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pan y cine y el santo

Murió Yvonne Stevens


Actriz de la era del cine mudo.
Falleció el 27 de mayo en su casa en Hollywood, por deficiencia cardiaca, Yvonne Stevcens, actriz del cine mudo y primera esposa del director George Stevens, informó la publicista Michelle Bega. Tenía 104 años.
Nació el 31 de julio de 1905 en Chicago como hija de una artista de vodevil, Alice Howell, y se mudó con su madre a Los Ángeles en 1915. Como Yvonne Howell, la actriz apareció en películas de Mack Sennett como una de sus ‘bellezas en traje de baño’ y tuvo roles secundarios en las películas de 1927 ‘La reina de la moda’ [Fashions for Women] y ‘Terrores de la frontera’ [Somewhere in Sonora].
Conoció a George Stevens en 1928, cuando este trabajaba como camarógrafo para las películas de Laurel y Hardi, de Hal Roach, y se casaron en 1930. Ella se retiró de la actuación y tuvieron un hijo, George Jr., que se convirtió en el director y fundados del Instituto Americano del Cine.
Se divorciaron en 1937, y George Stevens llegó a dirigir películas como ‘Gunga Din’, ‘Un lugar en el sol’ [A Place in the Sun], ‘Gigante’ [Giant] y ‘Shane’. Murió en 1975.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Yvonne Stevens trabajó como ayudante de enfermera en hospitales militares en California del Sur y como voluntaria, contó su familia.

24 de junio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh


Murió Andreas Voutsinas


Actor griego y mentor de estrellas de Hollywood.
Según una declaración del ministerio de Cultura griego, murió el martes en un hospital ateniense el actor y director de escena Andreas Voutsinas, que trabajó también como instructor de varias estrellas de Hollywood, entre ellas Jane Fonda. Tenía 79 años.

Nacido en Khartoum, Sudán, en 1931, Voutsinas tuvo roles en películas como ‘Los productores’ [The Producers], de Mel Brooks, como Carmen Ghia y ‘La loca historia del mundo’ [History of the World: Part 1], como Bearnaise, y en ‘Azul profundo’ [The Big Blue], de Luc Besson.
Dirigió a Fonda en el breve espectáculo en Broadway en 1962 ‘The Fun Couple’, describiéndola más tarde como "el único gran amor de mi vida".
Voutsinas también asesoró a Ann Bancroft, Warren Beatty y Faye Dunaway.

16 de junio de 2010
11 de junio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh



Murió Gary Coleman


Niño estrella de la comedia para televisión ‘Blanco y negro’.
[Dennis McLellan] Murió el viernes Gary Coleman, que ascendió a la fama a fines de los años setenta como el niño estrella de la comedia para televisión ‘Blanco y negro’ [Diff’rent  Strokes; Arnold] y cuya vida después de las series de televisión incluyó un periodo como guardia de seguridad de un centro comercial y una improbable candidatura a la gobernación de California. Tenía 42 años.
El pequeño Coleman, cuya estatura adulta era de 1 metro 46, murió en el Utah Valley Regional Medical Center en Provo después de sufrir una hemorragia cerebral antes esta semana, de acuerdo a una declaración de la portavoz del hospital, Janet Frank.
Vecino de Santaquin, Utah, Coleman fue hospitalizado el miércoles y perdió la conciencia al día siguiente. Fue desconectado de asistencia vital el viernes, informó el hospital.
Nacido con una deficiencia genética, para los catorce Coleman había sufrido dos trasplantes de riñón y su crecimiento quedó atrofiado permanentemente por los efectos secundarios de las medicaciones para la diálisis.
Era un alumno precoz y con mofletes de la escuela primaria en Zion, Illinois, cuando un scout del productor de televisión Norman Lear lo detectó en un banco de Chicago.
El seguro de sí mismo, talentoso y brillante Coleman tenía diez cuando ‘Blanco y negro’ estrenó en el NBC en 1978.
Como el amoroso y directo niño de ocho, Arnold Jackson fue el centro de las series sobre los dos hijos de una ama de llaves negra en Harlem cuyo patrón blanco, un adinerado viudo, los lleva a vivir con él a su penthouse en Park Avenue después de su muerte y más tarde los adopta.
El reparto de la comedia, que terminó su octava temporada en 1986, después de trasladarse al ABC, incluía a Conrad Bain como el adinerado Philip Drummond; Todd Bridges como el hermano mayor de Arnold, Willis; Dana Plato como la hija de Drummond, Kimberly; y Charlotte Rae como la nueva gobernanta de Drummond,  Mrs. Garrett.
"Su carta fuerte depende fundamentalmente de Gary, un Poppy Fresco [Pillsbury Doughboy] diminuto y adorable, con cabeza de alfiletero", escribió en 1979 Howard Rosenberg en el Times. "De 22 kilos y de alto hasta la hebilla del cinturón, es suficientemente pequeño como para ser adorno de árbol de Navidad. Pero de su boca salen palabras... bueno, tienes que estar ahí para saberlo".
En un artículo de TV Guide de 1979 titulado ‘Small Wonder’, Coleman fue descrito como teniendo la "presencia cómica" de Jack Benny, Groucho Marx y Richard Pryor.
"Cuando sube al escenario, algo pasa, y puedes sentirlo", dijo Lear a TV Guide. "Eso se llama presencia, y es rara. Muchos actores importantes no la tienen, incluso algunas estrellas. Gary sí lo tiene".
Coleman se transformó pronto en un ícono de la cultura pop, cuya recurrente frase: "Whatchoo talkin’ ’bout, Willis?" [¿De qué hablas, Willis?] se convirtió en un eslogan nacional.
Elogiado por leyendas de la comedia como Bob Hope y Lucille Ball, Coleman era muy solicitado para programas de entrevistas en televisión.
En la cúspide de sus exitosas series de televisión, se dice que Coleman llegó a ganar 64 mil dólares por semana y que ahorró dieciocho millones de dólares durante sus días de apogeo en la televisión.
Esos ahorros incluían ingresos de películas como ‘On the Right Track’ y ‘Jimmy the Kid’ y películas para la televisión como ‘Inteligencia suprema’ [The Kid With the Broken Halo] y ‘The Kid With the 200 I.Q’ -así como de la serie animada ‘The Gary Coleman Show’.

Nacido el 8 de febrero de 1968, Coleman era el hijo adoptivo de W.G. ‘Willie’ y Edmonia Sue Coleman, quienes, de acuerdo a un artículo en el Times de 1990, lo llevaron a casa después de recogerlo en un hospital de Chicago cuando tenía cuatro días.
No fue sino dieciocho meses después, informó el Times, que los Coleman fueron informados de que Gary había nacido con un riñón atrofiado y que el otro dejaría de funcionar pronto.
En 1989, Coleman demandó a sus padres y su ex gerente comercial, Anita DeThomas, por robarle más de un millón de dólares. Los Coleman y DeThomas lo demandaron a su vez por difamación y rompimiento de contrato.
La batalla legal terminó en 1993 cuando, informó Variety, un juez de la Corte Superior de Santa Mónica atribuyó a Gary Coleman 1.28 millones de dólares y resolvió que sus padres y el gerente se habían beneficiado ilegalmente, lo mismo que sus tutores y gerentes durante cinco años cuando él era menor de edad.
La carrera actoral de Coleman no se comparó en nada con los días de gloria de ‘Blanco y negro’. Tuvo una que otra aparición ocasional, y en general tuvo roles pequeños en películas para el cine y la televisión.
Coleman, que se declaró en bancarrota en 1999, también trabajó como vocero comercial, fue contratado para usar su parecido y voz en un videojuego para adultos y fue administrador de una galería comercial en Marina del Rey, entre otras cosas.
Coleman adulto también tuvo algunos choques con la ley que pusieron su rostro de vuelta en las noticias, incluyendo la acusación a fines de los años noventa de haberle pegado un puñetazo a una cazadora de autógrafos mucho más grande y agresiva, por lo que debió pagar una multa y seguir clases de control de la ira.
En febrero aceptó un convenio en Utah por cargos de violencia intrafamiliar que se derivaban de un incidente el año anterior entre él y su esposa, Shannon Price. Coleman debió pagar una multa de 595 dólares y seguir clases sobre cómo evitar la violencia doméstica.
El perfil de Coleman como "ex niño estrella" alcanzó su punto álgido en 2003, el año en que dio permiso a un semanario alternativo de la Bay Area para que lo nominaran en broma para las elecciones de gobernador en California.
Fue uno de los 135 candidatos de la elección, un colorido campo que incluía a Angelyne, la reina de las carteleras de Los Ángeles, al comediante Gallagher, a Larry Flint, el editor de la revista Hustler y a la estrella porno Mary ‘Mary Carey’ Cook.
Un redactor del New York Times escribió que Coleman "se convirtió en el niño del cartel de circo de California que es la elección para gobernador".
Coleman, informó el Washington Post, "cruzó la línea de creer en su propia legitimidad y burlarse de ella".
"Mi lema", dijo Coleman al Post, "es que soy el tipo menos calificado para el trabajo, pero probablemente lo hago mejor".
Coleman, un independiente que apareció más tarde en CNN para decir que apoyaba al colega actor Arnold Schwarzenegger, recibió 12.683 votos, convirtiéndose en el octavo en la carrera que terminó con la elección de Schwarzenegger.
"Quiero escapar del legado de Arnold Jackson", dijo Coleman al New York Times durante su campaña. "Soy alguien más. Sería bonito si el mundo pensara de mí como algo más".
Le sobreviven su esposa y padres.

