Murió Arnold Laven

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Director y productor. Entre sus obras se encuentran series de televisión como ‘El hombre del rifle’ y ‘Valle de pasiones’, y películas de vaqueros y de horror para la gran pantalla.

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Murió Arnold Laven, director de cine y televisión que también fue socio de la compañía de producción que produjo las series de televisión ‘El hombre del rifle’ [The Rifleman] y ‘Valle de pasiones’ [The Big Valley]. Tenía 87 años.
Laven falleció el 13 de septiembre por complicaciones de una neumonía en el Centro Médico Tarzana, informó Steven H. Gardner, un amigo de la familia.
Con Jules V. Levy y Arthur Gardner y sus socios, lanzaron la compañía que más tarde sería conocida como Levy-Gardner-Laven Productions, empezando con ‘Llegan sin avisar’ [Without Warning!], una película policial de suspenso de bajo presupuesto, dirigida por Laven en 1952.
En los siguientes treinta años, su compañía produjo más de veinte películas, incluyendo ‘Cambalache’ [Clambake], ‘Camino de la venganza’ [The Scalphunters], ‘La sombra del cazador’ [The Hunting Party], ‘Brannigan’, ‘McQ’, ‘Sam Whiskey’, ‘Los traficantes’ [White Lightning], ‘Gator’ y ‘Kansas City Bomber’.
La compañía también produjo las películas de horror de bajo presupuesto de los años cincuenta: ‘El hombre vampiro’ [The Vampire], ‘El retorno de Drácula’ [The Return of Dracula] y ‘El monstruo que desafió al mundo’ [The Monster That Challenged the World].
En los años cincuenta y sesenta produjo cuatro series para la televisión: ‘Law of the Plainsman’, ‘El hombre del rifle’, ‘Los detectives’ [The Detectives, Starring Robert Taylor] y ‘Valle de pasiones’.
Cuando Laven y sus socios estaban desarrollando ‘El hombre del rifle’, Laven se inspiró en su propia relación con su hijo Larry y le dijo al escritor Sam Peckinpah que elaborara sobre una relación entre padre e hijo.
La serie de vaqueros nominada a un Emmy, que emitió el canal ABC desde 1958 a 1963, contó con Chuck Connors como el colono de Nuevo México, Lucas McCain, y Johnny Crawford como su hijo huérfano de madre, Mark.
Tras la muerte de Connors en 1992 a los 71, Laven dijo a la revista People: "La relación de Chuck y Johnny era justamente lo que andábamos buscando, dura y franca, con amor, pero también con la idea de preparar a un niño para su crecimiento".
Laven dirigió episodios de ‘El hombre del rifle’ y ‘Valle de pasiones’, así como episodios de ‘Mannix’, ‘Ironside’, ‘El hombre nuclear’ [El hombre de seis millones de dólares; The Six Million Dollar Man], ‘Los casos de Rockford’ [The Rockford Files], ‘La isla de la fantasía’ [Fantasy Island], ‘Con ocho basta’ [Eight Is Enough], ‘Chips, patrulla motorizada’ [ChiPs], ‘Canción triste de Hill Street’ [Hill Street Blues], ‘Los magníficos’ [The A-Team], y otras.
En sus largometrajes como director se encuentran ‘No hay crimen impune’ [Down Three Dark Streets], ‘Traidor a su patria’ [The Rack], ‘El monstruo que desafió al mundo’, ‘Matanza en la Décima Avenida’ [Slaughter on Tenth Avenue], ‘Anna Lucasta’, ‘Gerónimo, una leyenda’ [Geronimo], ‘Gloriosos camaradas’ [The Glory Guys] y ‘Sam Whiskey’.
"El hecho de que fuera mi socio significaba que yo podía seguir y seguir", dijo Arthur Gardner en una entrevista. "Además de ser un tipo con mucho talento, era un hombre muy cálido, amistoso, amable y le caía bien a todo el mundo".

Nacido el 23 de febrero de 1922 en Chicago, Laden se mudó con su familia a Los Angeles a fines de los años treinta y pronto inició su carrera en Hollywood como mensajero de la sala de correos de la Warner Bros.
Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó en películas de adiestramiento como miembro de la Primera Unidad de Cine de la Fuerza Aérea del Ejército en los Hal Roach Studios en Culver City, donde sus futuros socios -Levy y Gardner- eran también miembros.
Después de la guerra, Laven trabajó como supervisor de guiones antes de asociarse con Levy y Gardner.
A Laven le sobreviven su esposa durante 58 años, Wally; su hija Barbara Laven; su hijo Larry; y su hermana Rennei Skepner.

12 de octubre de 2009
9 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Dorothy Wellman

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Actriz y bailarina de Hollywood.

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El miércoles murió en su casa en Brentwood la actriz y bailarina de Busby Berkeley, Dorothy ‘Dottie’ Wellman, que fue la quinta y última esposa del director de cine de Hollywood, William Wellman, informó su hijo William Wellman Jr. Tenía 95 años.
Nacida el 25 de noviembre de 1913 en Minneapolis, se mudó con su familia a Los Angeles cuando era niña. Siguió clases de baile y a los catorce abandonó la escuela cuando obtuvo un rol como bailarina en la película ‘Show of Shows’ (1929), de la Warner Bros. Luego bailó en las secuencias coreografiadas por Berkeley en películas como ‘Torero a la fuerza’ [The Kid From Spain] (1932), ‘La calle 42’ (1933) y ‘Vampiresas 1933’ [Gold Diggers de 1933] (1933).
Estaba trabajando en ‘Vampiresas 1933’ cuando conoció a Wellman, un prolífico director que llevó la película ‘Alas’ [Wings], de 1927, al primer premio de la Academia a la mejor película. La contrató para la película de 1933, ‘Wild Boys of the Road’ y se casaron al año siguiente.
Dorothy Coonan dejó la actuación para dedicarse a su familia y tuvo siete hijos, todos los cuales hicieron carrera en el mundo del espectáculo. La pareja se mantuvo casada hasta la muerte de Wellman en 1975.
Además de su hijo William, le sobreviven otros dos hijos, Mike y Tim; cuatro hijas, Cissy Wellman Guydus, Kitty Wellman, Maggie Cerminaro y Patricia Lawe; vientidós nietos y doce biznietos.

