cine general

Murió Arnold Laven

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Director y productor. Entre sus obras se encuentran series de televisión como ‘El hombre del rifle’ y ‘Valle de pasiones’, y películas de vaqueros y de horror para la gran pantalla.

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Murió Arnold Laven, director de cine y televisión que también fue socio de la compañía de producción que produjo las series de televisión ‘El hombre del rifle’ [The Rifleman] y ‘Valle de pasiones’ [The Big Valley]. Tenía 87 años.
Laven falleció el 13 de septiembre por complicaciones de una neumonía en el Centro Médico Tarzana, informó Steven H. Gardner, un amigo de la familia.
Con Jules V. Levy y Arthur Gardner y sus socios, lanzaron la compañía que más tarde sería conocida como Levy-Gardner-Laven Productions, empezando con ‘Llegan sin avisar’ [Without Warning!], una película policial de suspenso de bajo presupuesto, dirigida por Laven en 1952.
En los siguientes treinta años, su compañía produjo más de veinte películas, incluyendo ‘Cambalache’ [Clambake], ‘Camino de la venganza’ [The Scalphunters], ‘La sombra del cazador’ [The Hunting Party], ‘Brannigan’, ‘McQ’, ‘Sam Whiskey’, ‘Los traficantes’ [White Lightning], ‘Gator’ y ‘Kansas City Bomber’.
La compañía también produjo las películas de horror de bajo presupuesto de los años cincuenta: ‘El hombre vampiro’ [The Vampire], ‘El retorno de Drácula’ [The Return of Dracula] y ‘El monstruo que desafió al mundo’ [The Monster That Challenged the World].
En los años cincuenta y sesenta produjo cuatro series para la televisión: ‘Law of the Plainsman’, ‘El hombre del rifle’, ‘Los detectives’ [The Detectives, Starring Robert Taylor] y ‘Valle de pasiones’.
Cuando Laven y sus socios estaban desarrollando ‘El hombre del rifle’, Laven se inspiró en su propia relación con su hijo Larry y le dijo al escritor Sam Peckinpah que elaborara sobre una relación entre padre e hijo.
La serie de vaqueros nominada a un Emmy, que emitió el canal ABC desde 1958 a 1963, contó con Chuck Connors como el colono de Nuevo México, Lucas McCain, y Johnny Crawford como su hijo huérfano de madre, Mark.
Tras la muerte de Connors en 1992 a los 71, Laven dijo a la revista People: "La relación de Chuck y Johnny era justamente lo que andábamos buscando, dura y franca, con amor, pero también con la idea de preparar a un niño para su crecimiento".
Laven dirigió episodios de ‘El hombre del rifle’ y ‘Valle de pasiones’, así como episodios de ‘Mannix’, ‘Ironside’, ‘El hombre nuclear’ [El hombre de seis millones de dólares; The Six Million Dollar Man], ‘Los casos de Rockford’ [The Rockford Files], ‘La isla de la fantasía’ [Fantasy Island], ‘Con ocho basta’ [Eight Is Enough], ‘Chips, patrulla motorizada’ [ChiPs], ‘Canción triste de Hill Street’ [Hill Street Blues], ‘Los magníficos’ [The A-Team], y otras.
En sus largometrajes como director se encuentran ‘No hay crimen impune’ [Down Three Dark Streets], ‘Traidor a su patria’ [The Rack], ‘El monstruo que desafió al mundo’, ‘Matanza en la Décima Avenida’ [Slaughter on Tenth Avenue], ‘Anna Lucasta’, ‘Gerónimo, una leyenda’ [Geronimo], ‘Gloriosos camaradas’ [The Glory Guys] y ‘Sam Whiskey’.
"El hecho de que fuera mi socio significaba que yo podía seguir y seguir", dijo Arthur Gardner en una entrevista. "Además de ser un tipo con mucho talento, era un hombre muy cálido, amistoso, amable y le caía bien a todo el mundo".

Nacido el 23 de febrero de 1922 en Chicago, Laden se mudó con su familia a Los Angeles a fines de los años treinta y pronto inició su carrera en Hollywood como mensajero de la sala de correos de la Warner Bros.
Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó en películas de adiestramiento como miembro de la Primera Unidad de Cine de la Fuerza Aérea del Ejército en los Hal Roach Studios en Culver City, donde sus futuros socios -Levy y Gardner- eran también miembros.
Después de la guerra, Laven trabajó como supervisor de guiones antes de asociarse con Levy y Gardner.
A Laven le sobreviven su esposa durante 58 años, Wally; su hija Barbara Laven; su hijo Larry; y su hermana Rennei Skepner.

12 de octubre de 2009
9 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Dorothy Wellman

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Actriz y bailarina de Hollywood.

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El miércoles murió en su casa en Brentwood la actriz y bailarina de Busby Berkeley, Dorothy ‘Dottie’ Wellman, que fue la quinta y última esposa del director de cine de Hollywood, William Wellman, informó su hijo William Wellman Jr. Tenía 95 años.
Nacida el 25 de noviembre de 1913 en Minneapolis, se mudó con su familia a Los Angeles cuando era niña. Siguió clases de baile y a los catorce abandonó la escuela cuando obtuvo un rol como bailarina en la película ‘Show of Shows’ (1929), de la Warner Bros. Luego bailó en las secuencias coreografiadas por Berkeley en películas como ‘Torero a la fuerza’ [The Kid From Spain] (1932), ‘La calle 42’ (1933) y ‘Vampiresas 1933’ [Gold Diggers de 1933] (1933).
Estaba trabajando en ‘Vampiresas 1933’ cuando conoció a Wellman, un prolífico director que llevó la película ‘Alas’ [Wings], de 1927, al primer premio de la Academia a la mejor película. La contrató para la película de 1933, ‘Wild Boys of the Road’ y se casaron al año siguiente.
Dorothy Coonan dejó la actuación para dedicarse a su familia y tuvo siete hijos, todos los cuales hicieron carrera en el mundo del espectáculo. La pareja se mantuvo casada hasta la muerte de Wellman en 1975.
Además de su hijo William, le sobreviven otros dos hijos, Mike y Tim; cuatro hijas, Cissy Wellman Guydus, Kitty Wellman, Maggie Cerminaro y Patricia Lawe; vientidós nietos y doce biznietos.

8 de octubre de 2009
19 de septiembre de 2009
©los angeles times
[viene demQh]

Murió Patrick Swayze

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Estrella de ‘Dirty Dancing’ y ‘Ghost’. El año pasado le habían diagnosticado cáncer al páncreas. Estaba escribiendo sus memorias.

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[Valerie J. Nelson] Falleció Patrick Swayze, actor y bailarín de ballet clásico cuyo papel en la perdurablemente popular ‘Dirty Dancing’ lo convirtió en una estrella de cine y debió luchar contra la alienación de la fama y contra su caracterización como actor protagonista. Tenía 57 años.
Swayze, que también fue protagonista de la exitosa película ‘Ghost, la sombra del amor’ [Ghost], murió en Los Angeles rodeado por sus familiares, informó su publicista Annett Wolf.
Le diagnosticaron cáncer al páncreas a principios del año pasado, dos semanas después de que la producción aceptara el piloto de ‘La bestia’ [The Beast], una serie de A&E en la que representaba a un poco convencional agente del FBI.
Aunque el cáncer estaba avanzado, sus médicos le informaron que tenía una forma más controlada de la enfermedad y convenció al canal para que continuara con la serie.
La serie se rodó en cinco meses en Chicago, mientras Swayze era sometido a quimioterapia e ingería un fármaco experimental que combatía los tumores.
"Estoy orgulloso de lo que estoy haciendo", dijo Swayze al New York Times, en octubre. "¿Cómo mantener una actitud positiva cuando todas las estadísticas dicen que te estás muriendo? Seguir trabajando".
Días antes de que la serie debutara en enero, Swayze fue internado con neumonía en un hospital, un desarrollo que empañó el lanzamiento de la serie. Le dieron de alta después de una semana y volvió a casa para recuperarse.
Su fama se convirtió en un obstáculo cuando, en sus últimos meses, luchaba contra lo que llamó un "implacable periodismo" que anunciaba regularmente que estaba a punto de morir. Esa cobertura periodística era equivalente a "crueldad emocional", dijo, "en momentos en que la esperanza es tan valiosa".
Cuando se estrenó ‘Dirty Dancing’ en 1987, fue un éxito inesperado debido en gran parte debido al considerable carisma y talento artístico de Swayze. Los críticos elogiaron la rufianesca hidalguía que dio al personaje de Johnny Castle, un sensual y sensible profesor de baile en el lado equivocado del mundo.
También observaron la ardiente relación entre Swayze y su pupila adolescente, apodada Baby (Jennifer Grey). Sus exuberantes actuaciones fueron consideradas fundamentales para sus carreras.
Para Swayze, la musical historia de amor ambientada en el balneario de Catskills funcionó porque la gente volvía a vivir "esos momentos maravillosamente dolorosos... cuando necesitas amar a alguien con todo tu corazón, y que te correspondan... Además, era una película muy erótica", dijo al Times en 1997.
En la escena culminante de ‘Dirty Dancing’, Swayze dice una frase con arrogante perfección. "Nadie pone a Baby en un rincón", dice, mientras desafía a su padre (de ella) y la saca a bailar por una inspirada y final secuencia de baile. Los fans dijeron que esa escena consolidó el lugar de la película en el panteón de las mejores películas de citas amorosas de la historia.
Rechazó una oferta de siete millones de dólares para hacer la secuela de ‘Dirty Dancing’ y rechazó igualmente papeles que lo caracterizaban como un hombretón con corazón de oro.
"Me gustan los retos", dijo Swayze al Chicago Tribune en 1989.
Después de aparecer como un rudo agente de policía en ‘Con su propia ley’ [Next of Kin] y un duro gorila en ‘De profesión duro’ [Road House] -dos películas de 1989 que fueron un fracaso-, luchó por conseguir el papel principal de la romántica y sensiblera ‘Ghost’. Swayze dijo a un entrevistador que pensaba que ese papel le ayudaría a ser visto como actor, antes que como ‘bailarín’ o ‘actor de acción’.
En la película, Swayze es un inversionista bancario que es asesinado y retorna como fantasma para resolver su asesinato y expresar más cabalmente su amor por su novia, Demi Moore. Whoopi Goldberg, en un papel que le mereció un Oscar, es la reluctante médium que transmite sus mensajes. La película tocó la vena seductora del público y fue un éxito instantáneo.
‘Ghost’ confirmó la condición de ídolo de Swayze -la antigua crítica de cine del Times, Sheila Benson, se preguntaba en su reseña de 1990 si algunas escenas habían sido diseñadas especialmente para que Swayze apareciera sin camisa, porque en muchas escenas se lo ve sin ninguna. Pero la película confirmó la legitimidad de Swayze como actor.
La película parecía que aseguraría su carrera como actor protagonista, pero se encaminó en otra dirección.
Protagonizó, con Keanu Reeves, ‘Le llaman Bodhi’ [Point Break] (1991), una película de acción en la que fue un paracaidista de caída libre profesional y surfista. En la noble ‘La ciudad de la alegría’ [City of Joy] (1992), Swayze fue un médico estadounidense idealista en Calcuta; los críticos dijeron que fue una mala opción, pero que la sobrevivió bastante bien.
En ‘A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar’ [To Wong Foo, Thanks for Everything, Julie Newmar] (1995), representó a una reinona. Fue una mala decisión. Defendiendo sus opciones, Swayze dijo que estaba "hastiado de la mentalidad taquillera de Hollywood".
Las películas de culto "me han dado una carrera de treinta años. No habría valido la pena que me hubiese estancado como actor protagonista o bailarín", dijo, de acuerdo a un reportaje publicado en el London Daily Express el año pasado.
"La soledad de la fama" fue un tema que trató a menudo, advirtiendo en Playboy en 1992: La fama te puede hacer "sentir que te has mandado una terrible estafa y que toda tu vida es una mentira. Toda la conmoción terminó convirtiéndome en un cínico, y me transformó en un borracho no muy simpático".
Atribuyó a su esposa, Lisa Niemi, una bailarina a la que conoció en Texas para casarse con ella en 1976, haberle ayudado con su alcoholismo que dijo que había empezado después de la muerte de su padre en 1982 y parecía mantener el ritmo con su creciente fama.
Rodeado por una multitud en el estreno de una película en 1989, Swayze destruyó la habitación del hotel donde se hospedaba y se dio cuenta de que tenía que dejar de beber, contó a la revista People en 1990. Dijo que dejó de beber al día siguiente.
Pero su problema con el alcohol volvió a emerger y tuvo que superar una depresión que adquirió después de que su hermana mayor Vicki se suicidara en 1994 y tras la muerte de varios amigos. Un ultimátum de su mujer lo envió a rehabilitación, dijo al Sunday Times de Londres en 2006.
"Tengo un lado salvaje", dijo Swayze una vez. "Si mi vida se ve bien, empiezo a sabotearla".
Escapó de la fama en un rancho de 2.5 hectáreas que la pareja bautizó como Rancho Bizarro en las laderas de las Montañas de San Gabriel. Se dedicaron a la crianza de caballos árabes y pavos reales.

Nació el 18 de agosto de 1952 en Houston, el segundo de los cinco hijos de Jesse y Patsy Swayze.
Su madre era profesora de baile y coreógrafa de ballet profesional. Se encargó de la coreografía de la película de 1980, ‘Cowboy de ciudad’ [Urban Cowboy]. Su padre era dibujante técnico. Swayze lo definía como un "vaquero cortés".
Su madre le enseñó a bailar a temprana edad y fue implacablemente hostigado debido a ello. "Tuve que pelear desde que era pequeño", dijo Swayze en el reportaje del Sunday Times.
Después de dos años en el San Jacinto College de Houston, Swayze abandonó los estudios para hacer de Príncipe Azul en el espectáculo sobre hielo ‘Disney on Parade’ que salía de gira.
En 1972 se mudó a Nueva York con la intención de labrarse una carrera en el ballet.
Su futura esposa, Niemi, a la que conoció en la academia de baile de su madre, era cinco años menor que él. Ella lo siguió después de egresar de la secundaria en 1975.
Los dos consiguieron trabajo en la segunda compañía de Joffrey Ballet.
En 1976 Swayze se incorporó a la Eliot Feld Ballet Company, pero después de un año como bailarín principal, una lesión en la rodilla de los días en que jugaba fútbol americano en la secundaria volvió a inflamarse, poniendo fin a su carrera como bailarín.
Se dedicó exclusivamente a la actuación y fue contratado para el papel protagónico de ‘Brillantina’ [Grease] en Broadway, un papel que previamente había ayudado a convertir en estrellas a John Travolta y Barry Bostwick.
El año en que se mudó a Los Angeles, Swayze apareció en su primera película, ‘La fiebre del patín’ [Skatetown, U.S.A.], de 1979, como el cabecilla de una pandilla de patinadores y bailarines.
La película ha sido llamada "afablemente mala", pero su actuación fue comentada positivamente por Kevin Thomas, del Times: "Desde que Valentino hiciera su tango en ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ [The Four Horsemen of the Apocalypse] que no se producía semejante exhibición de sexualidad masculina como cuando un ágil recién llegado al cine llamado Patrick Swayze se lanza a la pista".
En 1983 apareció con Matt Dillon y otras estrellas emergentes en ‘Rebeldes’ [The Outsiders], de Francis Ford Coppola, que dio un empujón a la carrera de Swayze.
En 1984, fue protagonista de la primera película distribuida ampliamente con una calificación de Guía Parental para mayores de trece años, ‘Amanecer rojo’ [Red Dawn]. La violenta película ambientada en la Guerra Fría fue en gran parte desechada por los críticos como inverosímil, pero la actuación de Swayze como un joven que se convierte rápidamente en líder de un grupo de rebeldes fue elogiada por comunicar convincentemente su tormento emocional. Grey, con el que aparecería en ‘Dirty Dancing’, también estuvo en el reparto.
Consideraba que su primer gran papel en el cine fue su actuación como el soldado confederado Orry Main, en la miniserie del ABC sobre la Guerra Civil en Estados Unidos, ‘North and South’, en 1985.
Con su esposa fue protagonista de la futurística ‘El guerrero del amanecer’ [Steel Dawn], que fue estrenada en 1987 después de ‘Dirty Dancing’, pero no tuvo gran acogida.
Ocasionalmente componía para películas, incluyendo el guión y las canciones de ‘She’s Like the Wind’ en ‘Dirty Dancing’ y ejecutando música de fondo en ‘De profesión duro’.
Durante los años noventa apareció esporádicamente en películas, aunque prefirió permanecer fuera del alcance de los focos. Se cayó de un caballo en 1997, quebrándose las piernas y el hombro izquierdo. Su reconstrucción le tomó doce operaciones.
Swayze creía en varias formas de espiritualismo y siempre se apresuraba a decir que era dichoso en su matrimonio. La pareja no tuvo hijos.
En 2003 cumplió su sueño de hacer una película de baile con su esposa, titulada ‘El último baile’ [One Last Dance], basada en su obra semi-autobiográfica sobre dos bailarinas que envejecen.
Swayze la llamó su "canto del cine... la última vez que pude bailar de esa manera".
Cuando en 2004 le preguntaron qué hacía en su tiempo libre, dijo al Times que no lo tenía -ser ranchero, ecologista y director-actor lo mantenía siempre ocupado.
"Siento que perdí tiempo cuando fui esa estrella de los años ochenta", dijo Swayze. "Ahora lo quiero todo. Quiero hacer todo lo que pueda".
Le sobreviven su esposa Lisa, y su madre, Patsy.

John Horn contribuyó a este artículo.

1 de octubre de 2009
15 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene demQh]

Murió Frank Coghlan Jr., el Capitán Maravilla

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El actor fue Billy Batson en la histórica película por entregas ‘Aventuras del Capitán Maravilla’. La serie fue la primera en llevar a un héroe de historieta a la gran pantalla.

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[Dennis McLellan] Murió Frank Coghlan Jr., niño actor del cine mudo que más tarde fue el joven Billy Batson, que se transformaba en el Capitán Maravilla pronunciando la palabra mágica "¡Shazam!" en la histórica película por entregas ‘Aventuras del Capitán Maravilla’ [Adventures of Captain Marvel], de 1941. Tenía 93 años.
Coghlan murió durmiendo el 7 de septiembre en su casa en un recinto de vivienda asistida en Saugus, informó su hijo Pat.
"Fue uno de los niños actores más solicitado entre fines de los años veinte y los treinta", dijo el historiador y crítico de cine Leonard Maltin. "Poseía el típico atractivo de un niño norteamericano, pecoso y espontáneo".
Maltin, que entrevistó a Coghlan numerosas veces en sus últimos años y lo encontró a menudo en reuniones nostálgicas, dijo que Coghlan "era un tipo muy dulce".
"Cuando nos veíamos", dijo Maltin, "le encantaba recordar los viejos tiempos, le encantaba encontrarse con sus fans y lo hacía feliz estar asociado con lo que sabía que era la mejor serie de películas por entregas de la historia. La matrícula de su coche decía "Shazam".
La serie de doce entregas ‘Las aventuras del Capitán Maravilla’, de Republic Pictures, fue la primera vez que un héroe de cómic fue llevado a la gran pantalla.
En el capítulo uno, Batson participa en una expedición hacia el Valle de las Tumbas en Siam cuando un chamán le proporciona la capacidad de transformarse en el Capitán Maravilla.
Coghlan estaba trabajando en la película ‘La ciudad de los muchachos’ [Men of Boys Town], de la MGM, en 1941, cuando lo llamó su representante para decirle que Republic quería entrevistarlo para el papel.
Fue sólo después de que fuera entrevistado por el productor de la serie y dos directores que entró a una droguería y compró la revista del héroe.
"Me dije a mí mismo: ‘Hey, me parezco a ese chico’", recordó.
Toda vez que Batson decía "¡Shazam!", se producía un enorme resplandor y una nube de humo blanco. Y cuando el humo se disolvía, Batson se había convertido en el poderoso Capitán Maravilla (Tom Tyler).
"Cada vez que lo hacíamos, encendían ese polvo brillante", recordó Coghlan. "Y si tenía viento en contra, el polvo me llegaba en la cara y yo perdía algunos pelos de mis cejas".

Coghlan nació el 15 de marzo de 1916 en New Haven, Connecticut. Después de que sus padres se mudaran a Los Angeles, empezó a trabajar en películas a los tres años -como extra.
Anunciado como Junior Coghlan, tuvo pequeños roles en películas como ‘La bailarina española" (1923), con Pola Negri; y fue el niño no acreditado de la película de Charles Chaplin, ‘Una mujer de París’, de 1923, con Edna Purviance.
El director Cecil B. DeMille, que contrató a Coghlan por cinco años, lo llamó "el perfecto ejemplo de un niño abandonado".
Entre las últimas actuaciones de Coghlan en la época del cine mudo se encuentra el drama de DeMille de 1927, ‘The Yankee Clipper’, con William Boyd; ‘Slide, Kelly, Slide’, una comedia sobre béisbol de 1927, con William Haines. Coghlan fue luego el personaje Tom Powers, de James Cagney, como niño en ‘El enemigo público’ (1931), y apareció, con Harry Carey, en ‘El último mohicano’ (1932).
Pero posteriormente mucho de los papeles que tuvo en los años treinta y cuarenta no fueron reconocidos, incluyendo su rol como un soldado confederado desplomándose en ‘Lo que el viento se llevó’ [Gone with the Wind] y otros pequeños papeles en películas como ‘El idilio de Andy Hardy’ [The Courtship of Andy Hardy] y ‘La doble vida de Andy Hardy’ [Andy Hardy’s Double Life].
Aviador naval durante la Segunda Guerra Mundial, Coghlan continuó su carrera en la Armada después de la guerra y más tarde trabajó varios años en enlace de la Armada en Hollywood para proyectos de cine, televisión y radio.
Después de retirarse como capitán de corbeta en 1965, reanudó su carrera de actor principalmente en anuncios, incluyendo la representación de Curtis Mathes en televisión. También trabajó como relacionador público del Zoológico de Los Angeles y el Puerto de Los Angeles.
Residente toda la vida de Los Alamitos, Coghlan escribió en 1992 su autobiografía ‘They Still Call Me Junior’.
La primera esposa de Coghlan, Betty, murió en 1974; su segunda esposa, Letha, en 2001.
Además de su hijo, le sobreviven tres hijas -Libbey Gagnon, Cathy Farley y Judy Coghlan; tres hijos adoptivos -Gary, Ron y Ken Schwarzrock; y seis nietos.

28 de septiembre de 2009
17 de septiembre de 2009
©los angeles times 
©[viene demQh]

Murió Zakes Mokae

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Actor surafricano y ganador de un Tony.

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Falleció Zakes Mokae, actor sudafricano ganador de un Tony, mejor conocido por su colaboración con el dramaturgo Athol Fugard en dramas sobre el apartheid como ‘The Blood Knot’ y ‘Master Harold . . . and the Boys’. Tenía 75 años.
Mokae falleció el viernes en su casa en Las Vegas después de sufrir un derrame en mayo, informó el martes la esposa del actor, Madelyn. Dijo que Mokae también sufrió del mal de Parkinson en los últimos años y volvió a Estados Unidos para ser tratado después de retirarse inicialmente a Suráfrica.
Además de su trabajo en teatro, Mokae apareció en películas como ‘Los comediantes’ [The Comedians], ‘Darling’ y ‘Grita libertad’ [Cry Freedom], y en series de televisión como ‘Los expedientes X’ [The X-Files] y ‘Oz’.
Pero fue su colaboración con su compatriota Fugard lo que reportó a Mokae sus más grandes triunfos artísticos, incluyendo un premio Tony por su retrato de un criado y padre substituto de un joven blanco en ‘Master Harold’.
La amistad entre Mokae, un saxofonista negro que quería ser actor, y Fugard, un periodista blanco que quería ser dramaturgo, se forjó en los guetos negros de Johanesburgo en 1958. Se conocieron en lugares como Dorkay House, un club para artistas negros y lugar de encuentro para gente de las dos razas.
"La policía me estaba vigilando", dijo Fugard en una entrevista de 1985 con la Associated Press. "Las autoridades allanaban de vez en cuando para saber qué estaba pasando dentro. Todo lo que encontraron fue un montón de músicos y aspirantes a actores matando el tiempo, conversando y tratando de conseguir un trabajo".
Esa colaboración incluyó ‘The Blood Knot’, que cuenta la historia de dos hombres, ambos negros, pero uno podía pasar por blanco. La pieza causó sensación cuando fue representada por primera vez en Dorkay House, en septiembre de 1961.
Fue la primera vez que un blanco y un negro aparecieron juntos en un escenario sudafricano. El público atiborró el pequeño teatro, y la función de una sola noche se convirtió en un espectáculo de seis meses. El éxito de la pieza consolidó un lazo entre los dos que soportó la brutalidad del apartheid durante esos años.
"Entonces no lo sabía, pero Zakes llevaba escrita la palabra ‘superviviente’. No solamente ‘superviviente’, sino ‘magnífico superviviente’", dijo Fugard en la entrevista de la Associated Press. "Yo veía a Zakes en el lado malo de un sistema terrible, y compartimos algunos momentos muy tenebrosos".
Mokae fue perseguido y detenido por las autoridades por negarse a llevar una libreta de identidad, una obligación de identificación para los negros sudafricanos. Cuando ‘Blood Knot’ empezó su gira por Suráfrica, Fugard viajó por tren en primera clase. Mokae viajaba atrás, en un vagón de tercera.

Nacido el 5 de agosto de 1934 en Johanesburgo, Mokae no tuvo una formación dramática formal. En 1970 trabajó en off-Broadway con Ruby Dee y James Earl Jones en el estreno en Estados Unidos de ‘Boesman and Lena’, de Fugard, y en un revival de ‘The Blood Knot’ en 1985.
Además de su esposa, le sobreviven su hija, Santlo Chontay Mokae; y tres nietos.

20 de septiembre de 2009
16 de septiembre de 2009
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió Paul Burke

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El actor apareció en una osada serie de televisión, ‘Naked City’. El actor nominado a un Emmy también trabajó en la serie ‘12 O’Clock High’ y en las películas ‘El valle de las muñecas’ y ‘El secreto de Thomas Crown’. En los años ochenta, trabajó en ‘Dinastía’.

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[Dennis McLellan] Falleció Paul Burke, que nominado dos veces a un Emmy a principio de los años sesenta por su papel como el detective Adam Flint, en la aclamada serie policial ‘Ciudad desnuda’ [Naked City] y más tarde trabajó como un coronel de la Fuerza Aérea del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial en la serie de acción y aventuras, ‘Comandos aéreos’ [Twelve O’Clock High]. Tenía 83 años.
Burke, que sufría de leucemia y linfoma non-Hodgkins, falleció el domingo en su casa de Palm Springs, acompañado por su esposa, informó la portavoz de la familia, Daniela Ryan.
Durante una carrera de cuarenta años que incluyó roles en las películas ‘El valle de las muñecas’ [Valley of the Dolls] (1967) y ‘El secreto de Thomas Brown’ [The  Thomas Crown Affair], Burke fue el coronel Joe Gallagher de la U.S. 8th Air Force en ‘Comandos aéreos’, que se transmitió de 1964 a 1967.
También fue un frecuente actor invitado en series de televisión y tuvo el rol recurrente del congresista Neal McVane en ‘Dinastía] [Dynasty] en los años ochenta.
Uno de los roles que más enorgullecía a Burke fue el de Flint en ‘Ciudad desnuda’, la serie de ABC de 1958 a 1963, rodada en locaciones en Nueva York y conocida por su rudo realismo. Se unió a la serie en 1960, el año en que se expandió de media hora a una.
Cuando la serie terminó, el columnista de televisión de Los Angeles Times, Cecil Smith, escribió que "podría ser recordada como la mejor hora semanal de televisión".
"Tomó a la policía y la trató con dignidad y una compasión que a veces se acercó a la alta tragedia", escribió Smith. "Hizo la serie en los estrechos esquemas de televisión, tratando de cumplir con fechas de cierre imposibles. Pero el resultado final eran películas y producciones de una calidad que competía con las mejores películas de pantalla grande".
Burke hizo numerosas acrobacias para la serie, incluyendo escalar el 59th Street Bridge.
"En otra ocasión", le contó a la columnista de Hollywood, Hedda Hopper, en 1963, "tuve que saltar de un tejado a otro cuando el doble se negó a hacerlo porque estaba demasiado ventoso".
Para prepararse para el papel, Burke acompañó a detectives de la policía de Nueva York en allanamientos y detenciones.
"Conozco zonas de la ciudad que son verdaderas selvas", dijo. "No sería detective ni aunque me pagaran mil dólares al día".
Para un episodio en que su personaje detective es enviado a la prisión de Sing Sing para presenciar la ejecución de un hombre al que había detenido, Burke pasó una noche en ese lugar.
"La zona de los condenados tiene ventanas con rejas que dan hacia Hudson", le dijo a Smith en 1963. "Puedes ver pasar a los trenes -como para enfatizar que te están privando de la vida exterior. Antes de hacer el programa yo no estaba contra la pena capital -pero ahora, no sé".
"Son experiencias como esa en ‘Ciudad desnuda’ las que hacen difícil ver el final", dijo Burke sobre la serie. "Iba más allá de lo monetario -era algo con lo que te enorgullecía que te asociaran".

Burke nació el 21 de julio de 1926 en Nueva Orleans, como hijo del boxeador profesional Martin Burke, que trabajó más tarde como promotor y dueño de un club nocturno. Cuado era niño, su familia era dueña el popular club nocturno French Quarter y el restaurante Marty Burke’s.
Después de mudarse a Hollywood cuando era joven a fines de los cuarenta, Burke estudió actuación en la Pasadena Playhouse durante dos años. El director de cine Lloyd Bacon, amigo del padre de Burke, le consiguió su primer papel: un papel no reconocido en el musical de Betty Grable de 1951, ‘Call Me Sister’.
Le siguieron pequeños roles en películas como ‘Francisquito en la Armada’ [Francis in the Navy] y roles como invitado en series como ‘Patrulla de caminos’ [Highway Patrol], ‘Navy Log’ y ‘Dragnet’.
Burke también trabajó en la breve serie de 1957-57, ‘Noah’s Ark’ y en la serie ‘Harbourmaster’, de 1957-58.
Actuó por última vez en la película de 1990, ‘El especulador’ [The Fool].
Además de su esposa durante treinta años, le sobreviven sus tres hijos de su primer matrimonio, Paula Burke-López, Paul Brian Burke y Dina Burke-Shawkat; seis nietos y dos biznietos.

18 de septiembre de 2009
15 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió John Quade

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Actor de carácter, especializado en roles de matón. Quade actuó en varias películas de Clint Eastwood, incluyendo ‘Duro de pelar’ y ‘El fugitivo Josey Wales’, y fue el sheriff Biggs en la serie de televisión ‘Roots’.

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[Dennis McLellan] Murió John Quade, un veterano actor de carácter que se especializaba en roles como matón, que apareció en varias películas de Clint Eastwood, incluyendo ‘Duro de pelar’ [Every Which Way But Loose] y su secuela ‘La gran pelea’ [Any Which Way You Can]. Tenía 71 años.
Quade murió el domingo, por causas naturales, durmiendo, en su casa en Rosamond, cerca de Lancaster, informó su esposa Gwen Saunders. En una carrera de más de dos décadas en cine y televisión que empezó a fines de los años sesenta, Quade tuvo roles de carácter en numerosas series de televisión y en películas como ‘Papillon’, ‘El golpe’ [The Sting], y en las películas de Clint Eastwood, ‘La venganza del muerto’ [Infierno de cobardes; High Plains Drifter] y ‘El fugitivo Josey Wales’ [The Outlaw Josey Wales]. También fue el sheriff Biggs en la miniserie de televisión de 1977, ‘Roots’.
"Todos lo recuerdan por ‘Duro de pelar’ y ‘La gran pelea’", dijo el miércoles la esposa de Quade. "Fue Chola, el jefe de una banda de moteros. Fue el momento cómico de la película, porque era una banda de moteros torpes".
Aunque el nombre de Quade puede no ser conocido para muchos cinéfilos, su rostro sí lo era. De hecho, su cara estaba destinada para papeles de matón.
"Era uno de los hombres más buenos que te puedes imaginar, pero se veía malo y vicioso", dijo su esposa. "Se veía como alguien que podía matar a cualquiera o causar estragos en cualquier momento, pero era un enorme oso de peluche: le encantaban los niños, aunque ellos le tenían miedo.
"Su cara realmente resaltaba, incluso en una multitud. Debía cuidarse de no empañar las escenas por su aspecto. En la primera película que hizo con Clint Eastwood, Clint lo contrató por su cara y después le dijo que pensaba que John venía con un bono extra, porque sabía actuar".

Nacido como John William Saunders III el 1 de abril de 1938, en Kansas City, Kansas, Quade llegó a California en 1964. "Durante un tiempo estuvo trabajando con misiles y en la industria aeroespacial", contó su esposa. "Construyó unos elementos que todavía están en la luna".
Un día, contó su esposa, "estaba en un restaurante con un grupo de amigos y un tipo lo vio y le dijo: ‘¿No has pensado en actuar?’"
"Tenía que ser su cara, porque no podía ser otra cosa".
Quade estaba trabajando en una obra de teatro en Hollywood en 1968 cuando un director de reparto lo vio y lo contrató para su primera serie de televisión, en un episodio de ‘Bonanza’.
Además de su esposa durante 38 años, le sobreviven seis hijos -John Saunders IV, Joseph Saunders, Steven Saunders, Heather Clark, Katherine Adame y Rebecca Saunders; su madre, Norma; dos hermanos, Merlin y Robert; dos hermanas -Joyce Copeland y Norma Jean Anderson; y diez nietos.

6 de septiembre de 2009
13 de agosto de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió John Hughes

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Director y guionista de películas para adolescentes de los años ochenta. Sus películas mostraban respeto y comprensión de los adolescentes, y dirigió filmes como ‘Dieciséis velas’, ‘El club de los cinco’ y ‘Todo en un día’. Escribió el guión de ‘Solo en casa’.

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[Dennis McLellan] Murió John Hughes, el influyente director y guionista que captó el humor y la angustia de la experiencia adolescente, al estilo de los años ochenta, en exitosas películas como ‘Dieciséis velas’ [Sixteen Candles], ‘El club de las cinco’ [The Breakfast Club] y ‘Todo en un día’ [Un experto en diversión; Ferris Bueller’s Day Off]. Tenía 59 años.
Hughes, que vivía en una granja en Illinois del Norte y se alejó de Hollywood hace más de diez años, murió de un ataque al corazón durante un paseo matinal en Manhattan, donde se encontraba visitando a su familia en Nueva York, informó la portavoz Michelle Bega.
Publicista y escritor para la revista National Lampoon, en los años ochenta Hughes se convirtió en rey de la comedia como guionista de películas para adolescentes que entendía lo que era ser adolescente con una inclinación por los parias y los geeks .
"Estoy realmente consternado y entristecido por la noticia sobre mi viejo amigo John Hughes", dijo el jueves el actor Matthew Broderick, que fue protagonista de la comedia ‘Todo en un día’, de 1986. "Era un hombre maravilloso, muy talentoso, y lo lamento mucho por su familia".
El actor Macaulay Culkin, que fue protagonista de la comedia escrita por Hughes en 1990, ‘Solo en casa’ [Home Alone], dijo: "Yo era un fan tanto de su trabajo como de él como persona. El mundo ha perdido no solamente a un director por excelencia cuya influencia se hará sentir durante generaciones, sino también a un hombre decente y fenomenal".
Hughes ya había escrito las exitosas comedias ‘Mr. Mom’ y ‘Vacation’, de National Lampoon, cuando tuvo su debut como guionista y director, con ‘Dieciséis días’, la película de 1984 con Molly Ringwald como chica de secundaria cuyos padres olvidan que cumple dieciséis años.
Ringwald fue una de las jóvenes estrellas -llamadas las Brat Pack- que se hicieron famosas con las películas de Hughes, como Anthony Michael Hall, Ally Sheedy, John Cusack, Emilio Estévez, Robert Downey Jr. y Judd Nelson.
Diciendo que estaba "anonadada e increíblemente triste" de enterarse de la muerte de Hughes, Ringwald dijo en una declaración que "fue y será siempre una parte muy importante de mi vida. Lo extrañaremos -yo lo extrañaré y todos los que le conocieron".

En una entrevista de 1985 con el crítico de cine del Chicago Tribune, Gene Siskel, Hughes dijo que muchos directores "retratan a los adolescentes como ignorantes e inmorales con objetivos que son bastante bellacos. Parecen pensar que los adolescentes no son demasiado inteligentes. Pero yo creo que no es así. Yo escucho a los chicos. Los respeto. No los paso por alto por el solo hecho de tener dieciséis años".
Aunque las películas de Hughes mostraban las tribulaciones adolescentes a la vez como drama y farsa, sus personajes eran emocionalmente honestos y eran reconocidos instantáneamente por el público.
En sus películas los jóvenes eran normalmente dolorosamente tímidos, y a menudo sonaban más como adultos cuando discutían sus circunstancias sociales y las jerarquías de la escuela secundaria, y su visión particular de la adolescencia influyó a toda una generación de guionistas y directores.
El escritor y director de comedias Judd Apatow dijo al Times en 2008: "John Hughes definió algunos de los personajes marginales más grandes de todos los tiempos. Es bastante ridículo oír hablar a gente sobre las películas que hemos estado haciendo, como si el humor y la ternura fueran una idea original. Quiero decir, todo eso lo hizo primero John Hughes".
Apatow dijo en una declaración el jueves que sentía "como si hubiera muerto una parte de mi infancia. Nadie me hizo reír tanto ni tan a menudo como John Hughes".
En 1999, el crítico de cine Elvis Mitchell escribió sobre Hughes que "nadie antes escribió sobre la crisis de la adolescencia como si fuera una tragedia que perturbaba al mundo mientras se acercaba el milenio.
"Su combinación de refinamiento y crueldad, junto con el más inteligente uso de música contemporánea que un director haya introducido consistentemente en sus películas, convenció de manera brillante a un público que sintió que nunca antes había visto sus propias experiencias en la pantalla".
Otras de sus películas dirigidas y escritas por él fueron ‘Ciencia loca’ [Weird Science], ‘Mejor solo que mal acompañado’ [Planes, Trains & Automobiles], ‘La loca aventura del matrimonio’ [She’s Having a Baby], ‘Solos con nuestro tío’ [Uncle Buck] y, en 1991, su última película como director, ‘La pequeña pícara’ [Curly Sue].
Algunos de los guiones escritos por Hughes fueron ‘La chica de rosa’ [Pretty in Pink], ‘S.O.S. Ya es Navidad’ [Christmas Vacation], ‘Daniel el Travieso’ [Dennis the Menace], ‘Una maravilla con clase’ [Some Kind of Wonderful] y ‘101 dálmatas’ [101 Dalmatians].
Steve Martin, que protagonizó ‘Mejor solo que mal acompañado’, describió a Hughes como un "gran director, aunque era más talentoso como guionista. Creaba personajes profundos y complejos, ricos en humanidad y con sentido del humor".

Hughes volvió a Chicago en 1995 y desde entonces no se dejó ver demasiado. "Es el J.D. Salinger de nuestra generación", dijo al Times el director Kevin Smith este año. "Conmovió a una generación y luego el tío se marchó".
Bruce Berman, presidente y director ejecutivo de Village Roadshow, que fue el ejecutivo a cargo de la producción en Universal y Warner Bross cuando trabajó con Hughes, dijo que Hughes "se alejó porque no le gustaba el sistema de trabajo de los estudios. Todo bien considerado, creo que pudo haberse quedado todo el tiempo que hubiese querido".
Pero Berman, que habló por última vez con Hughes el año pasado, cree que lo que lo retenía en Chicago "es que ganaba suficiente dinero como para no tener que ver nunca más con Hollywood".

Hughes nació el 18 de febrero en 1950, en Lansing, Michigan. Cuando tenía trece, su familia se mudó a un suburbio de Chicago, donde ambientó muchas de sus películas.
Después de abandonar sus estudios en la Universidad de Arizona a los veinte, Hughes se convirtió en un corrector de pruebas en una agencia de publicidad en Chicago y empezó a escribir chistes para Rodney Dangerfield y otros cómicos.
Era director creativo en la agencia Leo Burnett cuando aceptó una posición en la revista National Lampoon, para la que había estado trabajando como independiente.
Su primer guión para la revista fue la comedia ‘Reunión de clase’ [Class Reunion], en 1982.
Le sobreviven su esposa durante los últimos 39 años, Nancy; sus hijos John y James; y cuatro nietos.

Susan King y Valerie J. Nelson contribuyeron a este artículo.

1 de septiembre de 2009
7 de agosto de 20097
©los angeles times
[viene de mQh]