13 de junio de 2010
29 de mayo de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Irwin Rosten


Director de documentales. Escribió, dirigió y produjo la revolucionaria película de National Geographic en 1975, ‘The Incredible Machine’, una mirada al interior del cuerpo humano. Ganó un Emmy por un documental sobre el cerebro.
[Valerie J. Nelson] Murió Irwin Rosten, galardonado documentalista que es quizás mejor conocido por ‘Cuerpo humano: máquina increíble’ [The Incredible Machine], que en 1975 llevó a los espectadores a un revolucionario viaje por el interior del cuerpo humano. Tenía 85 años.
Rosten murió el 23 de mayo, en casa, después de una breve enfermedad, dijo su familia.
Fue el guionista, director y productor de ‘Cuerpo humano: máquina increíble’, un temprano documental de National Geographic que tuvo un "impacto extraordinario", dijo Nicolas Noxon, un documentalista que fue durante largo tiempo socio comercial de Rosten.
"Fue muy, muy popular, y como que abrió los ojos de la gente sobre lo que se podía hacer con un documental", dijo Noxon. "Fue revolucionario en su época".
Investigadores médicos han estado buscando vías de entrada para hacer fotografías dentro del cuerpo humano -como introducir cámaras en el aparato digestivo o haciendo microfotografías de la sangre-, pero Rosten fue quizás el primero en "recabar todos los datos y ensamblarlos" para el público, dijo Noxon.
Hasta 1982, ‘Cuerpo humano: máquina increíble’ fue el programa de mayor sintonía en la historia del Public Broadcasting Service.
Fue nominado a un Oscar, la segunda de las nominaciones que recibió Rosten. ‘The Wolf Man’, un documental de 1969 que produjo sobre la caza de lobos grises en América del Norte, también fue nominado.
Rosten llegaría a crear programas como ‘Mysteries of the Mind’, documental sobre el cerebro humano galardonado con un Emmy, y ‘Elephant’, uno de los numerosos proyectos con animales.
La creciente popularidad del documental a principio de los años sesenta "fue simplemente que la televisión se puso a la altura del público", dijo Rosten al Times en 1963, cuando mencionaba la popularidad de revistas y libros documentales.
En los sesenta, Rosten trabajó para David L. Wolper, un importante productor de documentales independiente, e hizo varios especiales para National Geographic, entre ellos uno sobre Jacques Cousteau y otro sobre el oso pardo.
Cuando ‘Grizzly’ fue nominado a un Emmy, amigos y colegas de Rosten colocaron un anuncio en ‘Variety’ que su familia dijo que incluía este descargo: "Este espacio fue pagado por los admiradores de Irwin Rosten, un hombre modesto en el que no se puede confiar que se alabe a sí mismo".

