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pan y cine y el santo

Murió Paul Scofield


[Dennis McLellan] Actor británico. A los 86.
Murió Paul Scofield, uno de los gigantes del teatro británico que ganó un Oscar por su retrato de Sir Thomas More en la película ‘Un hombre de dos reinos' [A Man for All Seasons] de 1966. Tenía 86 años.
Scofield, que sufría de leucemia, murió el miércoles en un hospital cerca de su casa en Sussex, Inglaterra, informó su agente Rosalind Chatto en una declaración.
Considerado uno de los actores más brillantes de su generación, Scofield, alto y de marcadas facciones, tenía una voz tan memorablemente rica que el director Fred Zinnemann la comparó con el sonido del "un Rolls-Royce cuando lo echas a andar".
Richard Burton, que lo admiraba, dijo una vez sobre su colega actor, cuyos roles en el teatro incluían a Hamlet, el Rey Lear, Macbeth y Otelo: "De los diez grandes momentos del teatro, ocho son de Scofield".
Considerado un gran artista a la altura de Laurence Olivier y John Gielgud por críticos y actores británicos de los años cincuenta y sesenta, Scofield fue elogiado por el crítico Kenneth Tynan por "su capacidad de estirar un papel hasta que le acomode, como un sombrerero estiraría un bombín".
Scofield desarrolló el papel de More, el moralmente íntegro canciller inglés que desafió a Enrique VIII en ‘Un hombre de dos reinos', de Robert Bolt, en un teatro de Londres en 1960.
Al año después, estaba representando a More en Broadway, un papel por el que ganó un Tony al mejor actor.
"Con una especie de desganada magnificencia", observó un escritor de la revista Time, "Scofield se sumerge en el papel, lo desdramatiza estudiadamente y de algún modo exhibe la mente interior de un hombre destinado a la santidad".
Su mejor actuación -que le ganó un Oscar- como More en la versión cinematográfica de ‘Un hombre dos reinos', de Zinnemann -por la que obtuvo seis Oscars, incluyendo el Oscar a la mejor película- lanzó a Scofield al estrellato internacional.
Pero no le gustaba esa atención.
Un hombre intensamente reservado -"La privacidad no se negocia"-, Scofield no buscaba la publicidad y rara vez cedió una entrevista.
"Ser demasiado conocido es una trampa y un espejismo", dijo una vez.
Pese a su lugar en el panteón de los grandes actores ingleses, se veía a sí mismo como un "trabajador", antes que como "un actor con ego".
Tres décadas después de su Oscar, Scofield fue nominado a otra estatuilla por su papel secundario como el galardonado -Pulitzer- poeta Mark van Doren en el drama ‘El dilema' [Quiz Show] (1994) de Robert Redford.
Scofield, que había rechazado en 1964 un oferta de un contrato de siete años de un estudio de Hollywood para continuar su trabajo en el teatro, hizo su debut en la gran pantalla como el Rey Felipe II de España en ‘La cautiva de Felipe II' [That Lady], un drama histórico de 1955 con Olivia de Havilland.
Otras películas en las que actuó son ‘El tren' [The Train] (1964), ‘El Rey Lear' [King Lear] (1971, como protagonista), ‘Un equilibrio delicado' [A Delicate Balance] (1973), ‘Enrique IV' [Henry IV] (1989), ‘Hamlet' (1990) y ‘Las brujas de Salem' [The Crucible] (1996).
Entre sus créditos en televisión se cuentan ‘Male of the Species', para el programa ‘Prudential's On Stage' de la NBC, actuación por la que ganó un Emmy.
Pero Scofield prefería el teatro al cine y la televisión.
Sus numerosos éxitos teatrales incluyen su aclamada actuación como Lear en la histórica producción de ‘King Lear' de la Royal Shakespeare Company en 1962, y su abrasadora actuación como el atormentado compositor Antonio Salieri en la producción original de ‘Amadeus' en Londres en 1979.
"Sabes, es la única audiencia a la que un actor como yo se entregaría completamente y de una vez", dijo Garry O'Connor, autor de ‘Paul Scofield: The Biography'.

David Paul Scofield nació el 21 de enero de 1922 como hijo de un maestro de escuela en el pueblo de Hurstpierpoint en Sussex, Inglaterra.
Asistió a la Escuela de Niños Varndean, cerca de Brighton, donde se unió al club de teatro y tuvo su primer papel a los trece años: fue Julieta en una producción de ‘Romeo y Julieta'.
"Tuve que encasquetarme una embarazosa peluca rubia", recordó más tarde, agregando que actuar en esa pieza "fue muy decisivo para mí, porque después de esto nunca quise hacer otra cosa".
En 1939, Scofield se matriculó en la Croydon Repertory Theater School, que cerró sus puertas tras comenzar la guerra.
Exento del servicio militar debido a sus dedos de los pies torcidos -más tarde dijo que se sintió "profundamente avergonzado" por no haber podido servir-, siguió estudiando en el Mask Theatre School de Londres antes de unirse a compañías de teatro itinerantes y actuar para las tropas británicas.
En 1944, se incorporó al prestigioso Birmingham Repertory Theatre; dos años después se mudó al Stratford-upon-Avon, donde alcanzó prominencia.
Sobre la actuación de Scofield como Hamlet en 1948, Tynan escribió: "El señor Scofield minimiza su Hamlet de un modo que el análisis verbal nunca podrá explicar su éxito. Este es el mejor Hamlet que he visto en mi vida. Ahora sé que hay en Inglaterra un joven actor que está destinado a la grandeza".
Un año después de su triunfante gira por Rusia con ‘Hamlet' en 1955, Scofield aceptó su nombramiento como Comandante de la Orden del Imperio Británico. En 2001, fue nombrado en la Orden de los Compañeros de Honor, otro prestigioso honor británico.
Sin embargo, luego rechazaría las ofertas de nombrarlo caballero. No tenía interés en convertirse en Sir Paul Scofield. "Simplemente no es un aspecto de la vida que quiero tener", explicó una vez. "Si quieres un título, ¿qué tiene de malo que te llamen señor?"
En una entrevista con la Associated Press de 1988, Scofield dijo que se sentía privilegiado de ser actor.
"Me siento increíblemente afortunado de haber descubierto pronto en mi vida, prácticamente cuando era todavía un niño, que podía hacer algo que al final me gustó hacer toda mi vida", dijo. "Tiene que ver con estar completamente alejado de uno mismo, que no significa necesariamente que uno no se sienta cómodo con uno mismo.
"Sólo significa que es un gran alivio vivir en los otros. Puede ser una sensación terriblemente liberadora".
En 1943, Scofield se casó con la actriz Joy Parker, que le sobrevive, con su hijo Martin, y su hija Sarah.

dennis.mclellan@latimes.com

22 de marzo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Arthur C. Clarke


[Dennis McLellan] Visionario científico y el famoso escritor de ‘2001: Odisea del espacio'. A los noventa.
Murió Sir Arthur C. Clarke, que, de niño, escudriñaba el cielo con un telescopio casero y luego se convertiría en un visionario titán de la ciencia ficción, mejor conocido por su colaboración con el director Stanley Kubrick para escribir el guión de la histórica película ‘2001: Una odisea en el espacio' [2001: A Space Odyssey]. Tenía noventa años.
Clarke, que nació en Gran Bretaña y vivió en Colombo, Sri Lanka, durante décadas, murió el miércoles después de sufrir problemas respiratorios, informó a la Associated Press su ayudante Rohan De Silva.
Clarke, ex niño de campo que fue nombrado caballero por sus contribuciones a la literatura, escribió más de ochenta libros de ficción y documentales (algunos en colaboración) y más de cien cuentos -así como cientos de artículos y ensayos.
Entre sus novelas de ciencia ficción mejor conocidas se encuentran ‘El fin de la infancia' [Childhood's End], ‘Encuentro con Rama' [Rendezvous With Rama], ‘Tierra imperial' [Imperial Earth] y, la más famosa, ‘2001: Una odisea del espacio'.
"Es mejor ser reconocido por una cosa, especialmente por algo de lo que siento especialmente orgulloso, que no ser reconocido de ninguna manera", dijo Clarke al Times en 1982.
Aunque nunca quiso escribir una secuela a ‘2001 ', escribió tres: ‘2010: Odisea 2' [2010: Odyssey Two], ‘2061: Odisea 3' [2061: Odyssey Three] y ‘3001: Odisea final' [The Final Odyssey].
Clarke, que fue nombrado Gran Maestro por la asociación de Escritores de Ciencia Ficción y Fantasía de Estados Unidos en 1986, ganó incontables premios internacionales por sus escritos de ficción y científicos.
‘Encuentro con Rama', su novela de 1973 sobre una sonda espacial enviada a explorar un enorme objeto celeste que cruza a gran velocidad el sistema solar y que resulta ser una misteriosa nave extraterrestre, fue uno de los grandes éxitos de crítica de Clarke. Le significó los prestigiosos premios Nebula, Hugo y John W. Campbell a la mejor novela, así como el premio de la Asociación Británica de Ciencia Ficción, el premio Locus y el premio Jupiter.
Clarke no era conocido solamente por ser uno de los escritores de ciencia ficción más prolíficos del siglo veinte, sino también por ser uno de los más informados científicamente, con una impresionante historia de predicciones de tecnologías futuras.
En realdad, era conocido como ‘el padrino de la comunicación satelital'.
Como pionero del radar en la Real Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial, Clarke escribió en 1945 un artículo en la revista Wireless World en el que esboza una red mundial de telecomunicaciones basada en satélites fijos que orbitan la Tierra a una altitud de 36.000 kilómetros -un área orbital que ahora es conocida como la Órbita de Clarke.
El seminal artículo de Clarke, por que el recibió cuarenta dólares, fue publicada dos décadas antes de que Syncom II se convirtiera en el primer satélite de comunicaciones del mundo puesto en una órbita geosincrónica en 1963.
Por ser el pionero del concepto de los satélites de comunicaciones, Clarke recibió varios honores, incluyendo la Beca Internacional Marconi en 1982 y el Premio Charles A. Lindbergh.
Considerado un científico visionario, Clarke también predijo toda una fama de nociones tecnológicas en sus trabajos, tales como estaciones espaciales, aterrizajes en la Luna utilizando una nave nodriza y una cápsula de aterrizaje, los teléfonos celulares e internet.
"Nadie ha hecho más en cuanto a predicciones ilustradas", escribió el escritor de ciencia ficción Isaac Asimov.
"Yo diría que Clarke era el escritor de ciencia ficción más serio -es decir, un escritor de ciencia ficción que es científicamente escrupuloso- de la segunda mitad del siglo veinte", dijo al Times en 2005 el profesor de física de la Universidad de California en Irvine, Gregory Benford, un galardonado escritor de ciencia ficción que colaboró con Clarke en la novela de ciencia ficción de 1990, ‘Tras la caída de la noche' [Beyond the Fall of Night].

21 de marzo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Dave Stevens


[Valerie J. Nelson] El artista que creó el cómic ‘Rocketeer'. A los 52.
Murió Dave Stevens, un dibujante conocido por su libro de historietas ‘The Rocketeer', que reflejaba su fascinación con Bettie Page , y que hizo renacer la atención en la reina de las chicas de calendario de los años cincuenta. Tenía 52 años.
Stevens, que vivía en Hollywood Norte, murió el lunes en el Centro Médico Emanuel en Turlock, California, por complicaciones relacionadas con su tratamiento de leucemia, informó su amigo William Stout.
En 1981 Stevens trabajaba como dibujante de ilustraciones comerciales cuando un amigo le pidió que contribuyera con una historia para un libro de historietas. Su "idea desechable", como la llamó, era una sucinta oda al estilo de los años treinta, a las aventuras de novelas baratas y a películas por entrega.
El cómic -en el que un piloto acrobático batalla contra el mal después de hallar una mochila impulsada por un cohete- se convirtió en todo un éxito de culto. Diez años más tarde, fue llevado a la pantalla grande en la película de Disney ‘The Rocketeer', con Billy Campbell como el personaje del título.
Al tratar de explicar la popularidad del cómic, el autor Harlan Ellison escribió en la introducción a la novela gráfica de 1985, ‘The Rocketeer': los cómics "se nutren profundamente del tipo correcto de nostalgia... aventuras y romance, fundidos correctamente..."
A Disney le atrajo la historia porque tenía una "clara estructura heroica... un tipo inocente tropieza con algo y termina salvando al planeta... y era un mundo que no habíamos visto nunca antes", dijo al Times David Hoberman, entonces presidente de Touchstone y Walt Disney Pictures en 1991.
El aspecto de Art Deco que definía a ‘The Rocketeer' había interesado a Stevens desde la infancia. Creció coleccionando fotos de aviones, trenes y edificios antiguos -diseños aerodinámicos que eran "mucho más encantadores que el mundo que veía en mi entorno", dijo en 1991 al Seattle Post-Intelligencer.
Stevens fue el productor de la película, contribuyendo con sugerencias para los detalles arquitectónicos. También diseñó el casco que lleva el Rocketeer en la película.
En el Times en 2003, Geoff Boucher dijo sobre el cómic ‘The Rocketeer' que era "sensual, irreverente y rápido" y sobre la película que "tenía el humor de Indiana Jones".
El héroe de mandíbula cuadrada de la historieta, Cliff Secord, guardaba un gran parecido con Stevens. La atracción amorosa por una mujer -una modelo de lencería- fue incluido como un tributo a la chica de calendario Page.
"Bettie era una estampa, una belleza normal que había visto cuando era adolescente", dijo Stevens al Post-Intelligencer.

La atención que recibió la retirada Page con el cómic contribuyó a revivir el interés en ella. Stevens le pagó a Page para usar su parecido y la ayudó para que los editores que usaban su imagen le pagaran, cuentan sus amigos.
El dibujante y la modelo se hicieron amigos, lo que llevó a Stevens a decir: "Después de pasar años fantaseando sobre esta mujer, ahora la llevo a cobrar sus cheques de la seguridad social".
Mark Evanier, escritor de historietas y guionista de televisión, observó que Stevens "era un estudiantes de los grandes dibujantes del pasado, un artista brillante y un profesional meticuloso" con tendencias perfeccionistas.
"Fue terriblemente popular durante los años que hizo ‘The Rocketeer', pero sólo salía cuando pasaba el Cometa Halley", bromeó Evanier sobre las ocho entregas de la serie. "Era vehemente en cuanto a hacerlo bien".

Nacido el 29 de julio de 1955 en Lynwood, Stevens era hijo de un "dibujante frustrado" que le enseñó a dibujar, contó al Times en 1991.
Desde su infancia, fue un precoz fan de las películas por entregas y de los aviones clásicos.
Tras egresar de la secundaria en Portland, Oregon, asistió durante dos años a la universidad de San Diego City College.
En 1975 fue contratado para ayudar a Russ Manning a dibujar su tira cómica de diario, ‘Tarzan'.
Al cabo de dos años Stevens era un dibujante independiente, creando conceptos para publicitar películas como ‘Superman II' y ‘Melvin y Howard', según el reportaje de 1991 en el Times.
También ayudó a dibujar guiones para la película ‘Los cazadores del arca perdida' [En busca del arca perdida; Raiders of the Lost Ark], de 1981, y el video ‘Thriller', de Michael Jackson, en 1993.
Estuvo casado brevemente con la reina de las películas B, Brinke Stevens, a principios de los años ochenta, pero la relación terminó en divorcio.
Después de ‘The Rocketeer' Page siguió siendo central en su arte, y continuó dibujando y vendiendo dibujos clásicos de la modelo y otras mujeres. Le inspiraban las chicas de calendario de los años treinta que eran conocidas como ‘cheesecake', dijo Stout, que es también dibujante.
"Sus piluchas no eran obscenas. Tenían encanto e inocencia, humor y picardía", dijo Stout. "Hiciera lo que hiciera, lo hacía con un guiño".
Le sobreviven su madre Carolyn; su hermana Jennie; y su hermano Dan.

valerie.nelson@latimes.com

18 de marzo de 2008
13 de marzo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Eva Dahlbeck


[Gunnar Rehlin] La actriz debutó con Bergman en 1942. A los 87.
El 8 de febrero murió la actriz Eva Dahlbeck, que actuó en muchas películas de Ingmar Bergman, en Estocolmo, de complicaciones relacionadas con el mal de Alzheimer que sufría. Tenía 87 años.
Dahlbeck hizo su debut en la pantalla grande en 1942. En 1949 fue la protagonista de ‘Sólo una madre' [Only a Mother], de Alf Sjoberg, que consolidó por un momento su posición como una actriz especializada en roles de madre y esposa.
Su primera colaboración con Ingmar Bergman fue ‘Secretos de mujeres' [Secrets of Women], de 1952. Después de esta, fue protagonista en varias películas de Bergman -‘Una lección de amor' [A Lesson in Love] (1954), ‘Sonrisas de una noche de verano' [Smiles of a Summer Night] (1955), ‘En el umbral de la vida' [Brink of Life] (1958) y ‘Ni hablar de esas mujeres' [All These Women] (1964). Por su papel en ‘El umbral de la vida', compartió un premio a la mejor actriz en una edición del Festival de Cine de Cannes.
Bergman la llamó su "acorazado de femineidad" y le encantaba oponerla a hombres encantadores, pero débiles. Esos papeles eran a menudo representados por Gunnar Bjornstrand, y sus diálogos en ‘Sonrisas de una noche de verano' y ‘En el umbral de la vida' se convirtieron en clásicos.
A fines de los años sesenta, Dahlbeck fue uno de los personajes principales en la popular serie de televisión ‘Los Markurell de Wadkoping'. Después de esta, dejó el cine y se convirtió en una exitosa novelista. Su marido Sven Lampell murió en 2007.

16 de marzo de 2008
©variety
[viene de mQh ]

Murió Guionista Malvin Wald


[Claire Noland] Prolífico guionista que recibió un Oscar por su ‘La ciudad desnuda' [The Naked City]. A los 90.
El jueves murió, por complicaciones relacionadas con su vejez, Malvin Wald, un prolífico escritor de cine y televisión mejor conocido por su guión, escrito en colaboración, de la película ‘La ciudad desnuda', con que ganó un Oscar en 1948, informó su hijo Alan. Tenía noventa años.
Wald escribió el guión del drama policial arquetípico, que terminó con la frase ahora famosa: "En la ciudad desnuda hay ocho millones de historias. Estas ha sido una de ellas". Él y el escritor Albert Maltz, uno de los diez guionistas de Hollywood que estuvo en la lista negra por negarse a declarar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas de la Cámara, fueron reconocidos por el guión, que fue también nominado para el Premio del Gremio de Guionistas de Estados Unidos.
La arenosa película en blanco y negro, producida y narrada por Mark Hellinger y dirigida por Jules Dassin, sigue la investigación policial sobre el asesinato de una modelo. Rodada en locación en las calles de Nueva York, originó una serie de televisión con el mismo nombre y, finalmente, una película del género y dramas de televisión entre los que se cuentan ‘Dragnet', ‘Canción triste de Hill Street' [Hill Street Blues] y la serie ‘CSI'.
"Lo que vemos hoy en nuestras pantallas de televisión se originó en gran parte en esa película", dijo el viernes al Times el historiador del cine Leonard Maltin. "Entonces fue muy novedosa, despojando de la elegancia hollywoodense la descripción del trabajo policial, sacándolo de las manos de detectives privados estrafalarios y siguiendo el día a día de la policía".
Wald, un nativo de Brooklyn que trabajó en una oficina de Correos de Nueva York después de la universidad, quería transmitir lo que siente en las calles de su ciudad natal.
"Nadie había hecho una película donde el verdadero héroe fuera un detective de la policía, como los que yo había conocido en Brooklyn", dijo Wald al Hollywood Reporter el año pasado, poco después de que se lanzara en DVD una versión restaurada. "Sabíamos que estábamos creando un nuevo género que se convirtió en la norma".
Hizo investigación siguiendo a los detectives de la brigada de homicidios del Departamento de Policía de Nueva York, que inicialmente se habían mostrado reticentes.
"Cuando conocí al inspector Joseph Donovan, me dijo: ‘Oh, ustedes, los tipos del cine, siempre muestran a los polis como estúpidos'", contó Wald al Hollywood Reporter.
La película fue un éxito de crítica y de público. Ganó un Oscar por su trabajo de cámara, y otro por el montaje.

Nacido como Malvin Daniel Wald en 1917, empezó en Hollywood siguiendo los pasos de su hermano mayor Jerry, que se inició escribiendo guiones en los años treinta y llegó a ser un renombrado productor. Tras graduarse en el Brooklyn College en 1936, Malvin se marchó hacia el oeste y empezó a escribir.
Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, se alistó en la Fuerza Aérea del Ejército y fue destinado a la Unidad Cinematográfica en el viejo Hal Roach Studio, en Culver City.
Trabajó como guionista en más de treinta películas de adiestramiento militar y reclutamiento, a veces trabajando como figurante.
Tras el término de la guerra y su licenciamiento, Wald siguió escribiendo cine y, más tarde, para la televisión, incluyendo varios programas de los años cincuenta y múltiples episodios de ‘Daktari' y ‘Las aventuras de Grizzly Adams' [The Life and Times of Grizzly Adams]. Fue docente de guiones en la Universidad del Sur de California durante muchos años y escribió ensayos y artículos sobre la historia del cine.
Además de su hijo, le sobreviven su hija, Jenifer Wald Morgan. Su mujer, Sylvia, murió en 1999. Su hermano murió en 1962.

claire.noland@latimes.com

9 de marzo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió Leonard Rosenman


[Dennis McLellan] Compositor que escribió decenas de partituras para películas y programas de televisión. A los 83.
El martes 4 de marzo murió Leonard Rosenman, compositor que ganó varios Oscars por su trabajo en ‘Barry Lyndon' y ‘Esta tierra es mi tierra' [Bound for Glory] y escribió la música de las legendarias películas de James Dean ‘Al este del Edén' [Al este del paraíso; East of Eden] y ‘Rebelde sin causa' [Rebel Without a Cause]. Tenía 83 años.
Rosenman, que sufrió en demencia frontotemporal en los últimos años, murió de un ataque al corazón en el Hospital del Cine y la Televisión en Woodland Hills, dijo su esposa durante diecinueve años, Judie Gregg Rosenman.
En una carrera de 46 años en Hollywood que empezó con ‘Al este del Edén', la película de 1955 que dirigió Elia Kazan, Rosenman, nacido en Brooklyn, escribió la música de unas cuatro docenas de largometrajes y tres docenas de películas para la televisión y miniseries.
También contribuyó con la música a al menos catorce series de televisión, incluyendo el tema y la partitura del episodio piloto de ‘Los defensores' [The Defenders] y compuso toda la música de ‘Combat!', y la inmensa mayoría de la música de ‘Marcus Welby' [Marcus Welby, M.D.]
Por su trabajo para la televisión obtuvo dos Emmys -por la música de ‘Sybil' (1976), que compartió con Alan y Marilyn Bergman; y por ‘Friendly Fire' (1979).
Además de sus Academy Awards for ‘Barry Lyndon' (1975) y ‘Esta tierra es mi tierra' (1976), también fue nominado al Oscar por ‘Los mejores años de mi vida' [Cross Creek] (1983) y ‘Viaje a las estrellas: El viaje a casa' [Star Trek IV: The Voyage Home] (1986).
"La ironía en torno a sus Oscars por ‘Barry Lyndon' y ‘Esta tierra es mi tierra' es que eran adaptaciones de música de otros, aunque pasó la mayor parte de su carrera escribiendo música original para películas", dijo al Times el historiador de la música cinematográfica Jon Burlingame el martes.
Rosenman también escribió las partituras de películas como ‘Comando' [Hell Is for Heroes] (1962), ‘Viaje fantástico' [Fantastic Voyage] (1966) y ‘Un hombre llamado Caballo' [A Man Called Horse] (1970).
"El punto con Leonard es que fue uno de esos tipos nuevos que llegaron aquí en los años cincuenta que como que empezaron a convertir la música de películas en algo más contemporáneo", dijo Burlingame, que enseña historia de la música de cine en la Universidad del Sur de California.
"La mayor parte de la música de cine de los años treinta y cuarenta, y hasta en los años cincuenta, estaba escrita esencialmente en el idioma romántico del siglo diecinueve, de modo que era música dramática", dijo. Pero cuando Rosenman y el compositor Alex North "llegaron de Nueva York y empezaron a escribir música en los años cincuenta, introdujeron al cine técnicas más modernas".
"En particular a Rosenman le gustaba la música más sofisticada, la música atonal, la música serial. Entonces eran técnicas que eran inusuales para Hollywood y, de hecho, eran rechazadas por muchos compositores como demasiado intelectuales para el cine".
Pero eso no es todo lo que escribió Rosenman, dijo Burlingame.
"También podía escribir música tradicional anticuada", dijo. "‘Al este del Edén', por ejemplo, contiene tanta música melódica tradicional como música más compleja, disonante, que Rosenman escribía habitualmente en sus materiales para conciertos".

Hijo del dueño de una tienda de abarrotes, Rosenman nació en Brooklyn el 7 de septiembre de 1924. De niño soñaba con convertirse en pintor antes de volcar su atención hacia el piano.
Después de servir en la Fuerza Aérea del ejército en el Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial, se mudó a California y estudió con los compositores Arnold Schoenberg y Roger Sessions.
En 1952 recibió una beca para estudiar con el compositor italiano Luigi Dallapiccola en Tanglewood, Massachusetts.
A principios de la década del cincuenta, dijo Burlingame, Rosenman era considerado ampliamente como uno de los más prometedores jóvenes compositores estadounidenses.
Estaba escribiendo música de cámara y enseñando piano en Nueva York cuando conoció a James Dean, que entonces trabajaba en teatro y televisión.
"Nos conocimos en una fiesta", recordó Rosenman en una entrevista de 1977 con Record, un diario del condado de Bergen, Nueva Jersey. "Me oyó tocar el piano, y un mes después golpearon a mi puerta a las once de la noche".
"Abríl la puerta, y había un tipo que no conozco vestido de cuero, al estilo de los moteros. Le pregunté: ‘¿En qué le puedo ayudar?' Y me dijo: ‘Me gustaría estudiar piano con usted'".
Rosenman y Dean se hicieron buenos amigos y terminaron compartiendo un departamento; fue Dean quien presentó a Rosenman a Kazan.
Más tarde Rosenman dijo que su carrera en Hollywood tuvo un efecto desastroso sobre su carrera concertista.
"El año en que hice mi primera película, tuve cinco presentaciones importantes en Nueva York", dijo en la entrevista de 1997. "Después de hacer mi primera película, pasaron veinte años antes de volver a tocar en un concierto".

Una vez en Hollywood, dijo, sus colegas músicos pensaron que se había "vendido".
"Nadie me invitaba a presentar mi trabajo", dijo. "Nunca me dijeron: ‘No me gustó tu trabajo'. Ni siquiera los miraban".
Sin embargo, Rosenman continuó escribiendo música de concierto, incluyendo un concierto para violín que fue estrenado en el Carnegie Hall en 1997.
"Estaba muy orgulloso del hecho de que pasaba tanto tiempo escribiendo música de concierto como música de cine", dijo Burlingame.
Además a Judie, su cuarta esposa, a Rosenman le sobreviven un hijo, Jonathan; dos hijas, Danielle Falk y Gabrielle Davis; y cuatro nietos.

dennis.mclellan@latimes.com

7 de marzo de 2008
5 de marzo de 2008
©los angeles times
[viene de mQh ]

Murió el Monstruo de la Laguna Negra


[Dennis McLellan] Ben Chapman fue el Hombre de las Branquias en la película de culto ‘La mujer y el monstruo'. [En la foto, Chapman con su traje, sin la máscara, como el personaje del título].
Como actor, Ben Chapman nunca tuvo un papel que lo convirtiese en estrella. Lejos de ello. Tuvo pequeños papeles en unas cuantas películas, incluyendo un rol no reconocido en ‘Mamita y papito en Hawai' [Ma and Pa Kettle at Waikiki].
Sin embargo, Chapman alcanzó la inmortalidad cinematográfica, y lo hizo sin una palabra de diálogo -ni siquiera mostrando la cara.
El ex marine de 1 metro 98 fue el personaje del título de ‘La mujer y el monstruo' [El monstruo de la laguna negra; Creature From the Black Lagoon], la clásica película en tres dimensiones de 1954 que se convirtió rápidamente en una película de culto que aún existe.
Chapman, un agente inmobiliario jubilado de Honolulu, murió el jueves por insuficiencia cardiaca congestiva en el Centro Médico Tripler Army en Honolulu, informó su pareja de toda la vida Merrilee Kazarian. Tenía 79 años.
Para Chapman, hacer del llamado 'el Hombre de las Branquias' [Gill Man] en ‘La mujer y el monstruo' fue el papel de toda una vida.
"En la gran pantalla alcanzó una pequeña cantidad de éxito como actor, pero para los ‘niños monstruosos' de la generación de los baby-boomer, él fue la bomba", dijo el viernes al Times Tom Weaver, autor del libro sobre el rodaje de ‘La mujer y el monstruo'. "No dudaría ni un segundo en llamarla la película de monstruos más famosa de Hollywood en los años cincuenta", dijo Weaver.
Chapman, que fue durante un breve periodo un actor en la planilla de Universal a principio de los años cincuenta, dijo que obtener el rol del Monstruo fue "un asunto de estar en el lugar correcto en el momento indicado". Estaba en el plató un día cuando lo llamaron a la oficina del director de reparto.
"Andaban buscando a alguien para un monstruo, y con mi metro 98 yo correspondía con la descripción", dijo al Palm Beach Post en 2003.
En la película, con Richard Carlson y Julie Adams, una expedición científica que se interna en el río Amazonas a la búsqueda de fósiles de un legendario hombre-pez prehistórico topa repentinamente con un espécimen vivo, que los aterra pero se enamora de la única mujer de la expedición (Adams).

"El traje del Monstruo era una sola de pieza que se cerraba con una cremallera por detrás con aletas dorsales, manos que eran guantes, pies que eran como botas", dijo Chapman al Honolulu Observer hace algunos años.
"Me tuve que tender sobre una mesa para que sacaran un modelo en yeso de mi cuerpo y luego diseñar el traje. No podía engordar ni perder peso; de otro modo, ya no me quedaría. La experiencia fue como meterse en un enorme cuerpo lleno de arrugas".
Chapman contó a Weaver que le daba tanto calor con el traje, que incluía un enorme casco como cabeza, que colocaban a alguien a su lado con una manguera para que lo refrescara.
Cuando filmaban en la parcela de atrás, contaba Chapman, "me quedaba en la laguna simplemente para refrescarme".
Chapman, como saben sus fans, no fue la única persona que hizo de Gill Man en la película en blanco y negro.
Lo representó Ricou Browning en las escenas submarinas, que fueron filmadas en Wakulla Springs, Florida.
Como explicó una vez Chapman, "cuando veas la película, cualquier cosa debajo de la superficie del agua, es el doble de Florida, y cualquier cosa sobre la superficie somos nosotros en Universal en Hollywood".
‘La mujer y el monstruo', dijo Weaver, "fue el último monstruo en el clásico panteón de monstruos de Universal", que incluía al Jorobado de Notre Dame, al Fantasma de la Ópera, Franskenstein, Drácula, el Hombre Lobo y la Momia.
Ni Chapman ni Browning fueron mencionados en los créditos por hacer de Monstruo; el departamento de publicidad del estudio, contó Chapman, no quería que el público pensara que el Monstruo era "un tipo con un traje".
La película tuvo tanto éxito que Universal produjo dos secuelas: ‘El regreso del monstruo' [Revenge of the Creature] (1955) y ‘El monstruo vengador' [The Creature Walks Among Us] (1956).
Chapman, sin embargo, no regresó al rol de Monstruo en ninguna de las secuelas, aunque Browning siguió haciendo las escenas submarinas.
"Claro que me hirió que no me volvieran a llamar, ¿pero qué podía hacer?", dijo Chapman en una entrevista de 1999 con el Akron (Ohio) Beacon Journal. "Mi opción [en el estudio] no le interesó a nadie. No te puedes quedar pensando en esas cosas. Además, étnicamente yo soy polinesio, así que realmente nada me molesta".

Chapman nació el 29 de octubre de 1928 en Oakland, cuando sus padres tahitianos vivían temporalmente en Estados Unidos. Después de vivir en Tahití, volvió a California en 1940 y estudió en San Francisco.
Primo del actor Jon Hall, Chapman estaba trabajando como bailarín tahitiano en clubes nocturnos cuando le ofrecieron un papel secundario en el musical romántico de la MGM de 1950, ‘Canción pagana' [Pagan Love Song].
Sirvió con los marines en la Guerra de Corea y recibió las medallas Estrella de Plata, Estrella de Bronce y dos Corazones Púrpuras.
En la última década hizo frecuentes apariciones en rondas de autógrafos y en festivales de cine en el país, donde era conocido como una de las celebridades más amistosas con los fans.
"Le encantaba", dijo Kazarian. "Le dio algo que hacer en su vejez".
Además de Kazarian, le sobreviven sus hijos Benjamin Franklin Chapman III, Grant Chapman y Elyse Maree Raljevich; y una hermana, Moea Baty.

 

dennis.mclellan@latimes.com

1 de marzo de 2008
24 de febrero de 2008
©los angeles times
[viene de
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Murió David Watkin, Camarógrafo


[Valerie J. Nelson] Recibió un Oscar e introdujo un novedoso aparato para reproducir la luz natural nocturna. A los 82.
Murió David Watkin, un revolucionario camarógrafo británico que ganó un Academy Award por ‘Memorias de África' [Out of Africa] y cuyas películas incluyen, entre otras muchas, ‘Carros de fuego' [Chariots of Fire]. Tenía 82 años.
Watkin murió el martes de cáncer, en su casa en Brighton, Inglaterra, anunció su amigo Chris Mullen en la página web de Watkin.
"Era considerado como alguien muy arriesgado, y David era llamado por directores que querían dar un aspecto diferente a sus películas. Querían un camarógrafo que desafiara todo", dijo Mullen a Argus, un diario de Brighton.
Después de filmar la comedia ‘El Knack... y cómo conseguirlo' (1965) en un estilo de alto contraste para Richard Lester, Watkin trabajó con el director en cerca de media docena de películas. Hicieron la travesura de los Beatles, ‘Help!' (1965); ‘Cómo gané la guerra' [How I Won the War] (1967), una parodia que alternaba metraje en color, monocromático y pintado; y ‘Los tres mosqueteros' [The Three Musketeers] (1974) y ‘Los cuatro mosqueteros' [Four Musketeers] (1975), en los que Watkin hizo un excelente uso de la luz natural de locaciones españolas.
Los críticos comparaban el uso que hacía Watkin de la luz al del pintor holandés Vermeer, que a menudo iluminaba a sus personajes con luces filtradas por ventanales. La afinidad de Watkin con la luz natural se exhibe en ‘Yentl' (1983), ‘El hotel New Hampshire' [The Hotel New Hampshire] (1984) y ‘Sol de medianoche' [White Nights] (1985).
En ‘Carros de fuego', Watkin colaboró en una de las escenas más memorables del cine de los años ochenta: la secuencia de apertura de los atletas corriendo en la arena con la ahora clásica pieza de Vangelis. "La luminosa y obsesiva fotografía de Watkin" contribuyeron a que la escena "estallara en la pantalla con una excitación casi embriagante", escribió Sheila Benson para el Times en su reseña de la película de 1981.
En ‘Memorias de África' Watkin intentó dar a la película una suavidad que correspondiera con la atmósfera romántica definida por el director Sidney Pollack. Watkin lo logró en parte gracias a la experimentación, filmando durante el día con películas usadas tradicionalmente para la noche, y al revés. El resultado fue suntuoso. Sus amplias panorámicas y cálidas tomas de interiores crean un "pasado bien definido, ligeramente mágico y perfectamente delimitado", dijo Benson en su reseña en el Times en 1985.
A Watkin se le atribuye también el desarrollo de un sistema de luces para filmar durante la noche que simula efectivamente la luz natural. Montada en una grúa, la unidad puede ser izada alto en el aire, creando las sombras y los grados de textura que se encuentran en la realidad. Debido a que los electricistas de cine lo apodaban Wendy, el aparato es conocido como Wendy Light.
En el plató, Watkin era conocido por echarse siestas entre las instalaciones de los focos. Defendía su hábito diciendo que "es la única cosa que puedes hacer en un estudio sin cansarte".

Francis David Watkin nació el 23 de marzo de 1925 en Margate, Inglaterra. Era el menor de los cuatro hijos de un abogado y su mujer ama de casa.
Después de servir brevemente en el ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial, Watkin empezó a trabajar en la industria cinematográfica como mensajero. A mediados de los años cincuenta, estaba filmando documentales; empezó a hacer largometrajes a mediados de los sesenta.
Hizo más de sesenta películas y trabajó a menudo con los mismos directores. Filmó al menos cuatro películas para Tony Richardson, incluyendo ‘La última carga' [The Charge of the Light Brigade] (1968) y ‘El hotel New Hampshire'. Filmó ‘Amor sin fin' [Endless Love] (1981), ‘Jane Eyre' [Charlotte Bronte's Jane Eyre] (1996) y ‘Té con Mussolini' [Tea With Mussolini] (1999) para Franco Zeffirelli. Interrogado sobre cuándo adquirió su pasión por la fotografía, Watkin dijo que no la tenía. Sus principales pasiones eran la música clásica y la literatura.
Le sobrevive su compañero Nick Hand, informó el Times de Londres.

valerie.nelson@latimes.com

29 de febrero de 2008
23 de febrero de 2008
©los angeles times
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