8 de octubre de 2009
19 de septiembre de 2009
©los angeles times
[viene demQh]

Murió Patrick Swayze

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Estrella de ‘Dirty Dancing’ y ‘Ghost’. El año pasado le habían diagnosticado cáncer al páncreas. Estaba escribiendo sus memorias.

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[Valerie J. Nelson] Falleció Patrick Swayze, actor y bailarín de ballet clásico cuyo papel en la perdurablemente popular ‘Dirty Dancing’ lo convirtió en una estrella de cine y debió luchar contra la alienación de la fama y contra su caracterización como actor protagonista. Tenía 57 años.
Swayze, que también fue protagonista de la exitosa película ‘Ghost, la sombra del amor’ [Ghost], murió en Los Angeles rodeado por sus familiares, informó su publicista Annett Wolf.
Le diagnosticaron cáncer al páncreas a principios del año pasado, dos semanas después de que la producción aceptara el piloto de ‘La bestia’ [The Beast], una serie de A&E en la que representaba a un poco convencional agente del FBI.
Aunque el cáncer estaba avanzado, sus médicos le informaron que tenía una forma más controlada de la enfermedad y convenció al canal para que continuara con la serie.
La serie se rodó en cinco meses en Chicago, mientras Swayze era sometido a quimioterapia e ingería un fármaco experimental que combatía los tumores.
"Estoy orgulloso de lo que estoy haciendo", dijo Swayze al New York Times, en octubre. "¿Cómo mantener una actitud positiva cuando todas las estadísticas dicen que te estás muriendo? Seguir trabajando".
Días antes de que la serie debutara en enero, Swayze fue internado con neumonía en un hospital, un desarrollo que empañó el lanzamiento de la serie. Le dieron de alta después de una semana y volvió a casa para recuperarse.
Su fama se convirtió en un obstáculo cuando, en sus últimos meses, luchaba contra lo que llamó un "implacable periodismo" que anunciaba regularmente que estaba a punto de morir. Esa cobertura periodística era equivalente a "crueldad emocional", dijo, "en momentos en que la esperanza es tan valiosa".
Cuando se estrenó ‘Dirty Dancing’ en 1987, fue un éxito inesperado debido en gran parte debido al considerable carisma y talento artístico de Swayze. Los críticos elogiaron la rufianesca hidalguía que dio al personaje de Johnny Castle, un sensual y sensible profesor de baile en el lado equivocado del mundo.
También observaron la ardiente relación entre Swayze y su pupila adolescente, apodada Baby (Jennifer Grey). Sus exuberantes actuaciones fueron consideradas fundamentales para sus carreras.
Para Swayze, la musical historia de amor ambientada en el balneario de Catskills funcionó porque la gente volvía a vivir "esos momentos maravillosamente dolorosos... cuando necesitas amar a alguien con todo tu corazón, y que te correspondan... Además, era una película muy erótica", dijo al Times en 1997.
En la escena culminante de ‘Dirty Dancing’, Swayze dice una frase con arrogante perfección. "Nadie pone a Baby en un rincón", dice, mientras desafía a su padre (de ella) y la saca a bailar por una inspirada y final secuencia de baile. Los fans dijeron que esa escena consolidó el lugar de la película en el panteón de las mejores películas de citas amorosas de la historia.
Rechazó una oferta de siete millones de dólares para hacer la secuela de ‘Dirty Dancing’ y rechazó igualmente papeles que lo caracterizaban como un hombretón con corazón de oro.
"Me gustan los retos", dijo Swayze al Chicago Tribune en 1989.
Después de aparecer como un rudo agente de policía en ‘Con su propia ley’ [Next of Kin] y un duro gorila en ‘De profesión duro’ [Road House] -dos películas de 1989 que fueron un fracaso-, luchó por conseguir el papel principal de la romántica y sensiblera ‘Ghost’. Swayze dijo a un entrevistador que pensaba que ese papel le ayudaría a ser visto como actor, antes que como ‘bailarín’ o ‘actor de acción’.
En la película, Swayze es un inversionista bancario que es asesinado y retorna como fantasma para resolver su asesinato y expresar más cabalmente su amor por su novia, Demi Moore. Whoopi Goldberg, en un papel que le mereció un Oscar, es la reluctante médium que transmite sus mensajes. La película tocó la vena seductora del público y fue un éxito instantáneo.
‘Ghost’ confirmó la condición de ídolo de Swayze -la antigua crítica de cine del Times, Sheila Benson, se preguntaba en su reseña de 1990 si algunas escenas habían sido diseñadas especialmente para que Swayze apareciera sin camisa, porque en muchas escenas se lo ve sin ninguna. Pero la película confirmó la legitimidad de Swayze como actor.
La película parecía que aseguraría su carrera como actor protagonista, pero se encaminó en otra dirección.
Protagonizó, con Keanu Reeves, ‘Le llaman Bodhi’ [Point Break] (1991), una película de acción en la que fue un paracaidista de caída libre profesional y surfista. En la noble ‘La ciudad de la alegría’ [City of Joy] (1992), Swayze fue un médico estadounidense idealista en Calcuta; los críticos dijeron que fue una mala opción, pero que la sobrevivió bastante bien.
En ‘A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar’ [To Wong Foo, Thanks for Everything, Julie Newmar] (1995), representó a una reinona. Fue una mala decisión. Defendiendo sus opciones, Swayze dijo que estaba "hastiado de la mentalidad taquillera de Hollywood".
Las películas de culto "me han dado una carrera de treinta años. No habría valido la pena que me hubiese estancado como actor protagonista o bailarín", dijo, de acuerdo a un reportaje publicado en el London Daily Express el año pasado.
"La soledad de la fama" fue un tema que trató a menudo, advirtiendo en Playboy en 1992: La fama te puede hacer "sentir que te has mandado una terrible estafa y que toda tu vida es una mentira. Toda la conmoción terminó convirtiéndome en un cínico, y me transformó en un borracho no muy simpático".
Atribuyó a su esposa, Lisa Niemi, una bailarina a la que conoció en Texas para casarse con ella en 1976, haberle ayudado con su alcoholismo que dijo que había empezado después de la muerte de su padre en 1982 y parecía mantener el ritmo con su creciente fama.
Rodeado por una multitud en el estreno de una película en 1989, Swayze destruyó la habitación del hotel donde se hospedaba y se dio cuenta de que tenía que dejar de beber, contó a la revista People en 1990. Dijo que dejó de beber al día siguiente.
Pero su problema con el alcohol volvió a emerger y tuvo que superar una depresión que adquirió después de que su hermana mayor Vicki se suicidara en 1994 y tras la muerte de varios amigos. Un ultimátum de su mujer lo envió a rehabilitación, dijo al Sunday Times de Londres en 2006.
"Tengo un lado salvaje", dijo Swayze una vez. "Si mi vida se ve bien, empiezo a sabotearla".
Escapó de la fama en un rancho de 2.5 hectáreas que la pareja bautizó como Rancho Bizarro en las laderas de las Montañas de San Gabriel. Se dedicaron a la crianza de caballos árabes y pavos reales.

Nació el 18 de agosto de 1952 en Houston, el segundo de los cinco hijos de Jesse y Patsy Swayze.
Su madre era profesora de baile y coreógrafa de ballet profesional. Se encargó de la coreografía de la película de 1980, ‘Cowboy de ciudad’ [Urban Cowboy]. Su padre era dibujante técnico. Swayze lo definía como un "vaquero cortés".
Su madre le enseñó a bailar a temprana edad y fue implacablemente hostigado debido a ello. "Tuve que pelear desde que era pequeño", dijo Swayze en el reportaje del Sunday Times.
Después de dos años en el San Jacinto College de Houston, Swayze abandonó los estudios para hacer de Príncipe Azul en el espectáculo sobre hielo ‘Disney on Parade’ que salía de gira.
En 1972 se mudó a Nueva York con la intención de labrarse una carrera en el ballet.
Su futura esposa, Niemi, a la que conoció en la academia de baile de su madre, era cinco años menor que él. Ella lo siguió después de egresar de la secundaria en 1975.
Los dos consiguieron trabajo en la segunda compañía de Joffrey Ballet.
En 1976 Swayze se incorporó a la Eliot Feld Ballet Company, pero después de un año como bailarín principal, una lesión en la rodilla de los días en que jugaba fútbol americano en la secundaria volvió a inflamarse, poniendo fin a su carrera como bailarín.
Se dedicó exclusivamente a la actuación y fue contratado para el papel protagónico de ‘Brillantina’ [Grease] en Broadway, un papel que previamente había ayudado a convertir en estrellas a John Travolta y Barry Bostwick.
El año en que se mudó a Los Angeles, Swayze apareció en su primera película, ‘La fiebre del patín’ [Skatetown, U.S.A.], de 1979, como el cabecilla de una pandilla de patinadores y bailarines.
La película ha sido llamada "afablemente mala", pero su actuación fue comentada positivamente por Kevin Thomas, del Times: "Desde que Valentino hiciera su tango en ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ [The Four Horsemen of the Apocalypse] que no se producía semejante exhibición de sexualidad masculina como cuando un ágil recién llegado al cine llamado Patrick Swayze se lanza a la pista".
En 1983 apareció con Matt Dillon y otras estrellas emergentes en ‘Rebeldes’ [The Outsiders], de Francis Ford Coppola, que dio un empujón a la carrera de Swayze.
En 1984, fue protagonista de la primera película distribuida ampliamente con una calificación de Guía Parental para mayores de trece años, ‘Amanecer rojo’ [Red Dawn]. La violenta película ambientada en la Guerra Fría fue en gran parte desechada por los críticos como inverosímil, pero la actuación de Swayze como un joven que se convierte rápidamente en líder de un grupo de rebeldes fue elogiada por comunicar convincentemente su tormento emocional. Grey, con el que aparecería en ‘Dirty Dancing’, también estuvo en el reparto.
Consideraba que su primer gran papel en el cine fue su actuación como el soldado confederado Orry Main, en la miniserie del ABC sobre la Guerra Civil en Estados Unidos, ‘North and South’, en 1985.
Con su esposa fue protagonista de la futurística ‘El guerrero del amanecer’ [Steel Dawn], que fue estrenada en 1987 después de ‘Dirty Dancing’, pero no tuvo gran acogida.
Ocasionalmente componía para películas, incluyendo el guión y las canciones de ‘She’s Like the Wind’ en ‘Dirty Dancing’ y ejecutando música de fondo en ‘De profesión duro’.
Durante los años noventa apareció esporádicamente en películas, aunque prefirió permanecer fuera del alcance de los focos. Se cayó de un caballo en 1997, quebrándose las piernas y el hombro izquierdo. Su reconstrucción le tomó doce operaciones.
Swayze creía en varias formas de espiritualismo y siempre se apresuraba a decir que era dichoso en su matrimonio. La pareja no tuvo hijos.
En 2003 cumplió su sueño de hacer una película de baile con su esposa, titulada ‘El último baile’ [One Last Dance], basada en su obra semi-autobiográfica sobre dos bailarinas que envejecen.
Swayze la llamó su "canto del cine... la última vez que pude bailar de esa manera".
Cuando en 2004 le preguntaron qué hacía en su tiempo libre, dijo al Times que no lo tenía -ser ranchero, ecologista y director-actor lo mantenía siempre ocupado.
"Siento que perdí tiempo cuando fui esa estrella de los años ochenta", dijo Swayze. "Ahora lo quiero todo. Quiero hacer todo lo que pueda".
Le sobreviven su esposa Lisa, y su madre, Patsy.

John Horn contribuyó a este artículo.

1 de octubre de 2009
15 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene demQh]

Murió Frank Coghlan Jr., el Capitán Maravilla

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El actor fue Billy Batson en la histórica película por entregas ‘Aventuras del Capitán Maravilla’. La serie fue la primera en llevar a un héroe de historieta a la gran pantalla.

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[Dennis McLellan] Murió Frank Coghlan Jr., niño actor del cine mudo que más tarde fue el joven Billy Batson, que se transformaba en el Capitán Maravilla pronunciando la palabra mágica "¡Shazam!" en la histórica película por entregas ‘Aventuras del Capitán Maravilla’ [Adventures of Captain Marvel], de 1941. Tenía 93 años.
Coghlan murió durmiendo el 7 de septiembre en su casa en un recinto de vivienda asistida en Saugus, informó su hijo Pat.
"Fue uno de los niños actores más solicitado entre fines de los años veinte y los treinta", dijo el historiador y crítico de cine Leonard Maltin. "Poseía el típico atractivo de un niño norteamericano, pecoso y espontáneo".
Maltin, que entrevistó a Coghlan numerosas veces en sus últimos años y lo encontró a menudo en reuniones nostálgicas, dijo que Coghlan "era un tipo muy dulce".
"Cuando nos veíamos", dijo Maltin, "le encantaba recordar los viejos tiempos, le encantaba encontrarse con sus fans y lo hacía feliz estar asociado con lo que sabía que era la mejor serie de películas por entregas de la historia. La matrícula de su coche decía "Shazam".
La serie de doce entregas ‘Las aventuras del Capitán Maravilla’, de Republic Pictures, fue la primera vez que un héroe de cómic fue llevado a la gran pantalla.
En el capítulo uno, Batson participa en una expedición hacia el Valle de las Tumbas en Siam cuando un chamán le proporciona la capacidad de transformarse en el Capitán Maravilla.
Coghlan estaba trabajando en la película ‘La ciudad de los muchachos’ [Men of Boys Town], de la MGM, en 1941, cuando lo llamó su representante para decirle que Republic quería entrevistarlo para el papel.
Fue sólo después de que fuera entrevistado por el productor de la serie y dos directores que entró a una droguería y compró la revista del héroe.
"Me dije a mí mismo: ‘Hey, me parezco a ese chico’", recordó.
Toda vez que Batson decía "¡Shazam!", se producía un enorme resplandor y una nube de humo blanco. Y cuando el humo se disolvía, Batson se había convertido en el poderoso Capitán Maravilla (Tom Tyler).
"Cada vez que lo hacíamos, encendían ese polvo brillante", recordó Coghlan. "Y si tenía viento en contra, el polvo me llegaba en la cara y yo perdía algunos pelos de mis cejas".

Coghlan nació el 15 de marzo de 1916 en New Haven, Connecticut. Después de que sus padres se mudaran a Los Angeles, empezó a trabajar en películas a los tres años -como extra.
Anunciado como Junior Coghlan, tuvo pequeños roles en películas como ‘La bailarina española" (1923), con Pola Negri; y fue el niño no acreditado de la película de Charles Chaplin, ‘Una mujer de París’, de 1923, con Edna Purviance.
El director Cecil B. DeMille, que contrató a Coghlan por cinco años, lo llamó "el perfecto ejemplo de un niño abandonado".
Entre las últimas actuaciones de Coghlan en la época del cine mudo se encuentra el drama de DeMille de 1927, ‘The Yankee Clipper’, con William Boyd; ‘Slide, Kelly, Slide’, una comedia sobre béisbol de 1927, con William Haines. Coghlan fue luego el personaje Tom Powers, de James Cagney, como niño en ‘El enemigo público’ (1931), y apareció, con Harry Carey, en ‘El último mohicano’ (1932).
Pero posteriormente mucho de los papeles que tuvo en los años treinta y cuarenta no fueron reconocidos, incluyendo su rol como un soldado confederado desplomándose en ‘Lo que el viento se llevó’ [Gone with the Wind] y otros pequeños papeles en películas como ‘El idilio de Andy Hardy’ [The Courtship of Andy Hardy] y ‘La doble vida de Andy Hardy’ [Andy Hardy’s Double Life].
Aviador naval durante la Segunda Guerra Mundial, Coghlan continuó su carrera en la Armada después de la guerra y más tarde trabajó varios años en enlace de la Armada en Hollywood para proyectos de cine, televisión y radio.
Después de retirarse como capitán de corbeta en 1965, reanudó su carrera de actor principalmente en anuncios, incluyendo la representación de Curtis Mathes en televisión. También trabajó como relacionador público del Zoológico de Los Angeles y el Puerto de Los Angeles.
Residente toda la vida de Los Alamitos, Coghlan escribió en 1992 su autobiografía ‘They Still Call Me Junior’.
La primera esposa de Coghlan, Betty, murió en 1974; su segunda esposa, Letha, en 2001.
Además de su hijo, le sobreviven tres hijas -Libbey Gagnon, Cathy Farley y Judy Coghlan; tres hijos adoptivos -Gary, Ron y Ken Schwarzrock; y seis nietos.

28 de septiembre de 2009
17 de septiembre de 2009
©los angeles times 
©[viene demQh]

Murió Zakes Mokae

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Actor surafricano y ganador de un Tony.

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Falleció Zakes Mokae, actor sudafricano ganador de un Tony, mejor conocido por su colaboración con el dramaturgo Athol Fugard en dramas sobre el apartheid como ‘The Blood Knot’ y ‘Master Harold . . . and the Boys’. Tenía 75 años.
Mokae falleció el viernes en su casa en Las Vegas después de sufrir un derrame en mayo, informó el martes la esposa del actor, Madelyn. Dijo que Mokae también sufrió del mal de Parkinson en los últimos años y volvió a Estados Unidos para ser tratado después de retirarse inicialmente a Suráfrica.
Además de su trabajo en teatro, Mokae apareció en películas como ‘Los comediantes’ [The Comedians], ‘Darling’ y ‘Grita libertad’ [Cry Freedom], y en series de televisión como ‘Los expedientes X’ [The X-Files] y ‘Oz’.
Pero fue su colaboración con su compatriota Fugard lo que reportó a Mokae sus más grandes triunfos artísticos, incluyendo un premio Tony por su retrato de un criado y padre substituto de un joven blanco en ‘Master Harold’.
La amistad entre Mokae, un saxofonista negro que quería ser actor, y Fugard, un periodista blanco que quería ser dramaturgo, se forjó en los guetos negros de Johanesburgo en 1958. Se conocieron en lugares como Dorkay House, un club para artistas negros y lugar de encuentro para gente de las dos razas.
"La policía me estaba vigilando", dijo Fugard en una entrevista de 1985 con la Associated Press. "Las autoridades allanaban de vez en cuando para saber qué estaba pasando dentro. Todo lo que encontraron fue un montón de músicos y aspirantes a actores matando el tiempo, conversando y tratando de conseguir un trabajo".
Esa colaboración incluyó ‘The Blood Knot’, que cuenta la historia de dos hombres, ambos negros, pero uno podía pasar por blanco. La pieza causó sensación cuando fue representada por primera vez en Dorkay House, en septiembre de 1961.
Fue la primera vez que un blanco y un negro aparecieron juntos en un escenario sudafricano. El público atiborró el pequeño teatro, y la función de una sola noche se convirtió en un espectáculo de seis meses. El éxito de la pieza consolidó un lazo entre los dos que soportó la brutalidad del apartheid durante esos años.
"Entonces no lo sabía, pero Zakes llevaba escrita la palabra ‘superviviente’. No solamente ‘superviviente’, sino ‘magnífico superviviente’", dijo Fugard en la entrevista de la Associated Press. "Yo veía a Zakes en el lado malo de un sistema terrible, y compartimos algunos momentos muy tenebrosos".
Mokae fue perseguido y detenido por las autoridades por negarse a llevar una libreta de identidad, una obligación de identificación para los negros sudafricanos. Cuando ‘Blood Knot’ empezó su gira por Suráfrica, Fugard viajó por tren en primera clase. Mokae viajaba atrás, en un vagón de tercera.

Nacido el 5 de agosto de 1934 en Johanesburgo, Mokae no tuvo una formación dramática formal. En 1970 trabajó en off-Broadway con Ruby Dee y James Earl Jones en el estreno en Estados Unidos de ‘Boesman and Lena’, de Fugard, y en un revival de ‘The Blood Knot’ en 1985.
Además de su esposa, le sobreviven su hija, Santlo Chontay Mokae; y tres nietos.

20 de septiembre de 2009
16 de septiembre de 2009
©los angeles times
[viene de mQh]

Murió George Eckstein

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Guionista de televisión. Escribió el último episodio de ‘El fugitivo’. Un récord del 72 por ciento de la audiencia miró el último episodio de ‘El fugitivo’, en 1967. Eckstein produjo la película de televisión de 1971, ‘El diablo sobre ruedas’, que fue dirigida por Steven Spielberg a los veinticuatro años.

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[Dennis McLellan] Falleció George Eckstein, guionista de televisión y productor que escribió el histórico episodio final de la serie de televisión ‘El fugitivo’ [The Fugitive] en los años sesenta y produjo la aclamada película para televisión de Steven Spielberg, ‘El diablo sobre ruedas’ [Duel], en los años setenta. Tenía 81 años.
Eckstein murió de cáncer al pulmón el sábado en su casa en Brentwood, informó su hija Jennifer.
En una carrera en la televisión que empezó a principio de los años sesenta, Eckstein acumuló una serie de créditos en las siguientes décadas.
Entre ellos: trabajar como productor de la serie de televisión ‘El nombre del juego’ [The Name of the Game], como productor ejecutivo de la serie de televisión ‘Banacek’, como productor de las películas para televisión ‘Amelia Earhart, el vuelo final’ [Amelia Earhart] y ‘Tail Gunner Joe’, y como productor ejecutivo de la miniserie ‘Masada’ y ‘79 Park Avenue’ y la serie de televisión ‘Love, Sidney’.
‘El diablo sobre ruedas’, la película de suspenso para la televisión que produjo Eckstein en los años setenta con Dennis Weaver como un automovilista  aterrorizado por el chofer invisible de un camión cisterna, fue un importante hito histórico en la temprana carrera del director de veinticuatro años, Spielberg.
"George me contrató para dirigir su Película de la Semana en el ABC, ‘El diablo sobre ruedas’, y mi carrera no volvería a ser la misma", dijo Spielberg en una declaración. "Le debo tanto por haber tenido el coraje de contratar a un chico para hacer el trabajo de un hombre. George tenía el don de contar historias muy orinales y fue un maravilloso mentor para mí y muchos otros. Lo extrañaré con una tranquila dignidad".
En la comunidad de la televisión, el guionista de televisión y productor Dean Hargrove dijo: "George estaba muy bien considerado como un productor de gran gusto e innovador".
"George era un productor muy prudente, de voz suave, extremadamente inteligente, muy creativo y con un gran sentido del humor", dijo Hargrove, que conoció a Eckstein en Universal en los años setenta cuando eran productores de ‘El nombre del juego’ y más tarde trabajó con él en otras series.
Eckstein lanzó su carrera como guionista de televisión en la series de los años sesenta como ‘Los intocables’ [The Intouchables], ‘Dr. Kildare’, ‘La ley del revólver’ [Gunsmoke], ‘Reto al mal’ [Felony Squad] y ‘Los invasores’ [The Invaders].
También escribió diez episodios de ‘El fugitivo’, la popular serie de una hora del ABC que se transmitió entre 1963 y 1967, con David Janssen como el doctor Richard Kimble.
Acusado falsamente de haber asesinado a su esposa, condenado y sentenciado a muerte, Kimble logra escapar cuando se descarrila el tren en que viajaban él y su escolta, el teniente Philip Gerard (Barry Morse). Escapando de Gerard en los siguientes cuatro años, Kimble cambiaba frecuentemente de trabajo e identidades mientras recorría el país de un lado a otro persiguiendo al manco que había cometido el crimen.
Eckstein, que también fue productor y co-productor de ‘El fugitivo’, trabajó con Michael Zagor en la redacción de la historia de dos partes, ‘El juicio’ [The Judgment].
"Había algunas cosas dadas", recordó Eckstein en una entrevista de 1994 con el Chicago Tribune. "Sabíamos que no había trampa. El manco era culpable, Kimble lo encontraría en algún momento y Gerard tendría que aceptar el hecho de la inocencia de Kimble. El resto lo debíamos determinar nosotros".
Cuando se transmitió el episodio final de ‘El fugitivo’ el 29 de agosto de 1967, lo sintonizó el 72 por ciento de la audiencia. Fue un récord para un solo episodio de una serie que no fue superado sino en 1980, cuando el episodio de ‘Dallas’, ‘¿Quién le disparó a J.R.?’, fue visto por el 76 por ciento de la audiencia.
Antes de la transmisión del episodio final de ‘El fugitivo’, hubo rumores de que Gerard había asesinado a la esposa de Kimble. Pero ese fue un giro que Eckstein nunca consideró.
"Pensar que Kimble había estado huyendo todos esos años, tratando desesperadamente de encontrar a ese manco, y luego te dan el último episodio ¿y dices que no era él? Habría sido terrible", dijo Eckstein.
Sus años en ‘El fugitivo’, dijo, fueron "una época maravillosa y estimulante".

Nació en Los Angeles el 3 de mayo de 1928, y estudió en la Escuela Secundaria Beverly Hills. Estudió en artes dramáticas en la Universidad de Stanford y se licenció en la Universidad de California en Los Angeles. También se licenció en derecho en la Universidad de Carolina del Norte antes de servir en el ejército entre 1953 y 1955.
Eckstein produjo ‘The Billy Barnes Revue’, que se representó en Broadway en 1959, con un reparto que incluía a Ken Berry, Bert Convy, Joyce Jameson y Ann Guilbert (la primera esposa de Eckstein), entre otros.
Trabajó como director de reparto con Lynn Stalmaster y como gerente comercial antes de escribir su primer guión para la televisión para un episodio de ‘Los intocables’ a principio de los años sesenta.
Entre sus últimos trabajos como guionista se encuentran las películas para televisión de Perry Mason, con Raymond Burr.
Eckstein fue miembro de la directiva del Gremio de Guionistas de Estados Unidos. También fue miembro fundador y ex presidente de Caucus for Producers, Writers & Directors, para la que trabajó en su comité directivo durante veinte años.
Además de su hija Jennifer, le sobreviven su esposa durante 41 años, la actriz Selette Cole; otras dos hijas -Nora Eckstein Sekowski y Hallie Todd Withrow; y dos nietas.

20 de septiembre de 2009
13 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Paul Burke

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El actor apareció en una osada serie de televisión, ‘Naked City’. El actor nominado a un Emmy también trabajó en la serie ‘12 O’Clock High’ y en las películas ‘El valle de las muñecas’ y ‘El secreto de Thomas Crown’. En los años ochenta, trabajó en ‘Dinastía’.

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[Dennis McLellan] Falleció Paul Burke, que nominado dos veces a un Emmy a principio de los años sesenta por su papel como el detective Adam Flint, en la aclamada serie policial ‘Ciudad desnuda’ [Naked City] y más tarde trabajó como un coronel de la Fuerza Aérea del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial en la serie de acción y aventuras, ‘Comandos aéreos’ [Twelve O’Clock High]. Tenía 83 años.
Burke, que sufría de leucemia y linfoma non-Hodgkins, falleció el domingo en su casa de Palm Springs, acompañado por su esposa, informó la portavoz de la familia, Daniela Ryan.
Durante una carrera de cuarenta años que incluyó roles en las películas ‘El valle de las muñecas’ [Valley of the Dolls] (1967) y ‘El secreto de Thomas Brown’ [The  Thomas Crown Affair], Burke fue el coronel Joe Gallagher de la U.S. 8th Air Force en ‘Comandos aéreos’, que se transmitió de 1964 a 1967.
También fue un frecuente actor invitado en series de televisión y tuvo el rol recurrente del congresista Neal McVane en ‘Dinastía] [Dynasty] en los años ochenta.
Uno de los roles que más enorgullecía a Burke fue el de Flint en ‘Ciudad desnuda’, la serie de ABC de 1958 a 1963, rodada en locaciones en Nueva York y conocida por su rudo realismo. Se unió a la serie en 1960, el año en que se expandió de media hora a una.
Cuando la serie terminó, el columnista de televisión de Los Angeles Times, Cecil Smith, escribió que "podría ser recordada como la mejor hora semanal de televisión".
"Tomó a la policía y la trató con dignidad y una compasión que a veces se acercó a la alta tragedia", escribió Smith. "Hizo la serie en los estrechos esquemas de televisión, tratando de cumplir con fechas de cierre imposibles. Pero el resultado final eran películas y producciones de una calidad que competía con las mejores películas de pantalla grande".
Burke hizo numerosas acrobacias para la serie, incluyendo escalar el 59th Street Bridge.
"En otra ocasión", le contó a la columnista de Hollywood, Hedda Hopper, en 1963, "tuve que saltar de un tejado a otro cuando el doble se negó a hacerlo porque estaba demasiado ventoso".
Para prepararse para el papel, Burke acompañó a detectives de la policía de Nueva York en allanamientos y detenciones.
"Conozco zonas de la ciudad que son verdaderas selvas", dijo. "No sería detective ni aunque me pagaran mil dólares al día".
Para un episodio en que su personaje detective es enviado a la prisión de Sing Sing para presenciar la ejecución de un hombre al que había detenido, Burke pasó una noche en ese lugar.
"La zona de los condenados tiene ventanas con rejas que dan hacia Hudson", le dijo a Smith en 1963. "Puedes ver pasar a los trenes -como para enfatizar que te están privando de la vida exterior. Antes de hacer el programa yo no estaba contra la pena capital -pero ahora, no sé".
"Son experiencias como esa en ‘Ciudad desnuda’ las que hacen difícil ver el final", dijo Burke sobre la serie. "Iba más allá de lo monetario -era algo con lo que te enorgullecía que te asociaran".

Burke nació el 21 de julio de 1926 en Nueva Orleans, como hijo del boxeador profesional Martin Burke, que trabajó más tarde como promotor y dueño de un club nocturno. Cuado era niño, su familia era dueña el popular club nocturno French Quarter y el restaurante Marty Burke’s.
Después de mudarse a Hollywood cuando era joven a fines de los cuarenta, Burke estudió actuación en la Pasadena Playhouse durante dos años. El director de cine Lloyd Bacon, amigo del padre de Burke, le consiguió su primer papel: un papel no reconocido en el musical de Betty Grable de 1951, ‘Call Me Sister’.
Le siguieron pequeños roles en películas como ‘Francisquito en la Armada’ [Francis in the Navy] y roles como invitado en series como ‘Patrulla de caminos’ [Highway Patrol], ‘Navy Log’ y ‘Dragnet’.
Burke también trabajó en la breve serie de 1957-57, ‘Noah’s Ark’ y en la serie ‘Harbourmaster’, de 1957-58.
Actuó por última vez en la película de 1990, ‘El especulador’ [The Fool].
Además de su esposa durante treinta años, le sobreviven sus tres hijos de su primer matrimonio, Paula Burke-López, Paul Brian Burke y Dina Burke-Shawkat; seis nietos y dos biznietos.

18 de septiembre de 2009
15 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]

Murió Dick Berg

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Guionista de cine y productor, Berg fue pionero del formato para televisión. Ayudó a lanzar las carreras de los directores Sidney Pollack y Mark Rydell. Tres de sus hijos trabajan en la industria del espectáculo; otro es biógrafo.

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[Dawn C. Chmielewski] Murió el martes, tras una caída en su casa en Los Angeles, el productor y guionista de cine y televisión Dick Berg. Tenía 87 años.
Pionero del formato de películas para televisión que revolucionó la programación televisiva en los años setenta, Berg ayudó a formar toda una generación de jóvenes directores, incluyendo a Sydney Pollack, Mark Rydell, Robert Ellis Miller y Stuart Rosenberg. También fue patriarca de una prominente familia de Hollywood, con tres hijos que siguieron sus pasos en el mundo de la industria del espectáculo y un cuarto que se convirtió en un famoso escritor de biografías.

Richard J. Berg nació en Nueva York el 16 de febrero de 1922 y creció en Nueva Rochelle, Nueva York.
Tras estudiar en la Universidad Lehigh en 1942, viajó a Hollywood con la idea de trabajar como actor o productor y encontró trabajo como director de diálogos para Roy Rogers y otros dos vaqueros actores en Republic Pictures.
Después de varios años, Berg volvió a la Costa Este, donde dirigió la Poor Richard’s Art Gallery y trabajó en Paint Bucket, una tienda de artículos de arte en Westport, Connecticut. Por las noches y los fines de semana, empezó a escribir guiones para la televisión en vivo durante los últimos años de su edad dorada. Más de una docena de sus dramas originales aparecieron en series como ‘Kraft Television Theatre’, ‘Robert Montgomery Presents’, ‘Studio One’ y ‘Playhouse 90’ a fines de los cuarenta y cincuenta. Una de ellas, ‘The Drop of a Hat’, fue adaptada para el teatro y llamó la atención de los Hecht-Hill-Lancaster Studios, que llevaron a Berg a Hollywood en 1957, como guionista.
En los años siguientes, Berg trabajó en numerosos guiones para MGM y 20th Century Fox antes de que Universal Studios le ofreciera un contrato de largo plazo. Empezó creando la serie de detectives ‘Johnny Staccato’, con John Cassavetes como protagonista.
Aunque no dejaba de escribir guiones, en los años sesenta Berg pasó la mayor parte del tiempo en la producción de programas de televisión en Universal, empezando con la serie de detectives ‘Checkmate’, sobre una agencia de investigación en San Francisco que trataba de proteger a personas amenazadas por criminales.
Con la desaparición en Nueva York de la televisión en vivo, Berg trató de recrear la excitación de los primeros días del medio produciendo ‘Alcoa Premiere’ y ‘Bob Hope Presents the Chrysler Theatre’, una antología dramática para la que contrató a escritores como William Inge y J. P. Miller para los guiones originales. Esta mezcla de teatro, espectáculo de variedades y eventos especiales atrajo a actores como Robert Redford, Simone Signoret, Anne Bancroft, Rod Steiger, Cliff Robertson, Jason Robards Jr. y Lee. J. Cobb.
A fines de los años sesenta Berg produjo algunas películas, incluyendo ‘Castillo de naipes’ [House of Cards], con George Peppard y Orson Welles, y ‘Una tumba al amanecer’ [Counterpoint], con Charlton Heston y Maximilian Schell como protagonistas.
Pero su pasión era la televisión, debido a su ritmo más rápido y audiencias más numerosas.
Durante los siguientes treinta años, Stonehenge Productions, de Berg, produjo decenas de películas para la semana y miniseries para la televisión comercial y por cable.
La mayoría poseía algún valor histórico o relevancia social, y muchas eran adaptaciones de libros exitosos -‘Wallenberg’, con Richard Chamberlain; ‘Space’, de James Michener; ‘Crónicas marcianas’ [The Martian Chronicles], de Ray Bradbury; ‘La palabra’ [The Word], de Irving Wallace; ‘Un rumor de guerra’ [A Rumor of War], de Philip Caputo; y ‘Pronto’, de Elmore Leonard, entre otras.
Los primeros trabajos de Berg en la televisión le forjaron una larga amistad con otro colega escritor que trataba de introducirse en el oficio. Rod Serling, con el que jugaría pádel y rumí todos los sábados en la mañana.
"Se contaban chistes y bromeaban todo el tiempo", dijo la viuda de Serling, Carol. "Tenían una amistad muy profunda que duró muchos, muchos años".
El actor Cliff Robertson dijo que pasaba a menudo a visitar a Berg en su casa -era la excepción a la regla de que los actores no deben meterse con la familia.
Robertson describió a Berg como una persona positiva que nunca perdió su juvenil entusiasmo por su trabajo.
"Incluso cuando se hizo más viejo, nunca perdió ese optimismo", dijo.
Robertson dijo que tenía un profundo afecto por Berg, con el que compartía un cierto desdén por lo que describió como los aspectos "menos creativos" de la industria del espectáculo.
"Amaba mucho a su familia", dijo Robertson. "No participaba en el lado más alegre de Hollywood".
El hijo de Berg, A. Scott Berg, ganador de un premio Pulitzer, dijo que su padre alentaba a sus hijos por el ejemplo. Algunos de sus recuerdos más vívidos tienen que ver con su padre, encorvado sobre el escritorio, escribiendo en hojas amarillas tamaño oficio con un lápiz número 2.
"Crecí con esa imagen del escritor en su oficio. Eso era mi padre para mí. Para mis hermanos, era más un productor en acción", dijo Scott Berg. "Siempre nos decía: ‘Chicos, no se metan en el negocio del espectáculo’. Y nos guiñaba un ojo, porque sabíamos que él adoraba su oficio y sabíamos que lo hacía bien".
Berg fue dos veces presidente del capítulo Hollywood de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión. En 2000, el Instituto de Cine Americano lo galardonó con el Charles Fries Producer of the Year Award por sus contribuciones a la profesión.
Además de su hijo Scott, le sobreviven su esposa durante 63 años, Barbara; sus tres hijos -Jeff, que es presidente de la agencia de talentos International Creative Management; Tony, productor y ejecutivo discográfico; y Rick, gerente y productor; y siete nietos.

6 de septiembre de 2009
3 de septiembre de 2009
©los angeles times 
[viene de mQh]