Nació en Brooklyn en 1924, hijo de inmigrantes de Rusia y Polonia que poseían una droguería.
Después de trabajar para la DuMont Network en Nueva York, Rosten se mudó en 1954 a Los Ángeles y se unió a KNXT, una filial de CBS. Uno de sus proyectos más reputados fue ‘Thou Shalt Not Kill’, un documental de 1958 sobre la pena de muerte.
En 1959, Cecil Smith, del Times, describió a Rosten como un "joven con magia en su pluma".
Dos años después se mudó al Canal 5 de KTLA-TV para convertirse en guionista y productor de documentales y programas especiales. Uno de sus últimos documentales para la estación fue ‘Split Image’, de 1963, sobre el circuito cerrado de televisión operado por los pacientes del Hospital General Camarillo.
Cuando trabajaba para Wolper, Rosten conoció a Noxon, y el par finalmente se incorporó a MGM y montaron una unidad de documentales para el estudio. Su primera producción fue un documental sobre Clark Gable, en 1968.
Ya en 1963, el Times se refería a Rosten y Noxon como "uno de los jóvenes equipos más interesantes de documentalistas".
Rosten era conocido por dirigir a otros y era un formidable cocinero -su especialidad era la comida china, dijo su hijo Peter, un antiguo productor de cine y televisión.
El viejo Rosten viajaba por el mundo a la búsqueda de sus temas -fue a Japón para filmar partes de los especiales ‘Gold’, de National Geographic en 1970, o a Rusia, para rodar ‘The Volga’, sobre el principal río europeo.
Como es a menudo el caso, Rosten volvió con una historia que lo divertía. Una agencia noticiosa oficial soviética propuso un pulseo para decidir si el equipo de rodaje sería soviético o estadounidense. El más robusto colega de Rosten en el National Geographic aceptó el reto, pero este terminó en empate. Se utilizaron los equipos de los dos países.
Además de su hijo Peter, de Darby, Montana, le sobreviven su esposa durante veintitrés años, Marylin Ryan.

12 de junio de 2010
30 de mayo de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh




Murió Eugenia P. Strauss


Bailarina y actriz. Trabajó en la serie ‘El Zorro’.
Después de una larga enfermedad murió en el Good Samaritan Medical Center en West Palm Beach, Florida, Eugenia P. Strass, actriz y bailarina cuyas actuaciones como Eugenia Paul incluyen la serie de televisión de los años cincuenta, ‘El Zorro’ -informó su hija Kimberly. Tenía 75 años.
Entre otras apariciones en televisión de Strauss se encuentran ‘Medic’, ‘Death Valley Days’, ‘Alfred Hitchcock presenta’ [Alfred Hitchcock Presents] y ‘Las aventuras de Jim Bowie’ [The Adventures of Jim Bowie]. Tuvo su último rol en la película ‘Gunfighters of Abilene’.

Nació como Eugenia Popoffon el 3 de marzo de 1935 en Dearborn, Michigan, y se mudó a Los Ángeles a los 16, mientras se encontraba de gira con el predecesor del American Ballet Theatre. Strauss fue contratada por Warner Bros. en 1952 como bailarina.
En 1958 se casó con Bob Strauss, cuya familia fundo la cadena de tiendas de repuestos de coches, Pep Boys.

3 de junio de 2010
2 de junio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

Murió Dennis Hopper


Actor. Director de ‘Busco mi destino’, se convirtió en un marcador generacional.
[Adam Bernstein] Murió el 29 de mayo en su casa en Venice, California, Dennis Hopper, el actor y director cuya película independiente sobre dos amigos moteros ‘Busco mi destino’ [Easy Rider] hizo una inesperada fortuna explorando la contracultura de fines de los años sesenta y cambió Hollywood ayudando a abrir las puertas a directores jóvenes, como Steven Spielberg y George Lucas. Tenía 74 años.
Hopper, que disfrutó del resurgimiento de su carrera en los años ochenta y noventa representando a alcohólicos y convincentes psicópatas en películas como ‘Hoosiers, más que ídolos’ [Hoosiers], ‘Terciopelo azul’ [Blue Velvet] y ‘Speed, máxima potencia’ [Speed], se enteró el año pasado de que tenía cáncer a la próstata.
‘Busco mi destino’, estrenada en 1969, fue definida a menudo como un marcador generacional, una película con una vibrante banda sonora de rock y llena de imágenes alucinógenas destinadas a evocar la rebelde contracultura juvenil.
Como su director, co-estrella y co-guionista, Hopper llamó a la película su "discurso sobre el estado de la Unión" sobre un país al borde de la destrucción debido a la Guerra de Vietnam, los asesinatos políticos, los prejuicios, la intolerancia y la codicia. Él, el actor Peter Fonda y el guionista Terry Southern compartieron la nominación al Oscar al mejor guión original.
Financiada independientemente, ‘Busco mi destino’ costó menos de medio millón de dólares y recaudó decenas de millones de dólares. Este éxito asombró a los ejecutivos de muchos estudios de Hollywood, que estaban perdiendo dinero a manos llenas después de años de producir fracasos como el musical ‘Doctor Dolittle’ [Dr. Dolittle].
El éxito económico de la película "señaló un cambio radical en Hollywood, obligando a los jefes de los estudios a acoger a la nueva ‘audiencia juvenil’ y a ofrecer empleo a otros directores jóvenes, incluso desconocidos, dijo el crítico e historiador de cine, Leonard Maltin.
A ‘Busco mi destino’ se le atribuyó haber contribuido a lanzar el ‘Nuevo Hollywood’ de los años setenta con el surgimiento de directores jóvenes como Spielberg, Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Peter Bogdanovich.

Director Novato
‘Busco mi destino’ fue la primera película de Hopper como director. Había empezado su carrera cinematográfica como una promesa, con James Dean en ‘Rebelde sin causa’ [Rebel Without a Causa] (1955) y ‘Gigante’ [Giant] (1956). Pero su reputación por sus problemas con el abuso de drogas y sus conflictos con directores veteranos habían provocado que los principales estudios dejaron de ofrecerle papeles.
Para mediados de los años sesenta, Hopper estaba llamando a la puerta de American International Pictures, un estudio que se especializaba en películas sobre moteros, drogas y fiestas en la playa. Lo despertó un día una llamada tarde por la noche de Fonda, un actor colega de la AIP, con la idea de hacer ‘Busco mi destino’. No fue fácil convencer a los ejecutivos, incluso a los de AIP, para que financiaran una película que mostraba como héroes a moteros metidos en el mundo de la drogas.
"Mi plan es que la dirijas tú, yo la produzco, la escribimos a dos manos y seremos ambos protagonistas, y ahorraremos algo de dinero", le dijo Fonda a Hopper, de acuerdo al libro de Peter Biskind, ‘Easy Riders, Raging Bulls: How the Sex-Drugs-and-Rock ’n’ Roll Generation Saved Hollywood’.
Fonda trajo a su amigo Southern, novelista y experimentado guionista, para darle forma al guión. Fonda y Hopper encontraron inversores independientes para financiar el proyecto, y un importante estudio, Columbia, se encargó de la distribución de la película.
La historia giraba sobre dos dealers de poca monta (Hopper y Fonda) que vendían cocaína en México y luego cruzaban el país en moto en dirección al Mardi Gras de Nueva Orleans. En el camino se encontraban con hippies, personajes marginales y fanáticos intolerantes.
Fonda fue Wyatt, apodado Capitán América, y Hopper era su compinche Billy; los nombres debían evocar a las estrellas de las películas de vaqueros, Wyatt Earp y Billy the Kid. ‘Busco mi destino’ convirtió a Jack Nicholson en una estrella, en cuyo papel secundario fue un abogado alcohólico que se une a los moteros.
La película catapultó a Hopper al centro de la elegante intersección entre arte, diversión y política que incluía a sus amigos Bob Dylan, al productor Phil Spector y a los artistas pop Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Pero la adicción a las drogas de Hopper y otros problemas personales hicieron casi imposible que el actor repitiera el éxito de ‘Busco mi destino’.
Su siguiente película ‘La última película’ [The Last Movie] (1971), fue un fracaso que sólo recaudó un millón de dólares. La trama giraba sobre un equipo de rodaje de Hollywood tratando de filmar una película de vaqueros en Perú. Hopper era un doble que terminaba crucificado por los aldeanos.
Hopper volvió a Los Ángeles con una impresionante cantidad de metraje en cuya edición se trabajó durante más de un año. Los jefes del estudio estaban horrorizados y ordenaron a Hopper que revisara la película. ‘La última película’ ganó un importante premio en el Festival de Cine de Venecia en 1971 en Italia, pero Hopper consideró angustiante la experiencia de perder el control de su película.

Internado en un Hospital Psiquiátrico
Se retiró a vivir en una comuna en Nuevo México, donde montaba juergas con ron, tequila y cocaína, y finalmente sufrió un ataque de paranoia durante el cual empezó a disparar hacia fuera con una ametralladora que guardaba en su casa. Aceptó algunos papeles, siendo recordado por su rol como fotógrafo drogadicto en la Guerra de Vietnam en la película de Coppola, ‘Apocalipsis ahora’ [Apocalypse Now; Apocalipsis Now] (1979), pero su carrera se estancó. En 1984 fue internado en un hospital psiquiátrico en Los Ángeles después de sufrir una violenta alucinación.
Hopper describió este periodo como el punto más bajo de su vida. Dijo que dejó las drogas duras y la bebida y decidió canalizar su "compulsiva" personalidad en otra dirección, sobre todo trabajando. Fue nominado a un Oscar por su papel secundario como un entrenador alcohólico en el drama de baloncesto ‘Hoosiers, más que ídolos’ (1986), con Gene Hackman y dirigió el drama policial ‘Colors’ (1988), con Sean Penn y Robert Duvall.
En general, Hopper se especializaba en retratar a personajes intensamente raros, lo que llevó al crítico de cine Roger Ebert a llamarlo el "malo de la película más fiable y ciertamente el más espeluznante".
El actor fue un ermitaño manco en ‘Instinto sádico’ [River’s Edge] (1987), un asesino a sueldo en la película negra de bajo presupuesto ‘Conspiración en Red Rock West [Red Rock West] (1994) y el terrorista demente que amenaza a Keanu Reeves en la popular película de acción ‘Speed, máxima potencia’ (1994).
La actuación más extravagante de Hopper fue como un sádico esnifador de gasolina llamado Frank Booth en ‘Terciopelo azul’, de David Lynch. "Era simplemente el degenerado de clase media promedio. Eso lo entendía. Yo he sido un degenerado de clase media la mayor parte de mi vida".

Rebelde sin Causa
Dennis Lee Hopper nació el 17 de mayo de 1936 en Dodge City, Kansas, donde su padre era un empleado postal de ferrocarriles. Se crió en San Diego, fue aprendiz en La Jolla Playhouse y se marchó a Hollywood con el apoyo de la actriz de cine Dorothy McGuire, a la que conoció en el teatro.
En 1955 consiguió un papel fundamental como pandillero en ‘Rebelde sin causa’ [Rebel Without a Cause], con Dean, al que adoraba.
"Yo era un muy buen técnico, pero Dean era tan libre y creaba todas esas cosas maravillosas", dijo Hopper al Chicago Tribune en 1990. "Así que lo cogí durante la escena de ‘Chickie-run’ y lo metí al coche, y le dije: ‘Pensaba que yo era el mejor, pero ahora que te veo, sé que eres el mejor, y ni siquiera sé qué estás haciendo’.
"Me dijo: ‘Bueno, tienes que hacer cosas, no mostrarlas. Tienes que beber un trago de tu vaso, no actuar que estás bebiendo. No tener ideas preconcebidas. Acercáte a algo siempre modo diferente’. Para mí, eso fue el principio de un montón de problemas con los directores".
Hopper fue el hijo de Rock Hudson y Elizabeth Taylor en ‘Gigante’. Entonces, cuando unos años después hacía una película de vaqueros, Hopper se puso a pelear con el veterano director Henry Hathaway sobre cómo hacer una escena. Hopper estropeó las 87 tomas que se hicieron de lo que debía ser la lectura de una sola frase.
Hathaway amenazó a Hopper con cerrarle las puertas de Hollywood, y tuvo bastante éxito, pese a que el actor logró conseguir papeles secundarios en ‘La leyenda del indomable’ [Cool Hand Luke] (1967) y, para su sorpresa, ‘Valor de ley’ [True Grit] (1969), de Hathaway.
Los matrimonios de Hopper con Brooke Hayward, la actriz Daria Halprin y la bailarina Katherine LaNasa terminaron todos en divorcio. También estuvo ocho días casado con Michelle Phillips, del grupo musical The Mamas and the Papas.
"Siete de esos días fueron bastante buenos", dijo. "El octavo fue el malo".
En enero, mientras era tratado por su cáncer, pidió el divorcio de su esposa durante catorce años, la actriz Victoria Duffy.
Entre los sobrevivientes se encuentra una hija de su primer matrimonio, una hija del tercero, un hijo del cuarto y una hija del quinto.
Hace poco Hopper fue uno de los actores principales del drama de televisión ‘Crash’ de la red por cable Starz, y anunciador comercial de la financiera Ameriprise Financial. Trabajó como actor de voz para la compañía Navtones, que se especializa en voces de famosos para sistemas de navegación GPS. La página web de la compañía dice que su voz "brinda comodidad al viajante".
Los críticos han debatido sobre ‘Busco mi destino’. Pauline Kael llamó el tono oscuro de la película y su violento final una "paranoia sentimental" en una época en que "estaba bien decir que no podías ganar, que todo estaba amañado y no se podía hacer nada".
Hopper contó una vez al Washington Post que Bob Dylan también pensaba que la película pudo haber sido mejor. "Dylan no quería que muriéramos al final", dijo. "Estaba realmente conmocionado de que Wyatt y Billy tuvieran que ser asesinados y dijo que era un final escandaloso. Dijo: ‘¿Te acuerdas del helicóptero al final? ¿Por qué no haces que vuelva y le dispare a los palurdos en el camión?’ Dylan quería que ganaran los buenos".

Alexander F. Remington contribuyó a este artículo.

1 de junio de 2010
30 de mayo de 2010
©washington post 
cc traducción mQh

Murió David E. Durston


Escribió y dirigió ‘Me bebo tu sangre (perros rabiosos)’.
[Margalith Fox] "Los hombres se convierten en animales y devoran a sus víctimas... Mira sentado en tu butaca las horrorosas escenas que te muestra la pantalla... ¿Podrás aguantarlo?"
Eso se oye en la sinopsis de ‘Me bebo tu sangre (perros rabiosos)’ [I Drink Your Blood]. Estrenada en 1971, la película se ha mantenido durante cuatro décadas como un sanguinario clásico de culto. Menú fijo de cines al aire libre y rotativos, es la imagen por la que su guionista y escritor, David Durston, es mejor conocido.
Durston murió el 6 de mayo a los 88 años. Su muerte en su casa en West Hollywood, California, se debió a complicaciones de una neumonía, informó su compañero John DiBello.
‘Me bebo tu sangre’ tiene como protagonista al actor y bailarín indio, Bhaskar Roy Chowdhury, como Horace Bones, el jefe de una secta de hippies satánicos parecido a Manson. Su trama es gruesamente esta: Unos hippies llegan a un pequeño pueblo y hacen cosas malas a los vecinos. Un niño trata de detenerlos sirviéndoles pies de carne con sangre de un perro rabioso. El plan fracasa: los hippies comen los pies y se transforman en zombis rabiosos. Se comen a muchos vecinos.
En el transcurso de la película, casi toda extremidad humana que puede ser cercenada, lo es, y frente a las cámaras. Amenazado con clasificarla como X por su violencia, Durston la cortó para que quedara con clasificación R.
"Los cortes eran básicamente escenas de decapitación y cosas como esas", dijo DiBello afablemente el miércoles.
Durston quería titular su película como ‘Blood Phobia’; el título final, endilgado sobre el cartel por un distribuidor, lo hizo sentirse humillado, dijo DiBello. Pero quizás el título era el secreto del poder de la película -sobre todo porque ‘Me bebo tu sangre’ se proyectaba habitualmente con ‘I Eat Your Skin’, que fue retitulada especialmente para la ocasión. (Escrita y dirigida por Del Tenney, ‘I Eat Your Skin’ se estrenó en 1964 como ‘Zombies’ y ‘Voodoo Blood Bath’).
Pocos diarios tradicionales reseñaron ‘Me bebo tu sangre’. Sin embargo, el New York Times elogió una película posterior de Durston, ‘Estigma’ [Stigma] (1972), un drama sobre las enfermedades venéreas. La película contó con el papel principal de un joven Philip Michael Thomas, mejor conocido posteriormente por su papel como el detective Ricardo Tubbs en la serie de televisión ‘Corrupción en Miami’ [Miami Vice].
En su reseña de ‘Estigma’ en el Times, Howard Thompson la definió "no como un sermón espeluznante sino un melodrama de un chispeante suspense".

David Edward Durston nació en Pensilvania el 10 de septiembre de 1921. Empezó su carrera como actor en teatros regionales; mientras servía en la Segunda Guerra Mundial apareció en ‘Cita en los cielos’ [Winged Victory], el drama de Moss Hart para la Fuerza Aérea del Ejército, que se representó en Broadway de 1943 a 1944.
En los años cincuenta Durston fue productor asociado del programa de televisión ‘Your Hit Parade’. También escribió guiones para la temprana antología de ciencia ficción, ‘Tales of Tomorrow’ y otras series.
Entre las otras películas de Durston como guionista y director se encuentran ‘Felicia’ (1964), ‘The Love Statue’ (1965) y ‘The Blue Sextet’ (1971). También dirigió varias películas pornográficas gay. En sus últimos años trabajó como director autónomo y profesor de guiones.
Un breve y temprano matrimonio de Durston terminó en divorcio. DiBello, actor y productor conocido profesionalmente como Jack Damon, es su único sobreviviente inmediato.
Hace unos años, la distribuidora Grindhouse Releasing publicó en DVD la versión íntegra de ‘Me bebo tu sangre’ de Durston. La película no censurada es apenas algo diferente a la intervenida.

29 de mayo de 2010
22 de mayo de 2010
©new york times 
cc traducción mQh

Murió Adele Mara


Actriz de cine y televisión. Entre las películas que hizo se encuentran ‘Cartas desde Iwo Jima’ y las series de televisión ‘Maverick’ y ‘Setenta y siete’.
Murió por causas naturales el viernes en su casa en Pacific Palisades, Adele Mara, actriz de cine y televisión cuyos papeles más conocidos incluyen la película ‘Cartas desde Iwo Jima’ [Sands of Iwo Jima], de 1949, con John Wayne. Tenía 87 años.

Nacida como Adelaide Delgado el 23 de abril de 1923 en Highland Park, Michigan, empezó a bailar de joven y fue descubierta por el director de banda Xavier Cugat.
Se mudó con sus padres a Filadelfia para bailar en la banda de Cugat, luego se mudó a Hollywood y empezó a trabajar en cine en los años cuarenta.
Entre otras de sus películas se incluyen ‘La dama azul’ [Angel in Exile] en 1948 y películas con Roy Rogers y Gene Autry.
En 1953 se casó con Roy Huggins, escritor y productor que creó éxitos de televisión como ‘Setenta y siete’ [77 Sunset Strip], ‘Maverick’ y ‘El fugitivo’ [The Fugitive].
"Mi padre la sacaba de su retiro para que apareciera en sus programas de televisión", dijo su hijo John Huggins.
Su trabajo en televisión incluye papeles en ‘Maverick’, de 1958 a 1960, y ‘Setenta y siete’, de 1959 a 1960.
Roy Huggins murió en 2002.
Le sobreviven sus hijos James y Thomas Huggins y seis nietos.

16 de mayo de 2010
13 de mayo de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh