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pan y cine y el santo

Murió Natasha Richardson


Galardonada actriz de una famosa familia de actores. A los 45.
[John Horn] El miércoles murió Natasha Richardson, la brillante actriz británica de una de las familias de actores más importantes del mundo, cuyas actuaciones incluyeron desde sesudos dramas como ‘El cuento de la doncella’ [The Handmaid’s Tale] a livianas comedias como ‘Juego de gemelas’ [Tú a Londres y yo a California, en España; The Parent Trap] o ‘Cabaret’, la producción de Broadway por la que obtuvo un Tony. Tenía 45 años.
La esposa del actor Liam Neeson de ‘La lista de Schindler’ [Schindler’s List], e hija de la actriz Vanessa Redgrave y del difunto director Tony Richardson, murió en el Hospital Lenox Hill de Nueva York. No se informó sobre la causa de su muerte, pero fue hospitalizada después de sufrir una grave lesión cerebral mientras esquiaba el lunes pasado.
"Liam Neeson, sus hijos y toda la familia están consternados y abatidos por la trágica muerte de su adorada Natasha", decía una declaración dada a conocer por el publicista Alan Nierob. "Están profundamente agradecidos por el apoyo, cariño y oraciones de todos, y piden que se respete su privacidad durante estos momentos tan difíciles".
Richardson se lesionó en Mont Tremblant, un lujoso balneario canadiense. La actriz seguía un cursillo para principiantes cerca del final de la zona de esquí y no llevaba casco cuando sufrió lo que pareció originalmente un accidente sin importancia.
Informó originalmente que se sentía bien, pero pronto empezó a quejarse de dolor de cabeza. Horas después de la caída, la estrella de varias famosas piezas de teatro -entre ellas ‘Anna Christie’, ‘Un tranvía llamado deseo’ [A Streetcar Named Desire] y ‘Cegados por el deseo’ [Closer]- perdió la conciencia y fue trasladada desde Montral al hospital en Nueva York, donde la esperaban familiares y amigos.
Las películas más recientes de la actriz fueron ‘Megapetarda’ [Wild Child], del año pasado, con Emma Roberts, y ‘El atardecer’ [Evening], de 2007, con Meryl Streep, Claire Danes y Redgrave. ‘El atardecer’ fue uno de los últimos roles de Richardson en estrecha relación con algunos de sus familiares. En televisión apareció como jurado invitado en la recién terminada temporada del programa culinario ‘Top Chef’.

Richardson nació en Londres el 11 de mayo de 1963. Además de Redgrave, otros actores de su familia son su hermana Joely Richardson, una estrella de la serie de televisión ‘Nip/Tuck’, y su tía Lynn Redgrave, cuyas películas incluyen ‘La soltera retozona’ [Georgy Girl] y ‘Dioses y monstruos’ [Gods and Monsters]. El abuelo de Richardson fue el legendario actor shakespeareano Michael Redgrave.
Su padre fue un aclamado escritor, director y productor que ganó el Oscar al mejor director y mejor película por ‘Tom Jones’, de 1963. Tony    Richardson, que murió en 1991 a los 63 años, también dirigió ‘Mirando hacia atrás con ira’ [Look Back in Anger] y ‘Un sabor a miel’ [A Taste of Honey].
La madre de la actriz, que cumplió los 72 años y ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria por ‘Julia’, de 1977, todavía trabaja en cine y televisión.
Justo antes del accidente en el balneario, Richardson estaba considerando una reedición en Broadway, con su madre, de ‘A Little Night Music’, de Stephen Sondheim, después de una única presentación muy elogiada en enero en el Studio 54 de Nueva York.
Aunque Richardson provenía de una reputada familia de actores, no trató de usar el nombre de su familia para apuntalar su carrera. Veía las actividades creativas de su familia como un aula.
"Conozco las presiones que se sienten por ser la hija de una gran actriz", dijo Richardson en una entrevista con el diario londinense The Independent en 2005. "Pero es algo inspirador. Aprendes cosas que otras personas se demoran mucho más en aprender. Con mi padre director, aprendí la ética del trabajo. Piensas: ‘Algún día seré tan buena como él’. Pero cuando empecé a trabajar profesionalmente, tenía un nivel de atención que no merecía o para lo que yo no estaba preparada. Y fue difícil hacerme camino, especialmente en Inglaterra".
Richardson estudió en la Central School of Speech and Drama, de Londres, ocultando sus conexiones familiares y aceptando luego pequeños roles en producciones dramáticas y de televisión poco conocidas. En 1985 debutó en el West End, con el papel de la atormentada y joven actriz Nina en ‘La gaviota’, de Anton Chejov. Al año siguiente, Richardson fue contratada para su primer papel importante en el cine como la protagonista de ‘Gothic’, del director Ken Russell, como Mary Shelley, la autora de ‘Frankenstein’.
Siguieron una variedad de películas más importantes y roles en teatro, pero Richardson se inclinaba a menudo por producciones cinematográficas más artísticas, siendo las películas convencionales más la excepción que la regla. Pese a sus orígenes británicos, representaba a menudo icónicos personajes estadounidenses -incluyendo a Patty Hearst (en la película del mismo nombre), Blanche DuBois en ‘Un tranvía llamado deseo’ de Tennessee Williams y en el rol principal de ‘Anna Christie’, de Eugene O’Neill.
Con una voz grave y seductora (que fue definida alguna vez como una combinación de miel y limaduras de hierro), Richardson representaba frecuentemente a personajes emocionalmente vulnerables. "La comprendo", dijo sobre Anna Christie al Times en 1993. "Su rabia y su soledad y su dolor".
Las opciones cinematográficas de Richardson en 1990 ejemplifican sus inclinaciones creativas. Ese año, fue la protagonista de ‘El placer de los extraños’ [The Comfort of Strangers], un drama sobre una pareja (Richardson y Rupert Everett) que tratade recuperar una relación fracasada, y ‘El cuento de la doncella’, una adaptación de la novela de Margaret Atwood sobre una teocracia del futuro. Captando su creciente interés en el teatro, los guiones para las dos películas fueron escritos por el dramaturgo Harold Pinter.
Richardson hizo su debut en Broadway en 1993, con Neeson, en ‘Anna Christie’. En esa época estaba casada con el productor Robert Fox; se divorciaron ese año, y se casó con Neeson en 1994. La pareja tuvo dos hijos, Michael y Daniel, y Richardson se retiró de la actuación durante tres años cuando nacieron.
"Tengo una madre famosa, y me tomó años superar eso", dijo una vez al Mirror de Londres. "Ahora tengo un marido realmente famoso. Definitivamente siento que perdí la confianza. Quizás es por eso que me encanta vivir en Nueva York, donde no tengo todo ese bagaje familiar y estoy abierta a todo tipo de posibilidades".
Richardson siguió trabajando en cine, con importantes papeles en el remake de ‘Juego de gemelas’ de 1998, con Lindsay Lohan y Dennis Quaid, y en la comedia romántica ‘Sucedió en Manhattan’, de 2002, con Jennifer López.
Pero Richardson se destacó mucho más en los teatros de Londres y Nueva York: como Sally Bowles en el revival de ‘Cabaret’, del director Sam Mendes, en 1998 (por el que ganó un Tony y un Drama Desk); un año más tarde en la producción de Broadway de ‘Cegados por el deseo’, de Patrick Marber; retomando el papel que representó su madre en el pasado en la producción londinense ‘Alfred el marino’ [The Lady From the Sea]; y en el revival en Broadway de ‘Un tranvía llamado deseo’.
La escritora Laurie Winer de Los Angeles Times dijo sobre su actuación en Cabaret que "en enagua, medias con carreras y el pelo sucio, encandila simplemente alzando hacia el primer balcón del teatro sus grandes y maravillosos ojos -resaltados por el corrido maquillaje del día anterior- llenos de lágrimas".
En su comentario sobre ‘Cegados por el deseo’ en Times, Michael Phillips escribió: "En el escenario, Natasha Richarson, con su poco elegante elegancia, tiene una manera de preguntar como si estuviese afirmando algo, como si el signo de interrogación fuese superfluo y obvio. Lo hace de un modo que revela un poco de su propia personalidad".
Richardson era a menudo atraída por historias que iluminaban los secretos más profundos, a veces tenebrosos, de los personajes.
En ‘Asylum: Entre la pasión y la violencia’ [Asylum], de 2005, una película que le tomó años hacer, Richardson representó a Stella, la desgraciada esposa de un doctor de un hospital psiquiátrico. La película, en la que el personaje de Richardson se siente atraído por un paciente mental, no gozó con la simpatía del público en Estados Unidos, pero le procuró a la actriz varios premios británicos.
"Una de las razones por las que me sentí conectada a Stella, y por qué pienso que un montón de mujeres se pueden identificar con ella, es que todas tenemos esos momentos en la vida cuando estás al borde de un abismo y piensas: ‘¿Voy a arrojar la prudencia al vacío?’", dijo en una entrevista con el Evening Standard de Londres en 2006. "La mayoría de nosotras nos detenemos ahí. Pero no Stella".
Además del revival de ‘A Little Night Music’, en los últimos años Richardson participó en varios otros proyectos con sus familiares. En la película de 2005 ‘La condesa rusa’ [The White Countess], trabajó con Lynn y Vanessa Redgrave. Dos años después, ella y su madre actuaron juntas como madre e hija en ‘El atardecer’.

Mike Boehm contribuyó a este reportaje.

16 de abril de 2009
19 de marzo de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh

Murió Jack Wrangler


Murió actor homosexual de películas pornográficas. A los 62. Era un símbolo de seguridad para muchos homosexuales. El actor abiertamente homosexual, que tuvo una relación que duró décadas con la cantante Margaret Whiting, empezó su carrera haciendo películas para adultos, pero luego se pasó al teatro y al cabaret.
El martes murió, en Nueva York por complicaciones de afección pulmonar, Jack Wrangler, el atractivo actor pornográfico de facciones duras de la era de los setenta cuya franqueza sobre su homosexualidad lo convirtió en un símbolo de asertividad en el mundo homosexual. Tenía 62 años.
Su vida llena de sorprendentes giros -la estrella declaradamente homosexual tuvo una relación de varias décadas con la cantante Margaret Whiting- fue tema del documental ‘Wrangler: Anatomía de un ícono’ [Wrangler: Anatomy of an Icon], estrenada el año pasado.

Nacido como John Stillman en Beverly Hills, hijo del productor de televisión, Wrangler empezó actuando en la serie religiosa del canal NBC, ‘The Faith of Our Children’, en los años cincuenta. Estudió teatro en la Universidad de
Northwestern.
Estaba trabajando como bartendero y bailarín a-go-go en la comunidad homosexual de Hollywood cuando un papel en una pieza en San Francisco lo empujó en una dirección totalmente nueva, con un nuevo apellido que tomó prestado de la etiqueta de su camisa de trabajo a cuadros.
Trabajó en más de ochenta películas adultas, incluyendo ‘A Night at the Adonis’ y ‘Los polvos del diablo’ [The Devil in Miss Jones: Part II].
Conoció a Whiting, una cantante de la época de las grandes orquestas cuyos éxitos incluyen ‘That Old Black Magic’ y ‘Moonlight in Vermont’ en los años setenta. Su romance fue comentado en primera plana: ella era veintidós años menor que él, y Wrangler siguió definiéndose como homosexual incluso en una entrevista con la revista homosexual Advocate este otoño pasado.
Sin embargo, Wrangler dijo al Chicago Tribune en 1985 que los dos "veían las cosas de la misma manera -cómica, profesional y románticamente". Finalmente se casaron.
Abandonó el cine porno después de conocer a Whiting y volcó su atención hacia el teatro y el cabaret, actuando en los números de cabaret de Whiting y en varios espectáculos en torno al legado del letrista Johnny Mercer, que había apoyado su carrera.

15 de abril de 2009
9 de abril de 2009
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Tom Cole


Dramaturgo y guionista. Su película ‘Palabras suaves’, de 1985, fue un catalizador de la carrera de la actriz Laura Dern. A los 75.
[Valerie J. Nelson] Murió Tom Cole, dramaturgo y guionista cuya película de 1985, ‘Palabras suaves’ [Smooth Talk], obtuvo el premio del jurado de lo que ahora es el Festival de Cine Sundance y ayudó a lanzar la carrera de la adolescente Laura Dern. Tenía 75 años.
Cole murió el 23 de febrero de mieloma múltiple, en su casa en Roxbury, Connecticut, informó su esposa Joyce Chopra, que dirigió ‘Palabras suaves’.
Podía describir cualquier personaje con gran empatía, dijo Dern, que fue la chica de quince que es la protagonista de la película, e introducía a sus "personajes a una realidad urgentemente vívida... como si hubiera vivido sus vidas".
La crítico de cine Sheila Benson inició su reseña de 1985 en el Times escribiendo que "la estremecedoramente memorable ‘Palabras suaves’ es probablemente la primera película que pone de pie a la adolescencia en Estados Unidos, incluyendo el último y delicado terror sismográfico".
La película -basada en el cuento de Joyce Carol Oates ‘Where Are You Going, Where Have You Been?’- giraba sobre el despertar sexual de la problemática adolescencia de Dern, que es seducida por un siniestro desconocido (Treat Williams).
Vincent Cole, en un artículo en el New York Times de 1986, dijo que la adaptación de Cole creaba una "profunda y devastadora imagen de Estados Unidos".
"Las cosas no explotan; no hay persecuciones en coche", dijo Cole sobre la película independiente de 1986 en el Chicago Tribune. "En Hollywood no habríamos conseguido el dinero para hacerla".
Mientras rodaba la película, Dern contó que se la podía encontrar a menudo "hablando con Tom, el señor de cincuenta, el profesor del MIT de Boston que me podía orientar sobre qué estaba pasando con la niña".
Una de sus piezas, ‘Medal of Honor Rag’, se basó en la historia real de un veterano de la guerra de Vietnam que volvía a casa como un atormentado héroe. Montada primero en 1975, ha sido representada innumerable veces en el país. En una producción en Los Angeles en 2005, el actor principal fue el rapero Heavy D.
Cuando la pieza fue representada en Broadway en 2001, el New York Times observó que la obra, ambientada en 1971, conservaba toda "su relevancia, su potencia, su torturada piedad".
Entre las otras piezas de Cole se encuentra el drama con dos personajes ‘About Time’, en el que James Whitmore actuaba regularmente. Whitmore murió el 6 de febrero.

Charles Thomas Cole nació en 1933 en Paterson, Nueva Jersey, como el menor de los tres hijos de Helen y David L. Cole. Su padre abogado era un connotado arbitrador laboral y asesor presidencial.
Tras sacar una maestría en historia y literatura en la Universidad de Harvard en 1954, Cole se enroló en el ejército, donde aprendió ruso. En 1959 trabajó como intérprete en la Exposición Nacional Estadounidense en Moscú.
Luego de obtener su licenciatura en ruso y literatura en Harvard, Cole enseñó literatura en el MIT.
Ganó tres premios O. Henry para cuento. En 1966 su novela corta ‘An End to Chivalry’, ganó el premio de la Fundación Rosenthal al logro literario, otorgado por la Academia Americana de Artes y Letras.
Su primer matrimonio terminó en divorcio.
Cuando Chopra andaba buscando a alguien para que colaborara en un guión, un amigo le sugirió a Cole. Se casaron en 1969.
Su hija Sarah Rose Cole, que enseña historia y literatura en Harvard, dijo que su padre pasó de escribir ficción al teatro porque se sentía más cómodo "encontrando las voces de otras personas, a menudo muy diferentes de él mismo".
Además de su esposa e hija, a Cole le sobreviven su hermana Elizabeth y un hermano, Morrill.

14 de abril de 2009
3 de marzo de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Howard Zieff


Dirigió ‘Private Benjamin’ y otras comedias. A los 81.
[Dennis McLellan] Murió Howard Zieff, un importante fotógrafo publicitario y director de comerciales para la televisión en los años sesenta y principio de los setentaantes de dedicarse a la dirección de películas, entre las cuales destacan ‘La recluta Benjamin’ [Private Benjamin], ‘Corazones del Oeste’ [Hearts of the West] y ‘Mi primer beso’ [My Girl]. Tenía 81 años.
Zieff murió el sábado tras complicaciones de su Parkinson en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Angeles, informó su esposa, Ronda Gómez-Quiñones.
Empezando con ‘La plaga’ [Slither] en 1973, una comedia con James Caan y Peter Boyle, Zieff dirigió otras ocho comedias, incluyendo ‘Alegrías de un viudo’ [House Calls], ‘Infielmente tuya’ [Unfaithfully Yours] y ‘Una pandilla de lunáticos’ [The Dream Team].
Los efectos del mal de Parkinson obligaron a Zieff a retirarse poco después del estreno de ‘Mi primer beso 2’ [My Girl 2], en 1994.
"Adoraba a Howard y su entusiasmo con la vida", dijo en una declaración al Times el lunes Goldie Hawn, que fue nominada a un Oscar a la mejor actriz por su papel protagónico en ‘La recluta Benjamin’.
"Lo que más recordaba y añoraba era su humor y su risa", dijo. "Tenía un talento especial para dirigir comedias, lo que es siempre un don poco frecuente. Cuando hicimos ‘La recluta Benjamin’, reímos y lloramos juntos. Lo extrañaré mucho".
Richard Benjamin, una de las estrellas de la película ‘Alegrías de un viudo’ de 1978, dijo el lunes al Times que Zieff "tenía un talento maravilloso y era muy, muy inteligente".
"Lo que más querías cuando estabas con él era que riera", dijo Benjamin. "Si lo hacíamos reír, sabíamos que lo estábamos haciendo bien. Y fue un equipo maravilloso con el que simplemente querías que la comedia floreciera. Había un ambiente relajado y agradable, y él lo mantenía de ese modo".
Antes de que Benjamin conociera a Zieff o supiera quién era, ya era un fan del trabajo gráfico de Zieff en anuncios y comerciales de televisión.
Como director de comerciales de televisión en los años sesenta, Zieff se hizo conocido por lo que la revista Tume llamó su "estrafalario sentido del humor y una imaginación aparentemente ilimitada".
Según la revista, era el "principal practicante de lo que en el oficio se llama la venta indirecta: El producto es visible, pero el comercial llega a la audiencia principalmente porque es entretenido y se niega a ser tomado en serio".
Uno de los comerciales mejor conocidos de Zieff fue el de Alka-Seltzer. ‘Mamma Mia, esta sí que es una albóndiga picante’ en el que se muestra a un equipo de comerciales de televisión filmando a un hombre de edad mediana sentado a una mesa de cocina donde su esposa le ha servido un plato de albóndigas.
"Mamma mia, esta sí que es una albóndiga picante", dice después de comerse un bocado.
"Corten", dice el director fuera de pantalla.
"¿Qué pasa con la toma?", pregunta el actor de las albóndigas.
"El acento".
Y así sigue, debiendo repetir toma tras toma. En la toma 59, los efectos de engullirse todas esas albóndigas empiezan a pasarle la cuenta.
"A veces uno come más de lo que debería", dice el anunciado off-camera. "Y cuando además es picante, mamma mia, lo que necesitas es un Alka-Seltzer..."
Cuando la revista Time lo llamó el ‘Maestro de la Mini Ja-Ja’ en 1967, había dirigido doscientos comerciales en los seis años previos.
Pero también era conocido por sus anuncios en revistas, incluyendo una memorable serie de anuncios para Levy’s Real Jewish Rye Bread que mostraba a un indio norteamericano, un chino y un niño negro.
La muletilla era: "No tienes que ser judío para querer un Levy".
Charlie Moss, ex director creativo de Wells, Rich and Greene, la agencia neoyorquina que empezó en 1966 y está ahora desaparecida, dijo que "una de las grandes contribuciones de Zieff al ramo fue su uso de actores que representaban a gente de verdad, en lugar de modelos".
Entre los desconocidos jóvenes actores a los que Zieff contrató para sus comerciales se encontraban Dustin Hoffman, Robert de Niro y Richard Dreyfuss.
"Durante un periodo fue el rey de la publicidad y luego dejó Nueva York para marcharse a Hollywood", dijo Moss. "Recuerdo que durante esos años era un punto a favor en tus credenciales si Howard consideraba tu comercial como algo que él quisiera hacer".

Zieff nació el 21 de octubre de 1927 en Chicago y se mudó más tarde, con su familia, al distrito de Boyle Heights, en Los Angeles Este.
Estudió arte durante un año en el Los Angeles City College. Abandonó la carrera en 1946 para enrolarse en la Armada y estudió fotografía en la escuela naval de fotografía.
Tras volver a Los Angeles después de su licenciamiento se inscribió en el Art Center College of Design. Trabajó durante un breve periodo en un canal de televisión en Nueva York, donde empezó como fotógrafo publicitario.
Además de su esposa, le sobrevive su hermana Margie Finn.

9 de abril de 2009
24 de febrero de 2009
©los angeles times 
[viene demQh]

Heidi en Hollywood


Consiguiendo trabajo en el mundo del espectáculo. Heidi es una actriz que lo hace todo: sentarse, quedarse quieta, girar. Pero su mamá en las tablas se está dando cuenta de que llegar a ser una estrella en Hollywood para los perros no es nada fácil.
[Diane Haithman] Los Angeles, Estados Unidos. En Los Angeles, el mito de que todo el mundo vive esperando ser descubierto simplemente se niega a morir, alimentado quizás por la remota posibilidad de que un director de reparto entre un día directamente a un local de comidas rápidas y contrate al tipo que atiende en el mesón, con emocionante realismo, para hacer de mesonero de un local de comidas rápidas.
Yo soy inmune a este tipo de fantasía, a menos que esté metido un perro.
En enero de 2008 estaba jugando a la pelota con un pastor alemán en un parque de Studio City, cuando se nos acercó una mujer de una agencia de talentos que sugirió que Heidi tenía pasta para ser estrella y debería someterse a una audición.
Siempre oyes historias sobre agentes que se acercaron a unos padres para hablarles sobre sus hijos, pero ¿un perro? Sin embargo, mi mente ya iba a toda velocidad, imaginámdome mamá-directora-de-escena: ¿Debería mentir sobre su edad? Tiene seis, pero aparenta cuatro... Es grande, pero juega como niña...
Me metí al bolsillo la tarjeta de visita de la mujer, sin pensar ni por asomo que tratar de introducir una pata de Heidi en la puerta de Hollywood nos llevaría a conocer a perros del cine y la televisión, a lecciones de ladrido, caracterización, una introducción al colorido de pieles, una guerra con una rata profesional y un encuentro cercano con un zorrillo muy poco profesional.
Heidi fue encontrada por una amiga de la familia en un alcantarillado en Houston, con su camada de seis cachorros, en la primavera de 2003. Ni siquiera tenía un año. Para cuando fue rescatada, habían muerto tres de los cachorros. Ella y los otros cachorritos eran apenas algo más que piel, huesos y pulgas y necesitaban una transfusión de sangre. Nuestra amiga sabía que queríamos adoptar a una perra adulta y nos llamó; en junio de ese año, mi marido y yo viajamos a Texas para recoger a nuestra nueva mascota.
Cinco años más tarde, llevaba a Heidi a la Hollywood Paws Animal Career Academy.
Durante su audición, Heidi se sentó obedientemente, se mantuvo quieta y agarró la pelota roja. Luego nos llevaron a toda prisa a un encuentro con un tipo de una agencia que nos dijo que habíamos sacado cuatro de los cinco puntos. Yo no sabía que estaban midiendo nuestra ‘interacción canina’.
¿Qué teníamos que hacer para obtener los cinco puntos?
El representante recomendó que inscribiera a Heidi en una combinación de los Niveles I y II con el programa de actuación del Nivel III. El precio era de 3.995 dólares. No alcancé a preguntar cuánto costaba el Nivel III.
(Hollywood Paws fue denunciada en 2006 por más de una docena de dueños de mascotas que dijeron que la agencia no cumplió con sus compromisos de audición ni entregó las conexiones prometidas con Hollywood, pero un juez del Tribunal Superior desechó todos los cargos por fraude o negligencia. Una cita de la declaración de motivos: "Muchos de los querellantes querían que sus mascotas fueran superestrellas, pero Hollywood está lleno de desengaños").
Le dije al agente que lo iba a pensar.
Luego, a sugerencia de un entrenador de obediencia que trabajó con Heidi justo después de que la lleváramos a Los Angeles, empecé a investigar el club de iniciados de las compañías de animales de Hollywood. ¿Serían un obstáculo para que Heidi ascendiera al estrellato animal?
Después de mirar a un pastor alemán llamado Rowdy representar un papel fundamental como un perro que es acusado falsamente de asesinato en un episodio de ‘NCIS’, llamé a los productores y descubrí que el entrenador de Rowdy era Shawn Weber. Durante una visita al plató, Weber no se mostró entusiasta. La mayoría de los animales del mundo del espectáculo no son mascotas, dijo; son poseídos y adiestrados por compañías animales. Se refirió a Heidi como un "animal particular".
¿Tenía alguna posibilidad de encontrar trabajo?
"Eso es tan realista como si pudiera convertirme en Tom Cruise".
Weber agregó que, si superaba los obstáculos, Heidi se enfrentaría a un problema que aqueja a muchos actores humanos: su encasillamiento. Los pastores alemanes son vistos como perros policiales, perros guardianes o perros de ataque. El rol de mascota lo destinan normalmente a un labrador o a un golden retriever.

Sin inmutarme, mi siguiente llamado fue para Animal Actors 4 Hire, una compañía dirigida por Moe DiSesso en el pasado, que fue durante nueve años en adiestrador de ‘Seinfeld’ y un abastecedor de animales para películas como ‘La revolución de las ratas’ [Willard], ‘El día de la independencia’ [Independence Day] y ‘Annie’.
Hablé con su viuda, Sue, también una experimentada adiestradora, que parecía saber de lo que hablaba, incluyendo los asombrosos obstáculos que Heidi debía superar en la industria. A regañadientes aceptó beber un café conmigo.
La primera observación de DiSesso sobre Heidi fue que tenía que aprender a ladrar cuando se lo ordenaran. (Fue otra confirmación de que si Heidi conseguía alguna vez un papel en el cine o la televisión, lo más probable era que fuera persiguiendo a tipos malos que retozando con niñitos).
Otro problema potencial: como muchos perros grandes, Heidi sufre de problemas en las articulaciones. DiSesso temía que Heidi no fuera capaz de hacer las secuencias de acción repetitiva que se exige a menudo de pastores alemanes. Las opciones de Heidi podrían limitarse a papeles no activos, incluyendo comerciales de televisión o anuncios impresos. Lo positivo era que Heidi había empezado a recibir tratamientos periódicos de acupuntura incluso antes de sus intentos de entrar al mundo del espectáculo.
Mientras DiSesseo hablaba, una cosa me quedó clara: si se trataba de que Heidi lo consiguiera, teníamos que conseguirnos un entrenador sindicalizado y con conexiones.
No sé quién parecía más angustiada, si yo o Heidi, pero al final de nuestros lattes, DiSesso accedió a aceptar a Heidi como cliente. "Veamos si le podemos conseguir algún trabajo", dijo. Pero agregó: "Toma cerca de un año adiestrar a un perro actor".
También se necesita una mente abierta. Durante nuestras sesiones de adiestramiento, tuve varios encuentros con lo inesperado y lo desconocido:

* DiSesso apareció un día con un ‘aparato para gruñir’, que expone los colmillos cuando se lo coloca en el hocico para que el perro se vea maaalo. Me explicó que, para muchos perros, el único modo de que gruñan es provocarlos hasta el punto de que quieren agredirte, y nadie quiere tener a un perro agresivo en el plató.
Una vez que se ha utilizado el aparato y la toma está en la lata, el productor de la película o del programa de televisión puede repetir los sonidos apropiados.

* Después de explicar que un animal protagonista puede necesitar dobles o triples en el estudio, DiSesso nos introdujo a Rose Ordile, uno de los principales coloristas animales de Hollywood. Ordile había convertido caballos blancos en cebras, gatos blancos en gatos tricolores y cambiado las motas de los border collies, todo con colores no tóxicos.

* Un perro de teatro o de cine debe aprender a ignorar la distracción. Un día DiSesso se apareció con Sweetie, una rata gris de seis meses, para que pudiéramos enseñar a Heidi a no perseguirla como si fuera un juguete para chupar vivo. Al principio, puso la jaula del roedor fuera de su alcance, en mi mesa de comedor. ("Las ratas son muy limpias", insistió el entrenador).
Cuando llegó la hora de que los dos animales se conocieran, DiSesso me hizo decidir si coger a la perra o a la rata. Elegí al perro, manteniendo a Heidi fuertemente cogida con una correa corta, preparada para provocar un fuerte chasquido correctivo si atacaba al roedor. Con la firme dirección de DiSesso, Heidi ni se acercó a la rata. Por otro lado, su inclinación a perseguir ardillas puede ser una adicción inquebrantable.
Pese a los encuentros inesperados, el proceso de adiestramiento fue algo tedioso. ¿No sería posible que un poquito de glamour de Hollywood lo hiciera más entretenido?
Intenté conseguir un encuentro entre Heidi y Rusco, el chihuahua que hizo de Papi en ‘Beverly Hills Chihuahua’, y me rechazaron. Más tarde, Heidi tuvo un encuentro con un perro famoso: Jonah, uno de los veintidós labradores amarillos utilizados para representar al personaje protagónico de ‘Marley & Me’.
El adiestrador de ‘Mailer’, Mark Forbes, llevó a Jonah al Johnny Carson Park en Burbank para reunirse con Heidi y compartir algunos datos.
Reiteró que es raro ver a un perro particular en una película. Aunque muchos de los perros usados en ‘Marley’ eran "verdes" (esto es, no tenían adiestramiento previo, ni siquiera habían tenido lecciones de obediencia), eran, como Jonah, de propiedad de compañías de animales profesionales. ¿La razón? Forbes dijo que preparar a un perro para que aparezca en una película puede tomar cuatro a cinco meses. Durante ese tiempo, el animal vive con un entrenador y la mayoría de la gente, incluyéndome yo, no queremos separarnos tanto tiempo de nuestras mascotas.
Pero pese a las dificultades, no podía simplemente abandonar la idea de que Heidi pudiera conseguir algo en el mundo del espectáculo.
Llamé a un hombre que sabe más que nadie sobre perros actores: William Berloni, de Theatrical Animals, de William Berloni, y autor de ‘Broadway Tails: Heartfelt Stories of Rescued Dogs Who Became Showbiz Superstars’. La compañía de Berloni también trabaja para la televisión y el cine, aunque es quizás mejor conocido como el entrenador que rescató a un tímido chucho de un refugio y lo adiestró para convertirse en el primer Sandy del musical ‘Annie’, en Broadway.
Berloni todavía adiestra perros para producciones de ‘Annie’ y en eneroinvitó a Heidi para un papel como extra en una producción itinerante en el Teatro Kodak, de Hollywood. Pero era un papel principal, pero era un principio.
A medida que se aproximaba la fecha, Berloni llamó para concertar una cita entre Heidi y Mikey, el perro que hacía de Sandy, simplemente para asegurarse de que los perros se llevaran bien en el escenario.
La noche antes del encuentro, Heidi tuvo una cita con un peluquero y emergió, como siempre, suave, fragante e histérica. Quizás se debió a la excitación en el baño lo que la llevó a salir disparada de la casa, antes que yo, cuando salí a buscar la correspondencia. La encontré debajo de un árbol, moviendo el rabo, con un enorme zorrillo colgando de su boca.
Esto no le podía haber pasado a un niño estrella.
Después de un prolongado frotamiento de emergencia, Heide estuvo lo suficientemente presentable como para citar a Mikey para el día siguiente. Aunque nunca fueron amigos, se toleraron lo suficientemente bien como para evitar que Heidi fuera despedida.

La noche de su debut, recibí una llamada de un representante del programa diciéndome que yo debía cruzar el escenario con Heidi durante el número musical ‘N.Y.C.’ del Acto I. Yo debía representar a una dama de la alta sociedad, pero mi principal papel era mantener a Heidi tranquila.
Entre bastidores, Heidi cumplió con el estereotipo de su legado teutónico y gruñó al inspector animal que se apareció para asegurarse de que estaban siendo bien tratados. De hecho, antes de que se elevara la cortina, Heidi le gruñó a todo el mundo, incluyendo a Madison Kerth, que hacía de Annie. Pero pese al ruido y a las distracciones, y a los tramoyistas y ‘huérfanos’, Heidi hizo exactamente lo que tenía que hacer. Fue una victoria de treinta segundos.
Después del programa la reconocieron incluso en el ascensor, quizás porque era el único pastor alemán en los alrededores.
¿Hay otros papeles para Heidi en el futuro? Por consejo de Berloni, están examinando la posibilidad de pararla frente a una cámara y buscar trabajo como equipo, como ‘extra con mascota’. Por supuesto, estoy vacunada contra los atractivos de Hollywood, pero haría cualquier cosa por el perro.

8 de abril de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh
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Murió Dorothy Bridges


Era el corazón de una familia de actores. Fue la esposa de Lloyd Bridges durante 59 años y la madre de los actores Beau y Jeff Bridges. Se la recuerda como la fuerza creativa tras ellos.
[Dennis McLellan] Murió Dorothy Bridges, viuda del actor Lloyd Bridges y madre de los actores Beau y Jeff. Tenía 93 años.
Bridges murió el lunes por causas naturales en su casa en Holmby Hills, donde ella y su último marido criaron a sus dos hijos y a su hija artista, Lucinda, anunció su familia.
Actriz ocasional que apareció en varias películas y producciones de televisión con miembros de su familia, Bridges estuvo casada durante 59 años con Lloyd, que alcanzó la fama a fines de los años cincuenta como la estrella de la serie de televisión ‘Caza submarina’ [Sea Hunt] y más tarde tuvo roles en las comedias ‘Airplane’ y ‘La madre de todos los desmadres’ [Hot Shots]. Él murió en 1998.
Durante su largo matrimonio, Dorothy Bridges escribió poemas y celebró cada Día de los Enamorados con un poema de amor dedicado a su marido.
En 2005, a los 89, los reunió en el libro ‘You Caught Me Kissing: A Love Story’, que hacía la crónica de su vida juntos, con fotos y comentarios de ella y sus hijos.
"Era el corazón" de la familia, dijo Jeff Bridges al Times el viernes. "Mi papá era como la fachada: Él recibía toda la atención pública. Pero mi mamá estaba detrás de todo, manteniendo las cosas juntas, y lo hacía con su particular tipo de bríos".
También fue la primera profesora de teatro de sus hijos.
"Era una persona muy creativa y nos inspiró a todos", dijo Jeff, recordando que cuando eran pequeños él y su hermano y hermana, su madre les dedicaba una hora al día a cada uno para hacer todo lo que quiere hacer un niño: desde "vestirnos como payasos" hasta "jugar a las naves espaciales".
"En esos tiempos aprendimos con mamá a ‘hacer como si’, que es básicamente la base de la actuación", dijo, agregando que sus dos padres habían estudiado con el famoso profesor de actuación Michael Chekhov, "y un montón de las cosas que mamá aprendió con él, nos las transmitió a nosotros".

Nacida como Dorothy Louise Simpson el 19 de septiembre de 1915, su familia se mudó a Los Angeles cuando tenía dos años.
Estudió en la UCLA donde apareció en una pequeña producción dramática en la que el actor principal era Lloyd Bridges. Se casaron en Nueva York en 1938 y volvieron a Los Angeles a principio de los años cuarenta, cuando Lloyd firmó un contrato con Columbia Pictures.
Dorothy Bridges apareció más tarde en la pantalla con otros miembros de su familia, en ‘Caza submarina’, en la película para la televisión ‘The Thanksgiving Promise’, de 1986, en la película ‘See You in the Morning’ y en la película para la televisión ‘Pecados inconfesables de un padre’ [Secret Sins of the Father], de 1994.
Además de sus tres hijos, la sobreviven su hermano Frederick Simpson Jr.; once nietos; y dos biznietos.

8 abril de 2009
21 de febrero de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh

Murió Oreste Lionello, la Voz de Woody Allen


Doblador de cine conocido como la ‘voz’ de Woody Allen.
Roma, Italia. En Roma murió hoy en un hospital Oreste Lionello, artista y doblador de cine que era la ‘voz’ italiana de Woody Allen, Jerry Lewis y otras estrellas del cine cómico.
Lionello, 81, era una estrella en la importante industria del doblaje cinematográfico en Italia.
Pocos cines italianos proyectan películas en el idioma original, así que los cinéfilos sólo conocen las voces de las estrellas de Hollywood mediante dobladores como Lionello.
El actor y director italiano Pier Francesco Pingitore, que hacía números de cabaret con Lionello, dijo que el doblador murió el jueves en la mañana después de una larga enfermedad. No se proporcionaron detalles sobre la enfermedad.
Además de Allen y Lewis, otros actores doblados por Lionello fueron, entre otros, Peter Sellers, Marty Feldman y Charlie Chaplin en ’El gran dictador’ [The Great Dictator].
A veces Lionello respondía el teléfono diciendo: "Soy la voz de Woody Allen". Para los que sólo habían visto las películas de Allen en italiano, oír la verdadera voz de Woody Allen podía ser chocante. El doblaje de Lionello captaba todos los tonos neuróticos y sarcásticos del habla de Allen.
Al principio de su carrera, Lionello trabajó en teatro como un actor cómico y en cabaret, donde se destacó por sus imitaciones del veterano político italiano Giulio Andreotti. Lionello también trabajó exitosamente como artista en la televisión italiana en los años setenta y ochenta.
Pero fue en el doblaje donde ganó su mayor fama.
Mientras en otros países europeos se dispone de versiones subtituladas de películas extranjeras en el idioma original, la mayoría de los cientos de películas importadas cada año en Italia son dobladas.
Algunos distribuidores dicen que el doblaje persiste debido a que mucha gente no asiste a las proyecciones subtituladas.

24 de febrero de 2009
19 de febrero de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Dale Wasserman


Dramaturgo mejor conocido por ‘El hombre de La Mancha’. A los 94.
[Dennis McLellan] Murió Dale Wasserman, dramaturgo mejor conocido por el musical de Broadway galardonado con un Tony, por ‘El hombre de La Mancha’ y la versión teatral de la novela de Ken Kessey, ‘Atrapado sin salida’ [One Flew Over the Cuckoo’s Nest; Alguien voló sobre el nido del cuco’. Tenía 84 años.
Wasserman murió el domingo por una insuficiencia cardiaca en su casa en Paradise Valley, Arizona, informó Richard Warren, un amigo.
Wasserman pasó de escribir para la televisión en vivo en los años cincuenta, a escribir los guiones de varias películas, incluyendo ‘Los vikingos’ [The Vikings] (1958), con Kirk Douglas; y ‘La mujer sin rostro’ [Mister Buddwing] (1966), con James Garner.
Pero fue como uno de los más producidos dramaturgos vivos de Estados Unidos, en gran parte gracias a ‘El hombre de La Mancha’, que fue mejor conocido en las últimas cuatro décadas.
‘El hombre de La Mancha’, con música de Mitch Leigh y letra de Joe Darion, estrenó en 1965 y terminó en 1971 después de más de 2.300 presentaciones en cuatro teatros diferentes de Nueva York.
El musical -basado en la vida del novelista y dramaturgo español Miguel de Cervantes y la famosa creación de Cervantes, Don Quijote- ganó cinco Tonys, incluyendo al mejor musical, al mejor compositor y al mejor actor en un musical (para Richard Kiley).
En 1997, Wasserman dijo a Seattle Post-Intelligencer que ‘El hombre de La Mancha’ había sido traducido al menos a cuarenta idiomas y "hay siempre entre cuarenta y cincuenta producciones siendo realizadas en cualquier momento".
El musical, dijo Wasserman al Times en 1994, "también apela al otro lado de la frontera, sin ninguna referencia a situaciones políticas -es tan universal como posible. Por supuesto, cuando lo estaba escribiendo no lo sabía".
La génesis de ‘El hombre de La Mancha’, fue ‘I, Don Quixote’, de Wasserman, un drama para la televisión de noventa minutos sobre ‘The Du Pont Show of the Month’, con Lee J. Cobb tanto como Cervantes como Don Quijote y Eli Wallach como Sancho Panza.
Wasserman estaba viviendo en España y trabajaba en un guión cuando decidió escribir teatro para la televisión.
"Un artículo en International Herald-Tribune decía erróneamente que yo estaba en el país escribiendo una nueva adaptación de ‘Don Quijote’", recordó en la entrevista con el Times de 1994.
"Así que nunca leí la novela. Todavía no la he leído completamente. De hecho, no me gusta la novela".
Pero, dijo, observó que "habían habido más de cuatrocientas adaptaciones de ‘Don Quijote’ y fracasaron todas. Lo he estado investigando, y lo que me interesaba era el personaje de Cervantes, no Don Quijote".
Como dijo Wasserman sobre Cervantes en una entrevista de 1959 con el Times: "Aquí, ciertamente, fue uno de los hombres más desgraciados que ha vivido. Afligido por la pobreza, perseguido por la mala fortuna, su vida fue una saga de fracasos... cinco veces en la cárcel, dos veces excomulgado por la iglesia, a menudo a punto de morir de hambre, soportaba las penurias con buen humor y una inagotable fe en la vida".
Cervantes estaba en sus cincuenta y en la cárcel cuando empezó a escribir su clásico literario.
Al hacer su pieza para la televisión sobre Cervantes, Wasserman dijo que decidió "expresar su espíritu en términos de los personajes literarios que creaba: su coraje, su humor y su creencia en la ilusión como el pan de la vida".
Si se pudiera definir su pieza en una sola frase, Wasserman dijo que sería en el credo que escribió para el Quijote:
"Soñar el sueño imposible, derrotar al enemigo invencible y no dejar nunca de soñar o pelear: este es un privilegio del hombre y la única vida que vale la pena vivir".
La adaptación al teatro, de Wasserman, de ‘Atrapado sin salida’ [One Flew Over the Cuckoo’s Nest], la novela de Kesey de 1962 ambientada en un hospital psiquiátrico, con Kirk Douglas como el rebelde Randall P. Murphy. La pieza fue estrenada en Broadway en 1963 y terminó después de 82 presentaciones.
"Fue terrible", dijo Wasserman al Seattle Times en 1997. "Kirk tenía tanto miedo de volver al teatro vivo que se refugió en ser amoroso en todo momento de la pieza. Pero su personaje era mitad Cristo, mitad hombre, y lejos de ser amoroso".
De acuerdo al artículo del Seattle Times, Wasserman recuperó más tarde los derechos plenos de su guión ‘Atrapado sin salida’, y la pieza ha sido producida en teatros regionales y en el extranjero. En 2001 ganó un Tony al mejor remake de una pieza.

Wasserman nació el 2 de noviembre de 1914 en Rhinelander, Wisconsin. Tras quedar huérfano a los nueve, vivió en un orfanato y durante un breve período con un hermano mayor en Dakota Sur.
"Soy un vagabundo", dijo Wasserman al Daily Breeze en 2001. "Fui un vagabundo durante toda mi adolescencia, viajando en tren y viviendo alternativamente en la terraza de los edificios de Spring Street en el centro de Los Angeles.
"La única educación que tuve fue leer... Lamento no haber recibido una enseñanza formal. Pero sí aprendí a conocer a la naturaleza humana, aunque a veces fue muy rudo".
A los diecinueve, vivía en un tejado de Spring Street, contó al Times en 1995, cuando se unió a la troupe de teatro callejero llamada Rebel Players.
Trabajó, entre otras cosas, como director de escena, fue director del Proyecto Teatro Federal y se encargó de la escenificación y diseño de las luces para la compañía de danza Katherine Dunham.
También fue el productor original del musical de Broadway de 1946, ‘Beggar’s Holiday’, la versión jazzística de Duke Ellington, de ‘La ópera del mendigo’ [The Beggar’s Opera], de John Gay. La producción debió ser protegida con piquetes porque incluía un romance interracial.
Sesenta años después, Wasserman reformuló el guión y rescribió el libro y la letra para una nueva producción del musical que tuvo su debut mundial en la Marin Theater Company en 2004.
Hasta su muerte, Wasserman estaba trabajando en varias piezas nuevas y a la espera del estreno el 9 de enero de la nueva comedia ‘Premiere!’ en Theater Works en Peoria, Arizona.
Le sobrevive su esposa durante treinta años, Martha.

21 de febrero de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]