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Murió Arthur Laurents


Dramaturgo. Director en Broadway.
[Dennis McLellan] Murió el jueves el dramaturgo Arthur Laurents, ganador de un Tony y director de teatro que escribió los libretos de los clásicos musicales de Broadway, ‘Amor sin barreras’ [West Side Story] y ‘Gypsy, la reina del vaudeville’ [Gypsy] y escribió más tarde las taquilleras películas ‘Tal como éramos’ [The Way We Were] y ‘Paso decisivo’ [The Turning Point]. Se cree que tenía 93 años.
Laurents murió durmiendo en su casa en Nueva York, convaleciente tras una corta enfermedad, informó su agente Jonathan Lomma.
Por su trabajo en Broadway durante más de seis décadas, Laurents recibió dos premios Tony: en 1968 como autor del libreto del mejor musical ‘Hallelujah, Baby!’ y en 1984 como mejor director del musical ‘La jaula de las locas’ [La Cage aux Folles].
Pero es mejor conocido por escribir los libretos de ‘Amor sin barreras’ y ‘Gypsy, la reina del vaudeville’, que fueron ambos nominados a un Tony como mejor musical y fueron más tarde llevados a la pantalla.
‘Amor sin barreras’, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim, era una historia de amor a lo Romeo y Julieta contemporáneo en el mundo de pandillas rivales de Nueva York. Estuvo en Broadway de 1957 a 1959.
Le siguió ‘Gypsy’, "una fábula musical sugerida" por las memorias de la gitana striptisera Rose Lee y centrada en su madre, Rose (Ethel Merman). ‘Gypsy’ estuvo en cartelera en Broadway de 1959 a 1961.
"El mejor musical en años", deliró el crítico de teatro de la New York Herald Tribune, Walter Kerr, que describió el libreto del musical como "un nocáut neto".
"Creo que el libreto de ‘Gypsy’ es probablemente el mejor libreto en la historia de los musicales de Broadway", dijo Miles Kreuger, presidente del Instituto del Musical Americano de Los Angeles, haciéndose eco de una opinión ampliamente compartida.
"Tiene el carácter, el aire de la época de los varios estilos dramáticos de entonces -es un libro sorprendente", dijo Kreuger al Times en 2009. "Te sientes realmente transportado al mundo del vaudeville y del burlesque de segunda categoría. Es asombroso que ese guión lo logre. Y fue un gran, gran vehículo para Ethel Merman".
‘Gypsy’, dijo más tarde Laurents sobre el espectáculo con música de Jule Styne y letras de Sondheim, giraba sobre "la necesidad de reconocer... una necesidad que todos tenemos".
Laurents, nativo de Brooklyn, inició su carrera en Broadway en 1945 con ‘Home of the Brave’ [Regreso al infierno], un drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial sobre el antisemitismo en las fuerzas armadas. La obra -de muy corta vida- fue llevada al cine en una producción de Stanley Kramer en 1949 en la película del mismo título sobre el racismo.
Entre las otras obras de Laurents se encuentran ‘The Time of the Cuckoo’, una comedia de 1952 que hizo ganar a Shirley Boothel el Tony a la mejor actriz. Una historia romántica de una solitaria solterona estadounidense que vive un romance en Italia, la obra fue llevada al cine en 1955 en una película titulada ‘Locuras de verano’ [Summertime], con Katharine Hepburn en el rol estelar; y más tarde Laurents la adaptó en el musical de Broadway ‘Do I Hear a Waltz?’, de 1965.
Como director de Broadway, Laurents también fue reconocido por ‘I Can Get It for You Wholesale’, una comedia musical de 1962 que marcó el debut en Broadway de la veinteañera Barbra Streisand.
Y fue nominado a un Tony por el revival en Broadway de ‘Gypsy’, en 1974, con Angela Lansbury en el rol principal y el revival de 2008 con Patt LuPone en el rol estelar.
El menudo escritor y director, que fue una vez descrito como un "hombre pequeño, compacto, que parece un cruce entre un senador romano y un instructor de gimnasia", tenía la reputación de ser "difícil".
"Dicen que soy malo", reconoció en una entrevista con el Times en 1984, cuando disfrutaba del aplastante éxito del musical ‘La jaula de las locas’.
"Lo dicen por dos razones", dijo. "Yo era malo... Pienso demasiado rápido, hablo tan rápido como pienso y soy a menudo corrosivo. Pero digo cosas malas para defenderme. La gente que se siente ofendida no se da cuenta de que yo tengo un conjunto muy desarrollado de defensas. Pero aguanto a los idiotas y a los aficionados. Lo que me cuesta es reputación, así que...".

Hijo de un padre abogado y una madre maestra, Laurents nació como Arthur Levine -"lo cambié para encontrar trabajo", dijo a New York Magazine en 2009- en Brooklyn un 14 de julio. Los archivos históricos registran 1917 y 1918 como su fecha de nacimiento.
"Mi padre era humanista, un gran hombre; la rabia la heredé de mi madre", dijo al Times en 2000. "Ella era socialista y atea hasta que conoció a mi padre, y entonces se convirtió en una judía con venganza".
De niño, Laurents se sentía fascinado con el teatro y para cuando tenía diez, ya sabía que quería ser escritor.
Después de estudiar inglés en la Universidad de Cornell en 1937, escribió guiones para programas radiales como el ‘Lux Radio Theater’.
Reclutado por el ejército en 1941 antes de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor, pasó sus cinco años en el ejército escribiendo películas de adiestramiento y radioteatros para el programa ‘Armed Service Force Presents’.
Como guionista en Hollywood durante unos años después de su debut en Broadway en 1945, Laurents rescribió la problemática adaptación al cine de ‘Nido de víboras’ [The Snake Pit], un drama de 1948 sobre el colapso mental de una mujer con Olivia de Havilland en el rol estelar, pero no apareció en los créditos.
También escribió el guión de la película de suspenso de Alfred Hitchcock, ‘Festín diabólico’ [Rope; La soga], de 1948. También escribió los guiones de ‘Anastasia’ (1956), ‘Buenos días, tristeza’ [Bonjour Tristesse] (1958), ‘Tal como éramos’ (1973) y ‘Paso decisivo’ (1977).
Cuando vivía en Hollywood a fines de los años cuarenta, Laurents empezó una aventura con Farley Granger, una de las estrellas de ‘Festín diabólico’. (Granger murió en marzo, a los 85 años.)
En su libro de memorias ‘Original Story By: A Memoir of Broadway and Hollywood’, de 2000, Laurents habló francamente sobre su homosexualidad, su tiempo en la lista negra de Hollywood y sus relaciones personales con numerosas leyendas de Hollywood y Broadway.
Como escritor, Laurents ambientó en la era de McCarthy su ‘Tal como éramos’, la exitosa película de 1937 con Streisand y Robert Redford en los roles estelares u su obra ‘Jolson Sings Again’, de 1995.
En 2009 volvió a Broadway como director de un revival de ‘Amor sin barreras’ (dirigida y coreografiada originalmente por Jerome Robbins, que también dirigió la primera ‘Gypsy’) y publicó su libro ‘Mainly on Directing’.
Laurents no perdió nunca su pasión por el teatro.
"Todavía creo que el sentimiento más maravilloso es caminar por el pasillo de un teatro cuando empieza la obertura de un musical y aún no suben las cortinas y estás loco por ver la magia que se esconde detrás", dijo al diario Asbury Park Press de Nueva Jersey en 1999.
En 1955, Laurents conoció al joven actor Tom Hatcher cuando este era manager de una tienda masculina de Beverly Hills. Estuvieron juntos hasta la muerte de Hatcher, a causa de un cáncer al pulmón, en 2006.
"Tuve la vida más maravillosa que se puede vivir con otra persona", dijo Laurents en el programa ‘Sunday Morning’ de la estación CBS en 2009. "Estoy orgulloso de eso. Es un logro. Porque la mayoría de la gente se separa. Y nosotros nunca lo hicimos".
11 de mayo de 2011
6 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Marie-France Pisier


Actiz francesa.
[Keith Thursby] Murió Marie-France Pisier, actriz francesa que fue descubierta de adolescente por el director de la Nueva Ola, François Truffaut, y llegó a ser la actriz principal en películas como ‘Primo, prima’ [Cousin, Cousine] y ‘Amor entre espías’ [Love on the Run], de Truffaut. Tenía 66 años.
El cuerpo de Pisier fue descubierto el 24 de abril por su marido, Thierry Funck-Brentano, en la piscina de su casa en Saint-Cyr-sur-Mer, France, de acuerdo a la agencia de prensa francesa, Agence France-Presse. No se conoce la causa de su muerte, pero no se sospecha de la intervención de terceros, dijeron las autoridades.
Truffaut dirigió a Pisier en su primera película, ‘Antoine and Colette’, con Jean-Pierre Leaud, una película corta que es parte de ‘El amor a los veinte años’ [Love at Twenty], de 1962. Pisier y Laud representaron a los mismos personajes en la película ‘Amor entre espías’, de 1979.
"Un amigo le envió mi fotografía y al término del año escolar se acercó y me dijo: ‘¿Quieres trabajar conmigo en una película?’", le contó al New York Times en 1982 sobre su encuentro con Truffaut. "Se ponía nervioso ante una colegiala. Era muy divertido".
Su carrera también incluyó papeles con famosos cineastas, como en ‘El fantasma de la libertad’ [The Phantom of Liberty], de Luis Buñuel, de 1974, y en ‘Barocco’, de André Techine, de 1976. Pisier también escribía y dirigía.

Pisier nació el 10 de mayo de 1944 en Dalat en lo que era entonces la Indochina francesa, donde su padre era un gobernador colonial. Tenía doce años cuando su familia se mudó a París.
El éxito de la película ‘Primo, prima’ del director Jean-Charles Tacchella, de 1975, le abrió las puertas de Hollywood, pero la mayor parte de sus papeles no estuvieron a la altura de la calidad de su trabajo en Francia.
"Sé que hubo malos comentarios, pero me divertí mucho en esos roles", le dijo al New York Times en 1981 sobre ‘El otro lado de la medianoche’ [The Other Side of Midnight], la mal recibida película de 1977, basada en la novela de Sidney Sheldon. "Yo había trabajado en Francia en la familia de la vanguardia. Después de un tiempos quieres apartarte de tu familia. De cualquier modo, aprendí que puedes ser una buena actriz incluso en una mala película".
6 de mayo de 2011
2 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió William Campbell


