista.
Barry empezó a estudiar piano a los nueve años y más tarde aprendió trompeta y estudió orquestación. A los dieciocho, se enroló en el ejército británico y sirvió en la banda militar cuando estaba destinado en Egipto y Chipre, donde siguió un curso de arreglos por correspondencia.
Tras su licenciamiento, formó su propio grupo instrumental, los John Barry Seven, que tocaban lo que se ha descrito como música influida por el jazz, el blues y el rock ‘n’ roll. El grupo tuvo varios éxitos y también acompañó al cantante Adam Faith. Cuando Faith apareció en la película ‘Beat Girl’, Barry se encargó de la banda sonora.
Barry, cuyo trabajo en el teatro incluye los musicales ‘Billy’ y ‘Brighton Rock’, fue inducido en el Songwriters Hall of Fame en 1998. Al año siguiente, fue nombrado oficial de la Orden del Imperio Británico.
Barry se divorció tres veces. Le sobreviven su esposa durante 33 años, Laurie, cuatro hijos y cinco nietos.
15 de febrero de 2011
1 de febrero de 2011
©los angeles times
traducción mQh

Murió Georgia Carroll Kyser

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Modelo, actriz, cantante.

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Murió el viernes en Chapell Hill, Carolina del Norte, Georgia Carroll Kyser, modelo de pasarela en los años treinta y cuarenta que se convirtió en actriz y cantante en la big band de su marido Kay Kyser. Tenía 91 años.
No se reveló la causa de su muerte.

Nacida el 18 de noviembre de 1919 en Blooming Grove, Texas, Georgia Carroll empezó a cantar, bailar y actuar cuando era niña. Fue modelo de pasarela a media jornada en los grandes almacenes Neiman Marcus en Dallas y posó, a los dieciséis, para la estatua de ‘The Spirit of the Centennial’ para la Exposición del Centenario de Texas de 1936 en los parques de atracciones de Dallas.
Al año siguiente, firmó con la agencia de modelaje John Robert Powers en Nueva York y pronto estaba posando para la cubierta de Redbook. Apareció en las portadas de Vogue, Cosmopolitan, Ladies’ Home Journal y otras revistas y fue fotografiada por Edward Steichen y Horst P. Horst.
Se mudó a Hollywood en 1941 y fue contratada por Warner Bros.
Dos años después se convirtió en la vocalista de Kay Kyser, el director de banda, para un programa radial llamado ‘The Kollege of Musical Knowledge’. Apareció en catorce películas, incluyendo ‘Around the World’ y ‘Carolina Blues’ con Kay Kyser.
En 1944, durante una pausa de los espectáculos de USO para divertir a las tropas, la pareja se casó en Las Vegas.
Al cabo de unos años, Georgia abandonó el mundo del espectáculo para dedicarse a su familia, y Kay dejó su programa de televisión semanal. Se mudaron de Beverly Hills a Chapel Hill, donde Kay se convirtió en un seguidor de la Ciencia Cristiana y Georgia en ama de casa.
También se interesó en la conservación histórica y en la defensa del arte. Estudió  arte en 1970 en la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill. Algunos años después participó en la fundación de la Chapel Hill Preservation Society.
En 1982 su marido fue nombrado presidente de las Iglesias de la Ciencia Cristiana en todo el mundo. Murió en 1985. Le sobreviven, entre otros, dos hijas y cinco nietos.
1 de febrero de 2011
20 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Paul Picerni

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Prolífico actor de carácter.

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Murió el 12 de enero, tras un ataque al corazón, en su casa en la comunidad Antelope Valley, Llano, el prolífico actor Paul Picerni, que fue una de las estrellas de la serie de televisión ‘Los intocables’ [The Untouchables] y estuvo en el reparto de la película de horror de 1953, ‘La casa de cera’ [House of Wax], informó su hija Maria. Atkinson-Bates. Fue declarado muerto en el Centro Médico Regional Palmdale. Tenía 88 años.
Picerni fue el agente Lee Hobson, colega de Eliot Ness (Robert Stack). La serie ‘Los intocables’ fue emitida por ABC de 1959 a 1963. Picerni se incorporó al reparto en la segunda temporada.
Fue una presencia familiar en televisión, con apariciones en series como ‘Kojak’, ‘Barnaby Jones’, ‘Mannix’ y ‘Perry Mason’ y tuvo papeles desde mediados de los años cuarenta.

Picerni nació el 1 de diciembre de 1922 en Corona, Nueva York. Fue artillero durante la Segunda Guerra Mundial y se licenció en bellas artes en la Universidad de Loyola en Los Angeles en 1950, después de haber actuado en varias producciones universitarias.
‘La casa de cera’, con Vincent Price en el papel protagónico, fue el primer largometraje en tres dimensiones de un estudio importante, contó el guionista Tom Weaver, que colaboró con Picerni en el libro ‘Steps to Stardom: My Story’, de 2007. Picerni fue Scott Andrews, un joven escultor que era el novio de Sue Allen (Phyllis Kirk).
Entre otras películas de Picerni se encuentran ‘Camino de la venganza’ [The Scalphunters] en 1968 y ‘Aeropuerto’ [Airport] en 1970. Picerni fue el maestro de ceremonias de medio tiempo en los partidos de Los Angeles Rams en el Coliseo durante treinta años.
1 de febrero de 2011
18 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Susannah York

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La actriz alcanzó la fama en los años sesenta.

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[Keith Thursby] Murió el sábado, de cáncer, en el Royal Marsden Hospital de Londres, la actriz británica Susannah York, comunicó su hijo el actor Orlando Wells a la Associated Press. Tenía 72 años.
York trabajó en cine, en teatro y en televisión, pero es quizá mejor conocida por una serie de películas, entre las cuales ‘Tom Jones’, de 1963, y ‘Un hombre para la eternidad’ [A Man for All Seasons; Un hombre de dos reinos], de 1966.
"Era una talentosísima actriz que maduró en un periodo particularmente fructífero en el cine y en el teatro británicos", dijo al Times el crítico de cine Leonard Maltin. "Poseía una gran sensibilidad y versatilidad".
‘Baile de ilusiones’ [They Shoot Horses, Don’t They?; Danzad, danzad, malditos], es la historia de unos concursantes en una maratón de baile. Charles Champlin, jefe de espectáculos del Times en la época, se refirió a la película como "una versión sombría e implacable" de la vida durante los momentos más duros de la Gran Depresión.
York fue nominada como mejor actriz secundaria por su retrato de Alice, una desesperada imitación de una estrella del cine de la época: Jean Harlow. El reparto de la película incluía a Jane Fonda, que fue nominada como mejor actriz, y Gig Young, que fue nominado como mejor actor secundario.
En su libro ‘The New Biographical Dictionary of Film’, el autor David Thompson llamó a York "la rosa inglesa de un jardín más salvaje" que otras actrices británicas.
Después de todo, se hizo famosa durante los tumultuosos años sesenta. Olga Craig, en el Sunday Telegraph de Londres en 2001, dijo que la "despampanante belleza" de York era, "con Julie Christie y Sarah Miles, uno de los rostros más representativos" de los años sesenta.

Nació como Susannah Yolande Fletcher el 9 de enero de 1939. Su madre se casó en segundas nupcias y la familia se trasladó de Inglaterra a Escocia. Después de estudiar en el Academia Real de las Artes Dramátricas consiguió su primer papel importante en la película ‘Whisky y gloria’ [Tunes of Glory], de 1960, con Alec Guinness y John Mills.
Entre sus otros roles durante la década, se encuentra su retrato de una lesbiana en el drama ‘El asesinato de la hermana George’ [The Killing of Sister George], de 1968.
"Al principio me horrorizaba ser clasificada como muy correcta, muy recatada", dijo al Sunday Telegraph. "Me horrorizaba la idea de que la gente pensara que era aburrida. Pero la verdad es que era un poco rebelde".
En 1972 York fue reconocida como mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes por su papel en la película policial ‘Imágenes’ [Images]. Maltin dijo que el papel de York como una mujer atormentada había sido un "gran logro de colaboración" con el director Robert Altman. En ‘Superman’ (1978), fue por primera vez la madre del héroe, con Marlon Brando como el padre de Superman.
También escribió dos libros de cuentos para niños.
Su trabajo en el teatro incluyó su espectáculo unipersonal, ‘The Loves of Shakespeare’s Women’, que ofreció en varias ciudades estadounidenses, incluyendo Los Angeles, en 2005.
"Como joven actriz, me rebelaba contra la atención que prestaban a mi apariencia", contó York al Sunday Telegraph en 2001. "Quería ser reconocida por mi talento. En realidad, realmente nunca vi a nadie especialmente bella mirándome de vuelta en el espejo".
Además de su hijo, la sobreviven su hija Sasha y dos nietos, de acuerdo a informes en la prensa británica. Se había divorciado de Michael Wells.
23 de enero de 2011
17 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh