Murió Kerwin Mathews

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[Dennis McLellan] Héroe de películas de fantasía. A los 81.

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Murió Kerwin Mathews, que se hizo con un nicho en la historia del cine como el apuesto héroe que luchó contra cíclopes, un dragón y un esqueleto espadachín en el clásico de fantasía de 1958, ‘Simbad y la princesa' [The 7th Voyage of Sinbad]. Tenía 81 años.
Mathews, mejor conocido por sus películas de fantasía y horror, murió durmiendo en su casa de San Francisco entre la noche del miércoles y la mañana del jueves, dijo Tom Nicoll, su pareja durante 46 años.
Mathews, alto y de pelo negro, trabajaba como actor para la Columbia Pictures cuando fue contratado para ‘Simbad y la princesa', que incluía dibujos animados creados con efectos especiales stop-motion por el legendario Ray Harryhausen.
"Era muy bueno", dijo Harryhausen desde su casa en Londres. "Recibió montones de cartas de fans diciéndole que era el mejor Simbad. Habíamos tenido tres o cuatro diferentes Simbads".
El experto en cine de ciencia ficción y fantasía Tom Weaver, dijo que "como actor en los años cincuenta, Kerwin Mathews era del tipo de actor completamente americano, el joven granjero de la casa de al lado -un improbable candidato para hacer de héroe de ‘Las mil y una noches'. Pero para los jóvenes fans de las películas de monstruos, eso lo convertía en el personaje con quien identificarse completamente, y se convirtió en nuestro héroe favorito para ese género de películas de monstruos y de hadas".
"Parte del reto de aparecer en esas películas de dibujos animados era tener que actuar frente a nadie -encogerse ante un gigante que no está allá, pelear con una espada contra un esqueleto que no existe. Todos los monstruos eran agregados más tarde por Ray Harryhausen".
Si Mathews no hubiese podido "interactuar con nada" tan bien como lo hacía, dijo Waever, "los monstruos no habrían sido creíbles, pese a todos los esmerados esfuerzos de Harryhausen. Pero Mathews hizo un trabajo fabuloso, que contribuyó enormemente a dar verosimilitud a esas escenas".
Harryhausen elogió la capacidad de Mathews de mantener la ilusión de que estaba combatiendo contra un esqueleto y otras criaturas. "Sus ojos se concentraban en cosas que no podíamos ver", dijo.
Mathews también apareció en ‘Los viajes de Gulliver' [The 3 Worlds of Gulliver] (1960), con efectos especiales stop-motion de Harryhausen, y ‘Jack, el matador de gigantes' [Jack the Giant Killer] (1962), con efectos stop-motion de Projects Unlimited.
En una entrevista con la revista Starlog de 1987, Mathews dijo que la filmación de la famosa pelea con el esqueleto en ‘Simbad y la princesa', una película de bajo presupuesto rodada en España, fue "para mí una experiencia impresionante".
"Creía que estaba haciendo una contribución tan válida para el mundo del teatro que si hubiese estaba representando a Hamlet", dijo. "Filmamos esa pelea con espada en una caverna de Mallorca. Empezamos a filmar a la puesta de sol y trabajamos durante las doce horas siguientes, porque no podíamos permitirnos más de una noche de caverna".
En una entrevista con Starlog de 1989, el director de ‘Simbad', Nathan Juran, dijo que Mathews no se quejó nunca.
"Cuando finalmente terminamos la secuencia, me di cuenta de que la mano con que tenía la espada estaba cubierta de sangre", dijo Juran. "Habíamos trabajando tanto que se había raspado la piel de esa mano. Me asombró que hiciera todas esas escenas de pelea con la espada sin decirme ni una palabra sobre el dolor que sentía. Kerwin era un ejemplo de profesionalismo. Hizo una actuación estupenda".

Hijo único, Mathews nació en Seattle el 8 de enero de 1926. Poco después, se mudó con su madre divorciada a Janesville, Wisconsin. En la secundaria, recordó Mathews en la entrevista de 1987, "un profesor de teatro me incorporó en una pieza y eso cambió mi vida".
Después de servir dos años en la Fuerza Aérea del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, asistió al Beloit College de Wisconsin para estudiar, como estudiante becario, drama y música. Tras terminar sus estudios, estuvo tres años en Beloit y enseñó dicción y artes dramáticas, y también trabajó en el teatro regional. También enseñó inglés en la secundaria en Lake Geneva. Wisconsin, antes de mudarse a Hollywood en 1954.
Mathews era un actor de la Pasadena Playhouse cuando conoció al director de reparto de Columbia Pictures y obtuvo un contrato de siete años con el estudio.
Entre sus otras películas se encuentran ‘El diablo a las cuatro' [The Devil at 4 O'Clock], ‘Secretos de contraespionaje' [Man on a String], ‘Piratas de Bloodriver' [Pirates of Blood River], ‘Batalla debajo de la Tierra' [Battle Beneath the Earth], ‘Octaman', ‘El niño que lloraba al hombre lobo' [The Boy Who Cried Werewolf] y ‘Pesadilla de sangre' [Nightmare in Blood].
Su papel favorito fue el del compositor Johann Strauss Jr. en ‘El rey del vals' [The Waltz King], una película en dos partes de ‘El maravillo mundo de color de Walt Disney' [Walt Disney's Wonderful World of Color], que se rodó en locaciones en Europa.
Mathews, que se mudó a San Francisco a principios de los años setenta, pasó su vida posterior a su carrera como actor vendiendo antigüedades y muebles.

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14 de julio de 2007
10 de julio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Charles Lane, Familiar y Anónimo

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[Claudia Luther] Era una cara familiar en cientos de papeles para el cine y la televisión. A los 102.

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Murió Charles Lane, el anónimo y sin embargo familiar personaje que se especializaba en representar a divertidos excéntricos en cientos de papeles para la televisión y el cine que se remontan hasta principios de los años treinta. Tenía 102 años. De acuerdo a su hijo Tom, Lane murió el lunes noche en su casa en Brentwood.
Aunque su nombre lo conocían sólo unos pocos, su rostro de rasgos marcados y desgarbada presencia fueron reconocibles para generaciones de cinéfilos como el hombre que soportaba apenas a los zopencos que se cruzaban en su camino como en películas como ‘Caballero sin espada' [Mr. Smith Goes to Washington] (como periodista), ‘Qué bello es vivir' [It's a Wonderful Life] (el cobrador del alquiler), ‘Vive como quieras' [You Can't Take It With You] (un agente de Impuestos Internos), ‘No Time for Sergeants' (el chofer de la junta de reclutamiento) y cientos de otras películas en las que hizo de tendero, profesor, juez, oficinista, doctor, ‘el tipo en el bar', policía y vendedor. Solamente en los años treinta, apareció en 161 películas, trasladándose a veces de estudio en estudio para decir sólo unas frases en varias películas en un solo día.
"Y me pagaban 35 dólares al día", contó Lane al escritor de la Associated Press, Bob Thomas, en una entrevista poco antes de su cumpleaños número cien". Cuando el Gremio de Actores de Pantalla [Screen Actors Guild] se estaba fundando, fui el primero en firmar".
A principio de los años cincuenta, Lane también apareció en decenas de programas de televisión, entre ellos en ‘The George Burns and Gracie Allen Show'. Quizás más famosa fue su aparición en episodios clásicos de ‘I Love Lucy', representando a varios personajes que parecían todos tener en común una pasmada aunque cómica falta de paciencia para la torpe Lucy. Dijo que fue en este programa que perfeccionó su rácana hosquedad.
"Eran papeles muy buenos, pero eran todos imbéciles", dijo al Times en 1980 sobre sus personajes en ‘I Love Lucy'. "Pero si te conocen por un tipo fijo, y eres bueno, puede significarte un montón de trabajo".
Y trabajo sí que tuvo. En los años sesenta, setenta y ochenta, Lane pudo ser visto en ‘Perry Mason', ‘Daniel el travieso' [Dennis the Menace], ‘Dimensión desconocida' [The Twilight Zone], ‘Embrujada' [Bewitched], ‘Superagente 86' [Get Smart], ‘La novicia voladora' [The Flying Nun], ‘The Andy Griffith Show', ‘Lou Grant' y muchos otros programas. En los setenta, tuvo papeles consecutivos en ‘Los nuevos ricos' [The Beverly Hillbillies], como Foster Phinney, y en ‘Soap', como el juez Anthony Petrillo. En los sesenta, el público lo conoció como Homer Bedloe, el intrigante de ‘Petticoat Junction'.
Max Baer Jr., que hacía de Jethro en ‘Los nuevos ricos', dijo que aunque Lane representaba ahí y en decenas de otros papeles a un "tipo arrogante y gruñón", "él no era así en absoluto; era solamente su personaje".
"Cuando empezó a actuar, cuando querían a un tipo arisco, llamaban a Charlie", dijo.
Después de más de sesenta años de actuación, Lane apareció por última vez en una película de televisión en 1995. Pero todavía se lo vería entrar y salir de Hollywood durante una década.
En marzo de 2005, fue retratado con una amplia sonrisa en Variety cuando asistía a las TV Land Awards, donde sus amigos le recibieron con una tarta de cumpleaños después de cumplir cien años. En otra fiesta por los cien años dos meses antes, realizada por su familia y amigos, resumió su carrera modestamente diciendo que fueron papeles en general modestos: "Era un personaje que yo representaba que aparecía todo el tiempo y la gente se acostumbró a él, como a un viejo amigo".

Lane nació como Charles Levison el 16 de enero de 1905, en San Francisco, y empezó su vida laboral en el negocio de los seguros. En 1928, se unió a la compañía en la Pasadena Playhouse, que era conocida por preparar actores para el cine, y apareció en más de cien producciones en tres décadas. Hizo su debut cinematográfico como recepcionista de hotel en ‘Rubias y dinero' [Smart Money] (1931) con Edward G. Robinson y James Cagney.
Finalmente perfeccionó el papel de avaro y aunque ocasionalmente se sorprendía de los diálogos que le escribían, siguió siendo ameno a medida que acumulaba cientos de personajes. Sus papeles eran tan numerosos que, según contó a TV Guide en 1965, a veces se veía a sí mismo en películas o en la televisión y no recordaba haber hecho los papeles en los que aparecía.
"Podía hacer muchos papeles diferentes, era muy versátil", dijo A.C. Lyles, productor en Paramount. "La gente decía: ‘Trata de conseguirte a Charles Lane, y si no puedes, a alguien que se le parezca".
Lane dijo que su director favorito era Frank Capra, que lo dirigió en ocho películas, incluyendo ‘Vive como quieras' ‘Caballero sin espada' y ‘Qué bello es vivir'.
"Sabía más de la cámara que el camarógrafo jefe", dijo Lane. "Tenía una comprensión intuitiva con los guiones. Y además de todo eso, tenía un maravilloso talento como narrador".
Lane conservaba una carta enmarcada de Capra en su estudio en Brentwood: "Estoy seguro de que todos tenemos a alguien en quien descansar y usar como muleta cuando las historias y escenas amenazan con derrumbarse. Bueno, Charlie, tú has sido mi muleta número uno".
Dijo a sus amigos y familiares en su fiesta de cumpleaños número cien en enero de 2005: "¡Pensar que pude haber terminado en el negocio de las pólizas de seguros!"
Cuando se acercaba a los 101, Lane estaba trabajando con los directores Garret Boyajian y George Ridjaneck en un documental sobre su vida titulado ‘You Know the Face'. Contó al Wall Street Journal que aunque no tenía problemas con sus piernas, "aparentemente, mentalmente estoy bastante bien".
Lane sirvió en la Guardia Costera durante la Segunda Guerra Mundial. Su esposa de 71 años, la actriz Ruth Covell, murió en 2002. Le sobreviven su hijo Tom, de Santa Monica; una hija, Alice Deane, de Friday Harbor, Washington; y una nieta.

11 de julio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Edward Yang

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Director que retrató al Taiwán moderno. A los 59.

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Murió Edward Yang, que ganó el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes de 2000 y era conocido por sus realistas retratos del moderno Taiwán, según declaró el domingo un consultor de la industria cinematográfica. Tenía 59 años.
Yang murió el viernes en su casa en Beverly Hills, por complicaciones de un cáncer al colon, dijo Norman Wang a la Associated Press. Wang dijo que la familia de Yang le había pedido que comunicara la noticia.
Le diagnosticaron el cáncer en julio de 2000, poco después de ser galardonado en Cannes. Se mudó a California del Sur en 2005 para someterse a un tratamiento médico adicional después de que el cáncer se expandiera a su hígado y pulmón. Durante los últimos meses se dedicó a dibujar diariamente para una nueva película animada, ‘Fifi'.
Nacido en Shanghai en 1947, Yang se trasladó con su familia desde China continental a Taiwán en medio de la guerra civil que libraban los comunistas tras la retirada de los nacionalistas, según su biografía en el libro ‘Speaking in Images: Interviews With Contemporary Chinese Filmmakers'.
El talentoso Yang siguió un tortuoso camino hacia el cine.
Dedicado a una carrera considerada prestigiosa en Taiwán, Yang estudió ingeniería en la isla y llegó a Estados Unidos en los años setenta. Obtuvo su maestría en ingeniería por la Universidad de Florida y se matriculó durante un breve período en la escuela de cine de la Universidad de Carolina del Sur antes de abandonarla y unirse a sus padres en Seattle, donde trabajó como ingeniero informático.
En una entrevista con Robert Sklar publicada en la revista Cineaste hace algunos años, Yang dijo que su interés en el cine revivió después de que entrara a una proyección de la película de Werner Herzog, ‘Aguirre, la cólera de Dios' [Aguirre: The Wrath of God]. Le dijo a Sklar que, dos horas después, era otra persona.
"Me devolvió la sensación de que yo podía ser director de cine. Eso era lo que yo pensaba que debía ser una película. La escuela de cine no te enseña a hacer ese tipo de tomas", dijo Yang.
Tres años después, Yang renunció a su trabajo en Seattle cuando le ofrecieron la oportunidad de escribir una película para un amigo en Taiwán.
Se convirtió en una importante figura de la nueva ola de directores de Taiwán. Yang favorecía las películas ambientadas en la capital taiwanesa, Taipei. Sus películas incluyen ‘Aquel día en la playa' [That Day, on the Beach] (1983), ‘Historia de Taipei' [Taipei Story] (1985), ‘El terrorista' [The Terrorizer] (1986), ‘Un día de verano' [A Brighter Summer Day] (1991), ‘Una confusión confuciana' [A Confucian Confusion] (1994), ‘Mahjong' (1996) y ‘Yi Yi' (2000).
‘Yi Yi' [A One and a Two], fue la película con más éxito de crítica de Yang. Además del premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes en 2000, le reportó premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles como la mejor película extranjera. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine la calificó de la mejor película de 2000.
En su reseña de ‘Yi Yi', el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió que, sobre todo, la película "gira sobre los enigmas del amor, la maravilla y la perplejidad de la atracción mutua, de dónde surge y adónde va".
Fue la primera película de Yang que tuvo una amplia difusión en Estados Unidos, y Turan observó que la película "estaba agraciada con la capacidad de ver la vida como un todo, el dolor oculto en la felicidad así como el humor inherente en la tristeza".
Le sobreviven su mujer, la concertista de piano Kaili Peng; su hijo de seis años, Sean; su hermana Li; y su hermano Robert.

3 de julio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Joel Siegel

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[Dennis McLellan] Crítico de cine de ‘Good Morning America' de la ABC. A los 63.

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Murió el viernes Joel Siegel, crítico de cine y editor de espectáculos de ‘Good Morning America', de la ABC, y la WABC-TV en Nueva York, galardonado con un Emmy Award. A los 63.
Siegel, que trabajó hasta dos semanas antes de su muerte, murió en Nueva York después de una larga batalla contra un cáncer al colon, declaró ABC News.
El bigotudo Siegel, que se unió a ‘Good Morning America' en 1981, fue recordado por sus colegas de ABC News por su ingenio y pasión por las artes.
"Joel era una parte importante de ABC News, y lo extrañaremos", dijo David Westin, presidente de ABC News, en un comunicado de prensa. "Era un brillante comentarista y un gran periodista. Pero más que eso, era un amigo querido y colega".
El anfitrión de ABC, Charles Gibson, describió a Siegel como "brillante" y "un hombre de un gusto impecable".
"Cuando Joel entró a nuestra oficina hablando sobre todo, sabías que iba a ser interesante y que aprenderíamos algo", dijo en la página web de ABC News el ex co-anfitrión de ‘Good Morning America'. "Tenía una fuente inagotable de historias, la mayoría de ellas divertidas, muchas incisivas, todas con un punto y un remate".
Como editor de espectáculos de ‘Good Morning America', Siegel entrevistó a decenas de personajes famosos, como Paul Newman, Halle Berry, Brad Pitt, George Burns, Gene Kelly, Jack Lemmon y los cuatro Beatles. Su transmisión anual del Oscar, ‘Joel Siegel's Road to the Academy Awards', fue emitido durante diez años en la WABC-TV y estaba sindicado.
Siegel recibió por su trabajo en televisión cinco Emmy Awards. También co-escribió el libro para el musical de 1981, ‘The First', que le reportó un nominación a los premios Tony.
Siegel tenía 54 años cuando los médicos le informaron en 1997 que tenía un cáncer al colon, poco después de que se enterara de que su tercera esposa, la artista Ena Swansea, estaba embarazada y sería padre por primera vez.
Preocupado de que no viviría lo suficiente como para conocer a su hijo, Siegel escribió un libro de memorias en 2003, ‘Lessons for Dylan: From Father to Son'.
"Yo estaba en la cincuentena cuando nació Dylan, así que en el mejor de los casos no iba a pasar con él más que una veintena de años", dijo Siegel al Chicago Jewish News en 2003. "Y no ha sido la mejor de las épocas, si consideras mis tres operaciones de cáncer y escáneres CAT y seis meses de radiación en los últimos cinco años".
En 1991 Siegel fue uno de los fundadores (junto con el actor Gene Wilder y otros) de Gilda's Club, una organización sin fines de lucro que ofrece apoyo emocional y social a pacientes de cáncer y sus amigos y familias. También declaró ante el Congreso a favor de los pacientes de cáncer.
Nacido en Los Angeles el 7 de julio de 1943, Siegel se graduó cum laude de la Universidad de California en Los Angeles en 1965 con un diploma en historia.
Cuando estaba en la UCLA, inscribió a votantes en Georgia y participó en marchas con el Reverendo Martin Luther King Jr. "Entonces yo era un activista por los derechos civiles y todavía me siento realmente orgulloso por ello", le escribió a su hijo en sus memorias.
Siegel, que sirvió en la Reserva del Ejército de 1967 a 1973, escribió chistes para el senador Robert F. Kennedy (demócrata de Nueva York), escribió como independiente para publicaciones como Rolling Stone y Sports Illustrated, escribió reseñas bibliográficas y reportajes para Los Angeles Times y trabajó como redactor y productor de una agencia de publicidad.
Tras llegar a Nueva York en 1972, trabajó como periodista para la WCBS-TV y presentó ‘Joel Siegel's New York' en la WCBS Radio. En 1976, se convirtió en el crítico de espectáculos de la WABC-TV.
La primera película que revisó en el aire, dijo a Tulsa World en 2004, fue ‘El muñeco diabólico' [Magic], con Anthony Hopkins como ventrílocuo.
"Así que me conseguí un muñeco de ventrílocuo e hice la reseña, yo diciendo que me había gustado la película y el muñeco diciendo que la odiaba", dijo.
"Tenía que hacer otra reseña al día siguiente. Y siempre tuve eso en mente, que hay realmente todos los días una audición en el aire".
Le sobreviven su hijo y su esposa.

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1 de julio de 2007
30 de junio de 2007
©los angeles times
viene de mQh

Murió Antonio Aguilar

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[Agustín Gurza] El cantante y actor mexicano tenía una enorme audiencia al norte de la frontera. A los 88.

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Murió Antonio Aguilar, el artista y actor que durante años deleitó a audiencias internacionales con espectáculos que incluían musicales y el rodeo, que le ganaron la reputación de ser el Roy Rogers de México. Tenía 88.
Antes de morir la noche del martes en un hospital de Ciudad de México, Aguilar sostuvo una prolongada lucha contra la neumonía, según informó la Associated Press. El miércoles se celebró en la histórica Basílica de Guadalupe de la capital un velatorio y misa fúnebre, en la que se reunieron dignatarios, personajes famosos y fans para pagar los últimos respetos a un artista considerado como uno de los principales embajadores culturales del país.
El presidente de México, Felipe Calderón, llamó la muerte de Aguilar una gran pérdida y expresó la esperanza de que "su legado continúe siendo una semilla para un México mejor".
"No eran sus canciones ni su voz lo que lo hace tan memorable para nosotros", dijo Nati Cano, directora de Mariachi Los Camperos, de Los Angeles, que patrocinó a Aguilar en espectáculos en el céntrico Million Dollar Theater en los años sesenta. "Era su carácter, el modo en que trataba a los músicos y cómo se relacionaba con el público, como si se relacionara con cada uno de ellos".
En una carrera que se extendió durante seis décadas, Aguilar hizo más de ciento sesenta discos y más de cien películas, actuando a menudo como un intrépido defensor de los pobres en dramas revolucionarios. En su vida personal, cultivó una imagen de dedicado hombre de familia, casado durante más de cuarenta y cinco años con su mujer Flor Silvestre, y guiando a sus dos hijos, Antonio y Pepe, para entrar a temprana edad al mundo del espectáculo y dejando un legado en Pepe Aguilar, ahora todo una estrella de pleno derecho.
En Los Angeles, Aguilar construyó una enorme audiencia de fans a partir de los años cincuenta, primero como cantante solista y más tarde con sus excitantes rodeos, que empezaron en los sesenta.
El miércoles, Aguilar fue recordado como uno de los primeros artistas mexicanos en cultivar una base de fans entre los inmigrantes mexicanos en Estados Unidos y para atraer también a audiencias no-latinas.
El profesor de periodismo de la Universidad de Southern California, Félix Gutiérrez, recordó un encuentro casual con Aguilar en un aeropuerto a principios de los años setenta. Gutiérrez estaba estudiando en la Universidad de Stanfford cuando divisó a Aguilar llegando con su mujer en un avión de pasajeros en San José, completamente ignorado por el público general y cargando sus propias maletas. Los únicos que reconocieron a la famosa pareja fueron los vigilantes y otros trabajadores latinos excitados de haber reconocido a sus estrellas.
"Eso me ayudó a darme cuenta de la brecha cultural", dijo Gutiérrez, que enseña en la Escuela de Comunicaciones de Anneberg. Aguilar ayudó a construir un puente musical entre México y Estados Unidos. Fue un logro en cuanto a crear una audiencia al norte de la frontera".

Pascual Antonio Aguilar Barraza nació el 17 de mayo de 1919 en Villanueva, en el estado de Zacatecas. De niño entró al seminario para convertirse en cura, pero en lugar de eso cultivó sus talentos vocales en el coro.
Con el objetivo de convertirse en un cantante clásico, obtuvo una beca para estudiar música en Los Ángeles a principios de los cuarenta, pero fue deportado y empezó a trabajar en Tijuana, donde le pagaban doce dólares la semana.
En 1945 se mudó a Ciudad de México en un Lincoln convertible y con dinero en el banco, compró un club nocturno, el Minuit, que empezó a atraer a famosos del otro lado de la frontera, incluyendo a Gary Cooper y Pedro Infante.
Aunque empezó cantando boleros románticos, Aguilar cambió su esmoquin por un traje de charro y ganó popularidad cantando rancheras y corridos, el género narrativo que gira sobre historias de aventureros y revolucionarios como Heraclio Bernal y Emiliano Zapata, al que más tarde personificó en la pantalla plateada.
Aguilar empezó su carrera cinematográfica junto con el símbolo mariachi Infante, en la película de 1952 ‘Un rincón cerca del cielo', la tercera de una serie de películas que se prolongaron durante medio siglo.
En los años sesenta, empezó a producir y escribir guiones, aunque no siempre con resultados estelares. Produjo, co-escribió y fue actor protagonista de ‘Emiliano Zapata', de 1970, una caracterización demasiado seria que lo alejó de sus populares comedias musicales.
En Estados Unidos, Aguilar es quizás más recordado por su papel como el General Rojas en la película de vaqueros en inglés, ‘Los indestructibles' [The Undefeated], de 1969, en la que apareció con John Wayne y Rock Hudson.
José Hernández, director de Mariachi Sol de México, recordó haber trabajado con Aguilar cuando era un adolescente en espectáculos en Los Angeles. El joven aprendiz llevó al papel los viejos corridos de la tradición oral, escribiendo notas mientras Aguilar tarareaba las introducciones musicales.
"Era un hombre increíble, muy especial", dijo Hernández el miércoles desde su restaurant Cielito Lindo en South El Monte. "Y respetaba mucho a su país. Le decía a su equipo, y a sus músicos: ‘Vamos a Estados Unidos y debemos mostrar lo mejor de nosotros. Queremos que los americanos vean al verdadero México, que vean lo bella que es nuestra cultura".
Aguilar expresó ese propósito en una entrevista de 2003 con Imagen, el diario más importante de su estado natal. Aguilar recordó que al principio sus promotores no estaban interesados en su rodeo mexicano para escenarios como el Madison Square Garden y el Los Angeles Sports Arena, los que llenaría hasta los topes.
"Me decían que el espectáculo no valía nada en esos escenarios, porque no había ningún espectáculo latino que pudiera atraer a tanta gente", dijo. "Sin embargo, yo quería actuar ahí. Quería demostrarles que lo podíamos hacer, y mantener en alto el nombre de México".

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23 de junio de 2007
21 de junio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh

Filmografía
1994 La güera chabela (productor)
1993 La sangre de un valiente (actor y productor)
1992 El chivo (actor y productor)
1991 Triste recuerdo (actor y productor)
1990 El hijo de Lamberto Quintero
1988 Domingo corrales (actor y productor)
1987 Zapata en Chinameca (actor y productor)
1987 Lamberto Quintero (actor y productor)
1986 Contrabando y muerte (escritor, actor y productor)
1985 Astucia
1983 El Rey de oros
1983 Viva el chubasco (escritor, actor y productor)
1982 El ánima de Sayula (actor y adaptación)
1981 Noche de carnaval (productor y escritor)
1981 Los gemelos alborotados (escritor y actor)
1980 El tonto que hacía milagros
1980 Persecución y muerte de Benjamín Argumedo
1979 Albur de amor (escritor, actor y productor)
1979 Benjamín Argumedo, el rebelde
1977 Mi caballo el cantador (escritor y actor)
1977 Sabor a sangre
1977 Soy el hijo del gallero
1977 La muerte de un gallero (escritor y actor)
1977 Volver, volver, volver (escritor, actor y productor)
1976 El Moro de Cumpas
1975 El Rey
1975 Don Herculano enamorado (actor y productor)
1974 Mi aventura en Puerto Rico
1974 Simón Blanco
1973 Peregrina (actor, productor y adaptación)
1973 La muerte de Pancho Villa (argumento)
1973 Valente Quintero (actor y productor)
1972 La yegua colorada
1970 Los marcados (escritor y productor)
1970 Vuelve el ojo de vidrio (argumento)
1970 Emiliano Zapata (actor, productor y argumento)
1969 The Undefeated
1969 Lauro Puñales
1969 El Caballo Bayo
1968 El As de oros
1968 Lucio Vázquez
1967 La captura de Gabino Barrera
1967 El ojo de vidrio
1967 La venganza de Gabino Barrera
1966 Alazán y enamorado
1966 Los cuatro Juanes
1966 La vida de Pedro Infante
1965 Los dos rivales
1965 El hijo de Gabino Barrera
1965 Juan Colorado
1965 Alma llanera
1965 Escuela para solteras
1965 El Padre Diablo
1964 El Alazán y el rosillo (actor, productor y argumento)
1964 Gabino Barrera
1964 El revólver sangriento
1963 La gitana y el charro
1963 Yo, el mujeriego
1963 Aquí está tu enamorado
1962 Si yo fuera millonario
1962 Cazadores de asesinos
1962 Sol en llamas
1962 Ánimas Trujano
1961 Ahí vienen los Argumedo
1961 El caballo blanco
1961 Que me maten en tus brazos
1961 Los hermanos del hierro
1961 La joven Mancornadora
1961 Vacaciones en Acapulco
1960 Rumbo a Brasilia (México, Brasil)
1960 La sombra del caudillo
1960 El siete de copas
1960 Dos hijos desobedientes
1959 Los Santos reyes
1959 Yo... el aventurero
1958 La cucaracha
1958 Los muertos no hablan
1958 Fiesta en el corazón
1958 Aquí está Heraclio Bernal
1958 La guarida del buitre
1957 La ley de la sierra
1957 La cama de piedra
1957 La justicia del gavilán vengador
1957 Cuatro contra el imperio
1957 Cien muchachas
1957 ¡Aquí están los aguilares!
1956 El fin de un imperio
1956 La huella del chacal
1955 Una gallega en La Habana
1955 El gavilán vengador
1955 La barranca de la muerte
1954 El casto Susano
1954 Reventa de esclavas
1953 Yo soy muy macho
1953 La segunda mujer
1953 Mi adorada Clementina
1953 Mi papá tuvo la culpa
1953 La mujer desnuda
1953 Había una vez un marido
1953 Amor de locura
1953 Por el mismo camino
1952 Yo fui una callejera
1952 Ahora soy rico
1952 Un rincón cerca del cielo

Fuente: academia mexicana de artes y ciencias cinematográficas

Murió Arnheim, Teórico del Cine

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[Adam Bernstein] El teórico visual muere a los 102 años.

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El 9 de junio murió en la residencia Glacier Hills, en Ann Arbor, Michigan, el psicólogo y teórico visual de origen alemán Rudolf Arnheim, cuyos escritos influyeron en toda una generación de pensadores sobre la relación entre el arte y la percepción. Tenía 102 años y lo afectaba una neumonía.
En sus libros mejor recordados -‘Arte y percepción visual' [Art and Visual Perception] (1954), ‘El cine como arte' [Film as Art] (1957) y ‘El pensamiento visual' [Visual Thinking] (1969) -, aplicó la teoría de la gestalt, que estudia cómo la percepción del todo es más grande que la suma de sus partes integrantes. Entre las ‘partes' estudiadas estaban las estructuras de las formas y colores de los trabajos artísticos y la reacción emocional que causaban.
"Considero al arte como un medio de la percepción, un modo de conocimiento", dijo una vez. "La percepción hace posible estructurar la realidad y, de ese modo, obtener conocimiento. El arte nos revela la esencia de las cosas, la esencia de nuestra existencia. Esa es su función".
Publicó cientos de ensayos en publicaciones académicas y populares desde que empezara a trabajar como crítico de cine en la Alemania de Weimar, en los años veinte. En una época en que las películas eran consideradas en gran parte como diversiones populares dispensables, insistió en debían compararse más favorablemente con las bellas artes.
Arnheim admiraba la "pureza de expresión artística" del cine mudo -las palabras, dijo, "limitan considerablemente la expresión de la imagen". Sin embargo, uno de sus ensayos más perdurables, ‘The Film Critic of Tomorrow' (1935), se burló de sus colegas críticos que lamentaban el fin del período mudo.
Jim Hoberman, el importante crítico de cine del Village Voice en Nueva York dijo: "No se puede sentir nostalgia por algo que ya no existe. Ahora para nosotros esto es perfectamente obvio. Pero en el contexto de entonces, era un importante argumento sobre cómo el mercado y la tecnología cambiaban las cosas".
En un bien considerado ensayo de 1998, titulado ‘The Film Critic of Tomorrow, Today', Hoberman esgrimió muchos de los argumentos de Arnheim para reprochar a los críticos modernos que pensaban que el cine de calidad había muerto con las películas de aventuras que cosechaban grandes éxitos de taquilla. Dijo que el ensayo original de Arnheim conservaba su frescura porque siempre habría gente nostálgica de cosas que ya no existen.

Arnheim enseñó en la New School for Social Research de Nueva York y en el Sarah Lawrence College, en Bronxville, Nueva York, entre los años cuarenta y sesenta. Más tarde, se convirtió en profesor de psicología del arte en la Universidad de Harvard y en profesor invitado en la Universidad de Michigan antes de su jubilación en 1984.

Rudolf Julius Arnheim nació en Berlín el 15 de julio de 1904. Su padre era dueño de una fábrica de pianos.
Se doctoró filosofía en la Universidad de Berlín -en esa época se consideraba la psicología como rama de la filosofía- y estudió con teóricos de la gestalt como Max Wertheimer y Wolfgang Kohler.
Tras graduarse en 1928, se unió a la revista cultural de izquierdas Die Weltbuehne, para cubrir la música, arquitectura y cine.
Cuando los nazis asumieron el poder en 1933, Die Weltbuehne se convirtió en un importante blanco de los fascistas. Arnhiem dijo que él pasó especialmente miedo porque se había burlado de Hitler en un ensayo para un diario de Berlín.
Arnheim viajó a Roma, donde pasó cinco años como editor de una publicación cultural de la Liga de las Naciones. Ganó reputación escribiendo libros sobre el cine y la radio como formas artísticas.
Se vio obligado a abandonar Italia en 1938 cuando Benito Mussolini decretó las leyes raciales contra los judíos.
Arnheim emigró a Nueva York y obtuvo una beca de la Fundación Rockefeller para estudiar la influencia de los culebrones radiales en los oyentes. Se naturalizó en 1946.
Su primer libro importante en Estados Unidos fue ‘Arte y percepción visual', que fue más tarde traducido a catorce idiomas.
En estudios posteriores, exploró tópicos tan variados como la capacidad de percepción visual de los niños, el arte conceptual ("útiles ejercicios de la imaginación") y la pintura sobre la Guerra Civil Española de Pablo Picasso, ‘Guernica'.
Le sobreviven su hija adoptiva, Margaret Nettinga, de Heemstede, Países Bajos; dos nietos; y una biznieta.

22 de junio de 2007
19 de junio de 2007
©los angeles times
[viene demQh ]

Murió Padre del Cine Africano

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[Dennis McLellan] Ousmane Sembene, el director senegalés, era conocido como el padre del cine africano. Murió a los 84.

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Murió Ousmane Sembene, el aclamado y progresista escritor y director senegalés conocido como ‘el padre del cine africano'. A los 84.
Sembene, que también alcanzó distinción como novelista, murió el sábado en su casa en Dakar, Senegal, después de una prolongada enfermedad, informó la Associated Press.
Describiendo a Sembene como la "fuerza más importante" de la historia del cine africano, el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió en 2004 que "en la comunidad cinematográfica francófona de África, es l'aine des anciens, el más respetado entre los venerados, alguien cuya pasión y compromiso con el cambio social ha inspirado a directores de cine y enfurecido a gobiernos, tanto en Europa como en casa".
En ese entonces, Sembene estaba presentando su noveno largometraje, ‘Moolaade', en el Festival de Cine de Cannes.
Considerada la ‘obra maestra otoñal' del director por un reseñador de cine del New York Times, el drama gira sobre una mujer de una aldea que acoge a cuatro niñas que buscan refugio para escapar del peligroso y doloroso ritual que incluye la mutilación genital femenina -una arcaica práctica que, de acuerdo a la Organización Mundial de la Salud, pone en peligro la vida de dos millones de niñas africanas al año.
"Nací en un medio donde la excisión se practicaba todos los días y era aceptada", dijo Sembene en 2005 al diario londinense The Guardian. "Pero también nací en una cultura en evolución, una que, como todas las culturas africanas, está adquiriendo nuevos conocimientos... Y llegué a entender que la excisión era una práctica anticuada y fuera de época".
Comentando sobre su papel como cineasta en una entrevista de 2005 con el diario londinense The Independent en 2005, Sembene dijo: "Yo hago cosas para hablar con mi pueblo, mi país. La prioridad es que me entienda mi gente. África necesita ver su propio reflejo. Una sociedad progresa haciéndose preguntas, de modo que quiero ser un artista que hace preguntas a su pueblo".
Hijo de un pescador, Sembene nació en Ziguinchor, Senegal, el 1 de enero de 1923. Dejó la escuela francesa a los catorce y trabajó como aprendiz de mecánico y albañil.
Tras servir en el ejército francés de la liberación durante la Segunda Guerra Mundial, participó en la histórica huelga de ferroviarios de Dakar-Níger de 1947-1948. Luego se subió de polizonte en un buque con destino a Francia, donde encontró trabajo en los muelles en Marsella y se convirtió en un activo sindicalista marxista. (De 1950 a 1960 fue miembro del Partido Comunista francés).
La primera novela de Sembene, ‘El estibador negro' [Le docker noir; The Black Docker], fue publicada en 1956.
Inspirándose en su experiencia en la huelga de los ferroviarios, escribió ‘Los trozos de madera de Dios' [Les bouts de bois de Dieu; God's Bits of Wood], su épica novela de 1960 que fue recibida con elogios en todo el mundo.
La novela, publicada el mismo año en que Senegal obtuvo su independencia de Francia, está todavía disponible y se la considera un clásico.
Preocupado por el retrato que hacían no-africanos de los africanos -"Ya soportamos demasiadas plumas y tambores", dijo una vez-, Sembene se dedicó a hacer cine a principios de los años sesenta, después de pasar un año estudiando cine en Moscú.
Después de hacer un corto documental encargado por el gobierno de Mali en 1963, fundó su propia compañía cinematográfica y empezó a hacer películas de bajo presupuesto.
‘El hombre de la carreta' [Borom Sarret], un corto sobre un mísero carretonero de Dakar, ganó el premio a la mejor película en el Festival de Cortometrajes de Tours, Francia, en 1963. En 1966, su drama ‘Muchacha negra' [La noire de...; Black Girl] fue su primer largometraje.
El drama, también escrito por Sembene, es la trágica historia de una joven mujer senegalesa que se siente deshumanizada trabajando como criada en una adinerada familia blanca en la Riviera francesa.
‘Muchacha negra' fue la primera película del África negra en ser exhibida en una première de Cannes y ganó el prestigioso Premio Jean Vigo.
El crítico francés George Sadoul escribió entonces: "Gracias a Sembene, el continente negro se hace al fin un lugar en la historia del cine del mundo".
Sembene no intentó comunicarse con los africanos cuando decidió convertirse en cineasta.
"Prefiero los libros", dijo al Philadelphia Inquirer en 2004. Pero con la enorme tasa de analfabetismo de África, dijo que se había preguntado a sí mismo: "¿Cómo puedo hablar con la gente? ¿Cómo les hago adquirir conciencia? Con el cine".
Veía el cine como "la escuela vespertina del pueblo", finalmente dejó el francés, la lengua oficial de Senegal, y empezó a hacer películas en las lenguas vernáculas del país.
Se dice que su película ‘Mandabi', de 1968, fue la primera película producida por un equipo completamente africano en una lengua nativa de África del Oeste llamada wolof.

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17 de junio de 2007
14 de junio de 2007
©los angeles times
[viene de mQh ]

Filmografía
1963 Borom Saret (El hombre de la carreta) (Corto)
1964 Niaye (Corto)
1966 La noire de... (Muchacha negra) (Largo) Premio Jean Vigo 1966
1968 Mandabi (Largo) Premio Especial del Jurado, Venecia 1968
1969 Traumatisme de la femme face a la polygamie (Traumatismo de la mujer frente a la poligamia) (Documental)
Les derives du chomage (Las consecuencias del paro) (Documental)
1971 Tauw (Corto)
Emitai (Largo) Medalla de Plata, Moscú 1971
1972 Basket áfricain aux Jeux Olympiades (Baloncesto africano en los Juegos Olímpicos) (Documental)
1973 L'Áfroque aux Olympiades (África en las Olimpiadas) (Documental)
1974 Xala (Largo), Premio Especial del Jurado, Karlovy Vary 1976
1976 Ceddo (Largo), Selección Oficial, Cannes 1977
1988 Camp de Thiaroye (Campamento de Thiaroye) (Largo), Premio Especial del Jurado, Venecia 1988
1993 Guelwaar (Largo), Medalla de Oro del Senado de Venecia, 1992
1999 Héroïsme au quotidien (Heroísmo cotidiano) (Corto)
2000 Faat Kine (Largo)
2003 Moolaaadé (Largo) Premio ‘Una Cierta Mirada', Cannes 2004

Bibliografía
1956 Le docker noir
1957 O pays, mon beau peuple.
1960 Les bouts de bois de Dieu, Banty Mamy All. Publicada en castellano con el título ‘Los trozos de madera de Dios'
1962 Voltaïque. Publicada en castellano con el título ‘Voltaicas'.
1964 L'harmattan
1966 Véhi-ciosane ou blanche-genése
1973 Xala
1981 Le dernièr de l'empire: roman sénégalais
1987 Niiwam
1990 Guelwaar

[golem ]

Murió Mala Powers

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A los 75. Trabajó en ‘Cyrano' y otras películas de los años cincuenta.

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Murió la actriz Mala Powers, que hizo de Roxane en ‘Cyrano de Bergerac', de José Ferrer, y actuó en otras películas de los años cincuenta. Tenía 75 años.
Powers murió el lunes por complicaciones de su leucemia en el Centro Médico San José, en Burbank, según informó su protegida, la actriz Kim Barret.
Nació en 1931 como Mary Ellen Powers en San Francisco, en una familia de padres periodistas que se mudaron luego a Hollywood. Empezó su formación como actriz muy temprano en su vida, en el Seminario Dramático de Max Reinhardt; de niña tuvo un pequeño papel en una película de 1942 de los Bowery Boys, ‘Though As They Come'.
En 1950, Powers apareció junto con Ferrer en ‘Cyranod de Bergerac', que le significó un Oscar al mejor actor.
También en 1950 apareció como víctima de violación en ‘Ultraje' [Outrage], dirigida por Ida Lupino. La película causó un pequeño escándalo porque la violación no había sido tratada nunca tan francamente en la pantalla debido a la auto-censura de la industria cinematográfica.
Howard Hughes quedó gratamente impresionado por las actuaciones de Powers y la contrató para la RKO. Entre sus películas se encuentran ‘Edge of Doom', ‘Rose of Cimarron', ‘City Beneath the Sea', ‘City That Never Sleeps', ‘Bengazi' y ‘The Storm Rider'.
La carrera cinematográfica de Powers menguó a fines de los cincuenta, pero continuó activa en la radio, el teatro y la televisión.
En los últimos años Powers se interesó en cuentos para niños, y en 1980 escribió un libro sobre la Navidad, ‘Follow the Star', y cinco años más tarde ‘Follow the Year', que explicaba las vacaciones a los niños.
También escribió y narró cuentos para el programa Dial-a-Children's-Story de la Compañía de Teléfonos de Nueva York, a partir de 1979. Los cuentos de un minuto que podían ser escuchados marcando un número especial, que más tarde estuvo también disponible en otros mercados.
Powers también enseñó actuación, que había estudiado en la Universidad de California en Los Angeles. En 2003 apareció por última vez en ‘Mr. Shaw Goes to Hollywood' en la Laguna Playhouse en Laguna Beach.
La sobrevive Toren Vanton, su hijo de su primer matrimonio. Su segundo marido, el editor M. Hughes Miller, murió en 1989.

16 de junio de 2007
13 de junio de 2007
©los angeles times
©traducción mQh
[viene de mQh ]