Actor de cine y televisión.
[Keith Thursby] Murió William Campbell, veterano actor que tuvo memorables roles en la serie de televisión ‘Viaje a las estrellas’ [Star Trek], apareció en la primera película de Elvis Presley y en los años cincuenta se casó con la amante del presidente Kennedy, Judith Campbell Exner. Tenía 87 años.
Campbell falleció el viernes, por causas naturales, en el hospital del Fondo de Cine y Televisión [Motion Picture & Television Fund] en Woodland Hills -informó la portavoz del fondo, Jennifer Fagen.
En los años cincuenta y sesenta fue un solicitado actor de cine y televisión. Debutó con ‘Punto de ruptura’ [The Breaking Point], una película de los años cincuenta, y cantó con Presley en ‘Elvis ha salido del edificio’ [Love Me Tender], de 1956.
Otros roles de Campbell incluyen ‘Escrito en el cielo’ [The High and the Mighty] en 1954, ‘Celda 2455, Pabellón de la muerte’ [Cell 2455 Death Row] en 1955, ‘Los desnudos y los muertos’ [The Naked and the Dead] en 1958, ‘Demencia 13’ [Dementia 13], con el director Francis Ford Coppola en 1963 y ‘Canción de cuna para un cadáver’ [Hush … Hush, Sweet Charlotte] en 1964.
Campbell apareció en todos los episodios de ‘Viaje a las estrellas’ de las dos primeras temporadas de la serie original, en la que fue un guerrero Klingon en el episodio de la segunda temporada ‘The Trouble With Tribbles’. Volvió al rol en un episodio de ‘Star Trek: espacio profundo 9’ [Star Trek: Deep Space Nine], de 1994. Entre sus otras apariciones en televisión se encuentra su rol estelar en ‘Cannonball’, una serie sindicada de media hora que empezó en 1958.

Campbell naicó en Newark, Nueva Jersey el 30 de octubre de 1923, de acuerdo a archivos públicos y al Fondo de Cine y Televisión. Según varias fuentes, nació en 1926.
Sirvió en el Pacífico, con la Armada, durante la Segunda Guerra Mundial.
Campbell conoció a Exner, entonces Judith Immoor en una fiesta en 1952 cuando ella pertenecía a la elite joven de Hollywood, contó al Times en 1975. Se casaron ese año y se divorciaron en 1958. Ella murió en 1999.
Una comisión del Senado que investigaba presuntas conspiraciones para cometer asesinatos de la CIA dio a conocer detalladas conversaciones telefónicas entre Kennedy y "una amiga íntima". Exner llamó a una rueda de prensa después de que se filtrara su identidad.
Dijo que su relación con Kennedy era "íntima, de naturaleza personal" y que también había tenido una relación personal con el mafioso Sam Giancana.
"Los amigos comunes que teníamos los podías contar con los dedos de una mano", dijo Campbell sobre su ex esposa en un artículo del Times de 1975. "No sé cómo conoció al presidente".
Durante y después de su carrera actoral, Campbell pasó muchos años trabajando con el Fondo de Cine y Televisión, también como su jefe recaudador.
Le sobreviven su esposa Tereza, con la que se casó en 1963.
2 de mayo de 2011
1 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Michael Sarrazin


Actor canadiense.
[Claire Noland] Murió el domingo en un hospital de Montreal el actor canadiense Michael Sarrazin, que actuó con Jane Fonda en la película ‘Baile de ilusiones’, de Pollack, en 1969 -informó su agente Michael Oscars. Tenía 70 años.

Nacido el 22 de mayo de 1940, en Quebec, Sarrazin creció en Montreal y empezó a actuar en la escuela secundaria. Llegó a Hollywood a mediados de los años sesenta después de firmar un contrato con Universal.
Apareció en una ráfaga de películas, empezando con ‘Justicia en Abilene’ [Gunfight in Abilene], con Bobby Darin, y ‘Un fabuloso bribón’ [The Flim-Flam Man; El amable estafador], con George C. Scott, de 1967. Al año siguiente, Sarrazin apareció en ‘Un dulce paseo’ [The Sweet Ride], con Jacqueline Bisset, y empezaron una relación que duró varios años.
Sarrazin había sido aproximado para el papel de Joe Buck en ‘Perdidos en la noche’ [Midnight Cowboy; Cowboy de medianoche], pero lo perdió ante Jon Voigt cuando los productores de la película no aceptaron las demandas de Universal por prestar a Sarrazin.
Como consecuencia, labró su momento más duradero en el cine como el triste niño granjero Robert en ‘Baile de ilusiones’ [They Shoot Horses, D’ont They?], el apasionante drama de personajes desesperados en una maratón de baile de los años treinta que fue nominado a nueve premios Oscar.
"Me podrías haber pagado un dolar a la semana para trabajar en eso", dijo Sarrazin en una entrevista con el Toronto Star en 1994. "Te llega de repente; todavía me emociono cuando la miro.
"Estuvimos trabajando tres o cuatro días seguidos sin dormir... Pollack dijo que teníamos que trabajar hasta que mostráramos síntomas de fatiga. Había peleas entre los hombres; las mujeres empezaron a llorar".
Entre las películas más recientes de Sarrazin se encuentran ‘Casta invencible’ [Sometimes a Great Notion] (1970), ‘En busca de la felicidad’ [The Pursuit of Happiness] (1971), ‘El juez de la horca’ [The Life and Times of Judge Roy Bean] (1972), ‘Harry Dedos Largos’ [Harry in Your Pocket] (1973), ‘¿Qué diablos pasa aquí? [For Pete’s Sake; Qué pasa, Bárbara] (1974), ‘Locos al volante’ [The Gumball Rally] (1976) y ‘Vidas turbulentas’ [Joshua Then and Now] (1985).
Aparecía frecuentemente en televisión y cosechó reseñas positivas por la película para la televión, ‘Frankenstein: la verdadera historia’ [Frankenstein: The True Story], de 1973. Su último papel lo tuvo en la película para la televisión, ‘El coro de Navidad’ [The Christmas Choir], de 2008.
Sarrazin volvió a Montreal hace ya algunos años para estar más cerca de su familia.
Le sobreviven sus hijas, Michelle y Catherine, y su hermano Pierre, un productor.
30 de abril de 2011
19 de abril de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Kevin Jarre


Guionista de ’Tiempos de gloria’ y ’La leyenda de Wyatt Earp’.
[Valerie J. Nelson] Murió inesperadamente, el 3 de abril en su casa en Santa Mónica, por insuficiencia cardiaca, el guionista experto en la historia de Estados Unidos que escribió ‘Tiempos de gloria’ [Glory], la saga de la Guerra Civil, y la película de vaqueros ‘La leyenda de Wyatt Earp’ [Tombstone] -informó su tía Patty Briley Bean. Tenía 56 años.
Jarre se describía a sí mismo como un "obseso con la Guerra Civil" desde su infancia, cuando para Navidad recibía soldados de juguete de la época.
Su interés en el Massachusetts 54, regimiento que fue una de las primeras unidades negras durante la Guerra Civil, fue despertado cuando un amigo, Lincoln Kirstein, observó que una fotografía de Jarre a caballo se parecía a una estatua del coronel Robert Gould Shaw, el comandante blanco del regimiento.
Investigando al 54, Jarre leyó las cartas del coronel y dos libros, ‘Lay This Laurel’, de Kirstein, y ‘One Gallant Rush’, de Peter Burchard, que se convirtieron en sus principales fuentes para la película ‘Tiempos de gloria’ [Glory], de 1989.
"Nunca pensé que alguien se interesaría en el guión", dijo Jarre al Times en 1990. "¿Una épica de la Guerra Civil, sobre gente negra? Pero estaba muy comprometido con la historia... Solía llorar cuando terminaba de escribir".
Inicialmente el guión provocó polémica y fue calificado de racista, en parte "porque Jarre es blanco y en parte porque es claro y las caracterizaciones no son invariablemente idealizadas", escribió Charles Champlin, el entonces editor de arte del Times, en 1990.
‘Tiempos de gloria’, dirigida por Edward Zwick, ganó tres premios Oscar, incluyendo una para el actor Denzel Washington. La reseña del New York Times elogió el "buen guión" de Jarre.
Su guión para ‘La leyenda de Wyatt Earp’, de 1990, "fue la primera vez que alguien trató de presentar a Wyatt Earp enteramente", dijo al Times, en 1994, Kurt Russell, que fue Earp en la película.
Val Kilmer, fue representó a Doc Holliday en la película, dijo que guión era "uno de los mejores que he leído en mi vida", informó el Portland Oregonian en 1996.
Contratado para dirigir ‘La leyenda de Wyatt Earp’, Jarre fue retirado como director tras apenas seis semanas en el cargo. Su atención a los detalles "puede haber resultado en detalles atmosféricos", pero también lo han aminorado como director, dijo el Times en 1994.
La película de vaqueros cosechó reseñas tibias, aunque fue un éxito de taquilla.
"Era un narrador fabuloso", dijo su tía, " y conocía la historia de casi todo".

Jarre nació el 6 de agosto de 1954 en Detroit y se mudó a Los Angeles a principio de los años sesenta, con su madre, Laura Devon, actriz que debutó en el cine en ‘Adiós, Charlie’ (1964).
Sus padres se divorciaron, y vivió un tiempo con su padre en Wyoming.
En los años sesenta, Jarre tuvo pequeños papeles en la serie de televisión ‘Flipper’, con Brian Kelly, entonces casado con su madre. Luego se casó con el compositor Maurice Jarre, que adoptó a Kevin.
Entre otros guiones de Jarre se encuentran ‘Rambo acorralado’ [Rambo: First Blood Part II] (1985), ‘La sombra del diablo’ [The Devil’s Own] (1997) y ‘La momia’ [The Mummy] (1999).
Fue productor y actor ocasional. En ‘Tiempos de gloria’ tuvo un pequeño papel como un soldado blanco que busca pelea. Cuando el regimiento se dirige al campo de batalla, grita: "Mándenlos al infierno, regimiento 54".
Además de su tía, le sobreviven sus primos.
28 de abril de 2011©
22 de abril de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Arthur Marx


Escritor. Guionista. Novelista. Biógrafo de famosos. Hijo de Groucho.
Murió Arthur Marx, veterano guionista de televisión, biógrafo de famosos y memorialista que escribió extensamente sobre su a menudo irritable padre, el legendario comediante Groucho Marx. Tenía 89 años y murió el jueves, por causas naturales, en su casa en Los Angeles -informó su hijo Andy.
Marx era el único hijo de Groucho, el que, con sus exageradas cejas, mostacho y dominio del rápido ninguneo, fue el miembro más prominente de los Hermanos Marx.
"Su padre no estuvo nunca lejos de él", dijo el actor Frank Ferrante, que representó al icónico comediante en la producción en off-Broadway ‘Groucho: A Life in Revue’, escrita por Marx y Robert Fischer, en 1986-87. "Groucho proyectaba una enorme sombra. Pero Arthur hizo carrera propia, la que fue bastante impresionante".
Siguiendo los consejos de su padre, Marx se convirtió en escritor en lugar de actor, escribió una novela y varios guiones antes de concentrarse en guiones para populares series de televisión, como ‘McHale’s Navy’ y ‘Mis tres hijos’ [My Three Sons], y biografías de personajes clásicos de Hollywood, como Samuel Goldwyn, Red Skelton, Bob Hope y Mickey Rooney.
Aunque se forjó su propia carrera, "su tema favorito fue siempre su papá", dijo el escritor Robert S. Bader, historiador de los Hermanos Marx.
Además de su obra en off-Broadway, que Marx también dirigió, escribió los libros ‘Mi vida con Groucho’ [Life With Groucho] (1954); ‘Hijo de Groucho’ [Son of Groucho] (1972), cuya cubierta mostraba a Marx saliendo de la cabeza de Groucho; y una versión combinada y actualizada de los dos primeros tomos titulada ‘My Life With Groucho’ (1992). También menciona a su padre en ‘Not as a Crocodile’ (1958), una colección de historias sobre su familia, y mostró cándidas fotografías de él en ‘Arthur Marx’s Groucho: A Photographic Journey’ (2003).
Su padre y tíos inspiraron una pieza de Broadway en 1970, ‘Minnie’s Boys’, escrita con Fisher.
Los libros de Marx retrataban a su padre como un hombre mezquino con sus emociones y que una vez amenazó con llevarlo a juicio. En los últimos años de vida de su padre, Marx se convirtió en la figura central detrás de un exitoso litigio para recuperar el control de los asuntos de Groucho, que estaban en manos de su compañera durante sus últimos años, Erin Fleming.

Nacido en Nueva York el 21 de julio de 1921, Marx era el segundo de los tres hijos de Groucho y su primera esposa, Ruth Johnson. De niño acompañó a menudo a su padre y sus tíos Harpo, Chico y Zeppo cuando salían de gira con su espectáculo de vaudeville. Se mudó a Los Angeles con su familia a principio de los años treinta.
Marx estudió en la Universidad de Carolina del Sur durante un año antes de enrolarse en la Guardia Costera en 1942 y sirvió en Filipinas durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, trabajó como lector para MGM. Sus primeros guiones incluyen varias películas en la serie ‘Blondie’, incluyendo ‘Blondie in the Dough’ (1947).
Hizo su debut como novelista en 1950 con ‘The Ordeal of Willie Brown’, basada en sus experiencias como un talentoso jugador de tenis en los años treinta y principio de los cuarenta. Groucho "recomendaba romperla", recordó Marx en una entrevista con el Times en 1986.
Su padre aborreció mucho más su siguiente libro, ‘Mi vida con Groucho’. Padre e hijo dejaron de hablarse, y se comunicaban a través de los abogados.
Cuando el libro fue aceptado para ser publicado por entregas en el Saturday Evening Post, Marx le pasó a su padre las pruebas de impresión. Groucho las rellenó de correcciones y las entregó a su hijo. "Le dije: ‘Gracias. Me encargaré’, y camino a casa, las arrojé a un tacho de basura", recordó Marx en una entrevista de 2003. Contó luego que su padre nunca supo la diferencia y terminó promoviéndolo en su popular programa de preguntas, ‘You Bet Your Life’.
Ninguna de las biografías que escribió fueron autorizadas, contó Marx, porque "los famosos nunca dicen la verdad, al menos no toda la verdad". Quería tener libertad para mostrar algunas de sus verrugas, como en ‘The Secret Life of Bob Hope’ (1993), en el que sostuvo que el popular artista había "hecho el amor con mujeres más bellas que Errol Flynn, mi tío Chico y Bing Crosby combinados".
Marx escribió en colaboración con Fisher varias películas de Hope, incluyendo ‘Ocho en fuga’ [Eight on the Lam] y ‘Lecciones de amor en Suecia’ [I’ll Take Sweden]. Con Fisher escribió también la exitosa comedia de Broadway ‘The Impossible Years’, de 1965, con Alan King -que fue adaptada en 1968 para una película con la actuación estelar de David Niven.
Empezó a escribir para la televisión en 1960 con un episodio de ‘General Electric Theater’. Trabajó en ese medio consistentemente durante las siguientes tres décadas, escribiendo para comedias como ‘Petticoat Junction’, ‘Love, American Style’ y ‘Alice’.
Dijo que lamentaba no haberse acercado a su padre en los últimos días de la vida de Groucho, pero creía que se había ganado el respeto del viejo.
"Mi padre fue a Broadway a ver mi obra ‘The Impossible Years’", contó a la Associated Press doce años después de la muerte de Groucho en 1977. "Por supuesto yo le había pedido a la cajera que le diera entradas gratis. La chica empezó a ponérselo difícil, y le dijo: ‘No sabes quién soy? ¡Soy el hijo de Arthur Marx!’"
Su primer matrimonio terminó en divorcio. Además de su hijo Andy, a Marx le sobreviven su segunda esposa, Lois; su hijo Steve; una hijastra Linda; sus dos hermanas Miriam y Melinda; y cuatro nietos.
24 de abril de 2011
15 de abril de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Osvaldo Miranda


A los 95 años, murió el legendario actor Osvaldo Miranda. En más de 50 años de trayectoria, participó en 60 películas y ganó 40 premios. Quedará en el recuerdo como aquel Roberto Cantalapiedra de la serie ‘Mi cuñado y yo’.
[Alina Mazzaferro] Se baja el telón para un grande del teatro, el cine, la televisión... y la vida. El gran señor de la comedia argentina, galán y porteño de ley, Osvaldo Miranda, murió ayer por la mañana a los 95 años a causa de un paro cardiorrespiratorio no traumático en su casa de Buenos Aires, donde permanecía bajo internación domiciliaria. Con más de 50 años de trayectoria, el actor, que participó en 60 películas y ganó 40 premios, quedará en el recuerdo de su público como aquel Roberto Cantalapiedra de la serie ‘Mi cuñado y yo’ o como el padre de Marilina Ross en la ficción ‘La nena’, entre tantos otros personajes de TV, cine y teatro. Recorrer la vida de Miranda significa transitar la historia del Buenos Aires de los años ’30, de sus barrios y sus personajes.

Nació el 3 de noviembre en Villa Crespo –Malabia y Loyola–, en la primavera de 1915. Con sólo 12 años perdió a su padre, por lo que debió convertirse, de pronto y a los golpes, en el "hombre de la casa". Era el hijo de una española no muy "abierta de mente", que quería que Osvaldito la ayudara con el almacén. Sin embargo, el joven ya tenía un sueño: quería ser cantor de tangos, y se escapaba de su casa a cantar en bares y en la radio. Por supuesto, para que su madre no lo descubriera, debió cambiar su apellido –en verdad se llamaba Mathon– y así nació el artista-Osvaldo Miranda.
Se hizo actor casi sin darse cuenta, en el barrio en el que pasó su juventud –Villa Urquiza– cantando y actuando en los clubes, en La Siberia (como llamaban a la zona de avenida Constituyentes) y en la Estancia de Saavedra. Antes de considerar al teatro como una profesión, Miranda fue mecánico, niquelador, tejedor y de todos los empleos fue echado por su falta de atención. Porque a él le gustaba "lo otro": el escenario. El almacén de su mamá finalmente se fundió "por fiar con libreta", pero Osvaldo salió adelante con la actuación. Volvía todas las noches del centro hasta su casa de Villa Urquiza en el tranvía 96 que lo dejaba a 14 cuadras, siempre durmiendo en el camino, porque sabía que se bajaba al final del recorrido. Más tarde alquiló una pieza en Lavalle y Montevideo por 12 pesos al mes, donde se quedaba a pasar la noche cuando salía tarde de trabajar o llovía. Fue un caballero de proverbial elegancia, un flaneur de la noche, yendo de la tanguería al teatro o al cabaret. Allí estaba siempre firme en la rueda del Ateneo –un café de Cangallo y Carlos Pellegrini–, refugio de los actores de la época, que frecuentaban Enrique Muiño, Elías Alippi, Angel Magaña, Homero Manzi, Héctor Méndez y tantos otros.
Miranda empezó cantando tangos con una orquesta en el café Terminal, al lado del Teatro Nacional, de la cual se fue porque al otro cantor le pedían más tangos que a él: era nada más ni nada menos que Ángel Vargas. Sus amigos también eran "del palo": conoció a Aníbal Troilo, pero su entrañable amigo de toda la vida fue Enrique Santos Discépolo. "El fue mucho mi hermano, un poco mi padre y un poco mi hijo. La amistad con Discépolo fue el premio más grande que recibí en mi vida", dijo a una revista porteña en 1997. El 23 de diciembre de 1951, Discépolo moría en los brazos de su hermano del alma: Miranda.
Comenzó su carrera de actor profesional en 1936, junto a la compañía de María Esther Gamas y Mario Fortuna, en la comedia musical ‘Rascacielos’, que se daba en el desaparecido Teatro Boedo, cantando ‘Casas viejas’ y ‘Un jardín de ilusión’. Para esa época vivía en una pensión de la calle Sarmiento y un día sonó el teléfono y lo convocaron para reemplazar a Ricardo Ruiz. Luego vino ‘La canción de los barrios’ y Miranda se instaló como miembro de la compañía. De allí siguió la revista en el Teatro Maipo y el Variedades, hasta que llegó la comedia. Fue Joseph Kenkel, un judío que con la ocupación nazi en Francia no podía volver a su país, quien lo convocó y Miranda decidió abandonar el espectáculo revisteril por la comedia, con la que ganó menos dinero pero más prestigio.
En el cine, su debut fue junto a Tito Lusiardo en ‘Un señor mucamo’, dirigida por el mismo Discépolo en 1940. Le siguieron ‘Cándida millonaria’, con Niní Marshall, y ‘El más infeliz del pueblo’, con Luis Sandrini, en la que también actuaba Eva Duarte. Trabajó de extra en ‘Los muchachos de antes no usaban gomina’, junto a Florencio Parravicini, y años más tarde protagonizó la remake del mismo film –en el papel que Parravinci interpretó otrora– en 1968. El éxito lo llevó a Hollywood a fines de los ’40, de la mano de Fernando Lamas y Roberto Airaldi, para filmar ‘Los vengadores’. En la meca de la industria cinematográfica lo invitaron a quedarse, para practicar inglés, esgrima, natación, todas disciplinas que se les exigían a los actores en la época. Pero Miranda, porteño de corazón, prefirió volver a sus pagos, junto a su madre y su mujer, Amelia Sáez, con la que contrajo matrimonio a los 29 años. "Santa Amelia" la llamaba el galán a quien había sido su secretaria general en los estudios Luminton (esa mujer que les hizo los primeros contratos a Mirtha Legrand y Luis Sandrini) y luego se convirtió en su compañera de vida.
Miranda fue pionero en la televisión argentina, junto a Raúl Rossi, Nelly Prince y Guillermo Brizuela Méndez. En TV protagonizó ‘La comedia de bolsillo’, ‘Tropicana’ y ‘Mi marido y mi padrino’. Sus mayores éxitos televisivos fueron ‘La nena’ –en donde interpretó al padre de Marilina Ross, a quien confesó "querer como a una hija" ya que no tuvo propios– y ‘Mi cuñado y yo’, una idea suya y de su amigo Ernesto Bianco que "le sirvieron en bandeja" a Oscar Viale. Con la remake de ‘Mi cuñado’, que protagonizaron Luis Brandoni y Ricardo Darín, Miranda –que no sólo tuvo la idea del programa, también confesó "que le dictaban letra a los autores"–, no recibió ni un peso. Aun así, el Cantalapiedra original aceptó participar como invitado de uno de los capítulos de la nueva versión, apoyando el emprendimiento.
Era un tipo querible, simple, de barrio. Fanático de las carreras de caballos, del club Atlanta y de Mar del Plata. La Ciudad Feliz lo recibió siempre con los brazos abiertos y allí pasó años haciendo temporadas de ‘Boeing Boeing’, ‘Frutillitas’ ‘Hoy ensayo hoy’, entre tantas obras. Conoció La Habana, Houston, México, Acapulco, pero "ciudad balnearia como Mar del Plata no hay", dijo a la prensa en 1995. "¿Cannes? ¡Si es igual a Playita de los Ingleses!", bromeaba. Mientras estaba en los Estados Unidos ya soñaba con volver para trabajar en ‘Blum’, junto a su amigo Discépolo, un éxito que estrenó en 1949 y duró tres años en cartel. "Pereyra, dejame morir solo", le decía el personaje del autor de ‘Cambalache’ a Miranda. Y sin embargo, Miranda no lo abandonó hasta el último momento. Con la muerte de Discépolo, el actor aceptó integrar la comedia municipal que dirigía Cunill Cabanellas, lo que le permitió recorrer un repertorio argentino y universal. A lo largo de su carrera, Miranda hizo drama, comedia, sainete, clásicos. Desde comedias con Enrique Serrano e Irma Córdoba hasta temporadas con Ernesto Bianco (‘Boeing Boeing’, ‘La dama del Maxim’, ‘Plaza Suite’) y con los Carrera (‘Frutilla’, ‘De noche llegó el doctor’, ‘Tres alcobas’), con quienes compartió la temporada teatral del Odeón de Mar del Plata durante siete años.
En 1986 –luego de participar durante tres años en la obra ‘Hoy ensayo hoy’, con dirección de Rodolfo Graziano–, el galán de María Duval, Zully Moreno, Tita Merello, Irma Córdoba, Niní Marshall y Mirtha Legrand anunció –con 71 años– que se retiraba de su tan querida profesión, "antes de estar cansado y con flojedad de memoria", dijo a la prensa. Sin embargo, en 1997 volvió a las tablas, en una reposición de esta última producción que causó furor, junto a su entrañable compañera Irma Córdoba. Con 50 años de profesión, Miranda ganó más de 40 premios, entre ellos cinco Martín Fierro, el premio Podestá –que le otorgó la Sociedad de Actores por su trayectoria–, el Argentores –otorgado por la Sociedad de Autores–, el Konex al mejor comediante, y la Cruz de Plata Esquiú y el San Gabriel que destacaron la conducción ética del actor. "Traté de dar lo mejor de mí al público que me acompañó durante tantas temporadas y creo haber cumplido en la medida de mis posibilidades", dijo en una de estas oportunidades. En 1996 fue declarado Ciudadano Ilustre de Buenos Aires por "sus aportes a la ciudad y los vecinos", un honor que recibió emocionado y agradeció con palabras premonitorias: "Después de un premio así, uno dice que se puede morir tranquilo. Yo ni pienso, pero si llegara a ocurrir ustedes están de testigos y podrán decir: fue contra su voluntad".
22 de abril de 2011
21 de abril de 2011
©página 12
traducción mQh

Murió Farley Granger


Atractivo actor mejor conocido por sus papeles en películas de Hitchcock.
[Dennis McLellan] Murió Farley Granger, atractivo actor durante el periodo de posguerra en Hollywood que era mejor conocido por sus papeles estelares en las películas de suspense de Alfred Hitchcock, ‘Extraños en un tren’ [Strangers on a Train] y ‘La soga’ [Rope; Festín diabólico]. Tenía 85 años.
Granger murió de causas naturales el domingo en su casa en Manhattan, informó una portavoz de la oficina del forense de la Ciudad de Nueva York.
En una carrera que empezó como adolescente cuando fue descubierto en una producción local por el director de reparto Samuel Goldwyn, Granger debutó en el cine como un joven ruso en la película ‘La estrella del norte’ [The North Star], de 1943.
Fue protagonista de películas como la pieza maestra del cine negro de Nicholas Ray, ‘Los amantes de la noche’ [They Live by Night], de 1949; del drama policial de Anthony Mann, ‘La calle de la muerte’ [Side Street], de 1950; y la saga histórica de Luchino Visconti, ‘Senso’, de 1954.
"Delgado y atractivo, poseía una sensibilidad que podía sugerir tanto el lado oscuro como la vulnerabilidad de sus personajes" escribió el crítico de cine Kevin Thomas, que trabajaba para el Times en 2003.
En la película ‘La soga’ (1948), con James Stewart, Granger y John Dal, representa a dos jóvenes amigos que cometen un homicidio y ocultan el cuerpo en su departamento. El rodaje ininterrumpido durante diez minutos hizo famoso a Hitchcock.
En el clásico de Hitchcock ‘Extraños en un tren’, de 1951, Granger es un campeón de tenis cuyo encuentro casual con un meloso psicópata en un tren amenaza más tarde con destruir no solamente su carrera, sino su vida misma.
"Representaba a héroes sensibles, románticos, a veces condenados al fracaso", dijo Thomas el martes, observando que Granger "tenía gracia y elegancia naturales".
"Era muy popular en ese entonces, un rompecorazones. Las máquinas publicitarias de los estudios estaban en su apogeo, y aparecía en todas las revistas de cine de fines de los años cuarenta y principio de los cincuenta.
Granger recordó sus días como actor principal en su libro de memorias de 2007, ‘Include Me Out: My Life From Goldwyn to Broadway’, lo que incluyó la revelación de que era bisexual. Escribió el libro con Robert Calhoun, su pareja desde principios de los años sesenta.
En el libro Granger describe abiertamente sus romances, juergas y aventuras con hombres y mujeres, incluyendo a las actrices Ava Gardner, Barbara Stanwyck y Shelley Winters, así como el compositor Leonard Bernstein y el dramaturgo Arthur Laurents (que escribió el guión de ‘La soga’).
"Nunca he ocultado nada y nadie me preguntaba nada", dijo Granger a la Associated Press en 2007. "Se supo hace unos diez años, cuando era viejo. Arthur Laurents dio una entrevista en la que me expuso públicamente".

Hijo de un exitoso concesionario de automóviles, Granger nació en San José el 1 de julio de 1925. Después del crash de la bolsa en 1929, la recién empobrecida familia se mudó a Los Angeles, donde Granger fue descubierto a los diecisiete y firmó un contrato de cien dólares a la semana con la compañía Goldwyn.
Después de aparecer en su segunda película, el drama de la Segunda Guerra Mundial, ‘Corazón púrpura’, en 1944, Granger se enroló en la Armada y pasó la mayor parte de su servicio en tiempos de guerra en Hawai.
Varios años después de reanudar su carrera cinematográfica, Granger se sintió incómodo con algunas de sus películas "basura" en las que Goldwyn le exigía aparecer, so pena de suspenderlo sin paga si rechazaba los papeles que le asignaban.
En 1953, Granger compró su contrato con Goldwyn y dejó Hollywood para estudiar actuación y probar suerte en teatro en Nueva York.
"Me costó hasta el último centavo", escribió en su libro, "pero estaba obedeciendo a mi corazón y estaba haciendo lo que tenía que hacer".
Además de papeles esterales en películas como ‘La muchacha del trapecio rojo’ [The Girl in the Red Velvet Swing] y ‘La calle desnuda’ [The Naked Street], Granger pasó la mayor parte de los años cincuenta trabajando en series antológicas para la televisión en vivo como ‘Playhouse 90’ y ‘The United States Steel Hour’.
Más tarde tuvo apariciones ocasionales como actor invitado en series de televisión como ‘Matt Helm’ y ‘El crucero del amor’ [The Love Boat] y en culebrones como ‘Al filo de la noche’ [The Edge of Night] y ‘Una vida para vivir’ [One Life to Live].
Pese a varias actuaciones en Broadway, las giras con el National Repertory Theatre y un premio Obie por su papel en la pieza en off-Broadway ‘Talley & Son’, en 1986, Granger contó al New York Times en 2007 que sus años en el teatro nunca estuvieron a la altura de sus esperanzas.
Analizando retrospectivamente su carrera en una entrevista de 2007 con el diario Star-Ledge, de Nueva Jersey, Granger dijo: "Fue simplemente suerte. Y testarudez. No iba a tolerar que nadie me dijera que no podía hacer esto o lo otro. Eso no me importaba. Simplemente iba a seguir mi propio camino. Estaba determinado a vivir mi propia vida".
Calhoun, pareja de Granger toda la vida, que fue productor ejecutivo de ‘El mundo gira’ [As the World Turns] y ‘La luz que guía’ [Guiding Light], murió en 2008.
11 de abril de 2011
30 de marzo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh