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pan y cine y el santo

Murió George Murdock


Actor de carácter que representó a menudo a personajes rudos.


Murió el lunes, de cáncer, en el Providence St. Joseph Medical Center en Burbank el actor de carácter George Murdock, que tuvo un rol recurrente como el teniente Scanlon en la comedia de televisión ‘Vida y milagros del capitán Miller’ [Barney Miller] y fue Dios en la película ‘Viaje a las estrellas 5: la última frontera’ [Star Trek V: The Final Frontier] de 1989 –informó su estrecha amiga y actriz Jennifer Rhodes. Tenía 81 años.
Los marcados rasgos faciales de Murdock y su vozarrón le ayudaron a conseguir una estable oferta de roles rudos en el teatro y cine y en producciones de televisión. Cuando se le preguntó si le molestaba que fuera encasillado, el actor dijo a un periodista del Times en 1982: “Conseguir trabajo es importante. A quién le importa de dónde viene”.
Nativo de Kansas, Murdock estuvo en el reparto original del Melrose Theatre de Los Ángeles, actuando en ‘Lester Sims Retires Tomorrow’ y durante su periodo  en off-Broadway a principio de los años ochenta. Apareció en numerosas producciones del South Coast Repertory, del Los Angeles Theater Center y del Odyssey Theatre, donde se originó el rol del juez Julius Hoffman en ‘The Chicago Conspiracy Trial’ en 1979.
Murdock tuvo decenas de roles en series de televisión, empezando a principio de los años sesenta en ‘La dimensión desconocida’ [Twilight Zone] y ‘Los intocables’ [The Untouchables] y en décadas posteriores en ‘Ladrón sin destino’ [It Takes a Thief], ‘Bonanza’, ‘Audacia es el juego’ [The Name of the Game], ‘Ironside’, ‘Galáctica: estrella de combate’ [Battlestar Galactica], ‘Juzgado de guardia’ [Night Court], ‘Star Trek: la nueva generación’ [Star Trek: The Next Generation], ‘Expediente X’ [The X-Files; Los archivos secretos X; Los expedientes X; Código X], ‘Ley y orden’ [Law & Order] y otras. Además de su papel en ‘Vida y milagros del capitán Miller’, también fue un actor habitual de la serie ‘What a country!’
En el quinto episodio de la serie cinematográfica ‘Viaje a las estrellas’, el personaje de Murdock golpea a Kirk con un relámpago cuando el capitán pregunta: “¿Para qué necesita Dios una nave espacial?”
7 de mayo de 2012
4 de mayo de 2012
©los angeles times
cc traducción c. lísperguer

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Murió Patricia Medina


Actriz británica trabajó en Hollywood en los años cincuenta. Empezó su carrera cinematográfica en su nativa Inglaterra en los años treinta. Llegó a Los Ángeles después de la Segunda Guerra Mundial, para firmar un contrato con los estudios MGM. En 1960 se casó con Joseph Cotten.


[Dennis McLellan] Murió la actriz británica Patricia Medina, cuya carrera en Hollywood como actriz principal en los años cincuenta incluyó la comedia con la mula parlante ‘Mi mula Francis’ [Francis] y la película policial ‘Míster Arkadin’ [Mr. Arkadin], de Orson Welles. Tenía 92 años.
Medina, viuda del actor Joseph Cotten, falleció el sábado en el Barlow Respiratory Hospital de Los Ángeles, informó Meredith Silverbach, una estrecha amiga. No se encontraba bien de salud.
Menuda y morena, la guapa actriz que inició su carrera cinematográfica en Inglaterra a fines de los años treinta estaba casada con el actor Richard Greene cuando llegó a Hollywood después de la Segunda Guerra Mundial.
“Era una mujer despampanante”, dijo Silverbach. "En su juventud la llamaban el rostro más bello de Inglaterra”.
Tras firmar con MGM, Medina fue la actriz principal de películas como ‘Abbott y Costello en la Legión Extranjera’ [Abbott and Costello in the Foreign Legion] (1950), ‘La mansión de Sangaree’ [Sangaree] con Fernando Lamas (1953), ‘Saqueo al sol’ [Plunder of the Sun] con Glenn Ford (1953), ‘La nave de los condenados’ [Botany Bay] con Alan Ladd (1953) y ‘El fantasma de la calle Morgue’ [Phantom of the Rue Morgue] con Karl Malden (1954).
También apareció con Louis Hayward en las películas de aventuras de los años cincuenta ‘La fortuna del capitán Blood’ [Fortunes of Captain Blood], ‘Las Aventuras de Dick Turpin’ [The Lady and the Bandit], ‘La dama de la máscara de hierro’ [Lady in the Iron Mask] y ‘El capitán pirata’ [Captain Pirate; Bandera negra].
Medina y Greece se divorciaron en 1951. En 1960, en una ceremonia en la casa de David O. Selznick y Jennifer Jones, se casó con el viudo Cotten, que había debutado en la clásica de Welles, de 1941, ‘Ciudadano Kane’ [Citizen Kane; El ciudadano].
Trabajaron juntos en varias producciones teatrales, Medina debutó en Broadway en 1962 en ‘Calculated Risk’, con Cotten, que murió en 1994.
“Eran completamente felices”, escribió en 2000 el periodista Vernon Scott, de United Press International Hollywood.
“Medina y Cotten formaban una pareja curiosa”, escribió Scott. “Ella es vivaz y extrovertida. Cotton era un caballero virginiano, tranquilo, considerado”.
“En las numerosas fiestas y eventos de la industria eran inseparables, y se contaban entre las parejas más populares de la ciudad. Representaban la estabilidad en esta comunidad socialmente inestable”.

 

Una de tres hermanas de madre inglesa y padre español, Medina nació en Inglaterra el 19 de julio de 1919, y creció en Stanmore, a una hora de Londres. Pasó varios años en París y hablaba francés, italiano y español fluidamente.
“En Inglaterra casi siempre me contrataban para papeles de personas de origen misterioso, no muy claramente señalado, pero probablemente de algún país europeo”, dijo Medina al Times en 1947. “Aquí decidieron que en mi primera película, ‘Desconfianza’ [The Secret Heart], yo sería una yanqui. En mi segunda película fue definitivamente inglesa. Tengo que confesar que es algo confuso”.
Conoció a Greene cuando trabajaban en el mismo estudio en Inglaterra y se casaron en 1941. Más tarde trabajaron juntos en la comedia romántica ‘El fantasma se arrepiente’ [Don’t Take It to Heart] de 1944 y en la película ‘El capitán O’Flynn’ [The Fighting O’Flynn], de 1949.
Medina, que vivía en Westwood, escribió en 1998 la autobiografía ‘Laid Back in Hollywood’.
No tiene sobrevivientes directos.
4 de mayo de 2012
2 de mayo de 2012
©los angeles tyimes
cc traducción c. lísperguer

Murió Jonathan Frid, el Vampiro Barnabas

Actor. Tuvo un rol clave en ‘Sombras tenebrosas’. Con estudios clásicos, retrató al carismático vampiro Barnabas Collins en el hortera culebrón diurno. Le dio un toque muy gótico y romántico al personaje, dijo el creador de la serie.


[Valerie J. Nelson] Murió Jonathan Frid, actor cuyo retrato del carismático vampiro Barnabas Collins en el culebrón sobrenatural ‘Sombras tenebrosas’ [Dark Shadows] convirtió al actor formado clásicamente en una estrella de la cultura pop a fines de los años sesenta. Tenía 87 años.
Frid murió el 13 de abril, por causas naturales, en un hospital de Hamilton, su ciudad natal en Canadá, informó Jim Pierson, portavoz de Dan Curtis Productions, que produjo ‘Sombras tenebrosas’.
El hortera culebrón diurno llevaba un año de episodios y luchaba por mantenerse en los índices de popularidad en 1967 cuando el creador de la serie, Dan Curtis, aceptó el consejo de su hija de “hacerla más tenebrosa”. Introdujo a Barnabas Collins, y la popularidad remontó.
Curtis quería a Barnabas solamente como un canalla para algunos episodios, pero se dio cuenta pronto de que el isabelino actor “daba al rol una calidad muy gótica y romántica”, dijo Curtis más tarde. Frid siguió en la serie del ABC hasta que se retiró en 1971.
Cuando a Frid le pidieron consejos sobre cómo desarrollar el personaje, dijo: “Hazlo humano. Recuerda que es real, y todo monstruo es humano de un cierto modo”.
La serie cultivó la idea de un vampiro simpático en la cultura popular. ´Sombras tenebrosas’ es considerada como una precursora de las películas de ‘Crepúsculo’ [Twilight] y de series de televisión contemporáneas, como ‘Crónicas vampíricas’ [The Vampire Diaries; El diario de los vampiros; Diario de vampiros] y ‘Sangre fresca’ [True Blood; Sangre verdadera].
“Sin ninguna duda, sin el personaje de Barnabas Collins, no existirían los vampiros de hoy”, dijo Kathryn Leigh Scott, una actriz habitual de ‘Sombras tenebrosas’, de Newark, Nueva Jersey, al Star-Ledger el año pasado.
La teleserie sigue teniendo una devota audiencia, alimentada por proyecciones por cable y video.
Los jóvenes espectadores que componían el corazón de la audiencia son ahora baby boomers envejecidos que mueren de nostalgia por la serie, “observando inevitablemente que acostumbraban a irse a casa, después de la escuela, corriendo” para no perdérsela, de acuerdo al libro ‘The Essential Cult TV Reader’, de 2009.
Uno de ellos era Johnny Depp, que fue Barnabas en el remake de Tim Burton, ‘Sombras tenebrosas’, que llegará este próximo mes a los teatros.
“Jonathan Frid fue la razón por la que acostumbraba a correr a casa a mirar ‘Sombras tenebrosas’. Su elegancia y gracia era toda una inspiración y seguirá siéndolo”, dijo Depp en una declaración en el Times. “Cuando tuve el honor de conocerlo en persona… era tan elegante y mágico como yo lo recordaba”.
El año pasado, Frid viajó a Londres para rodar su último rol en la pantalla, en la película ‘Sombras tenebrosas’.

 

Nacido el 2 de diciembre de 1924, en Hamilton, Frid era el menor de tres hermanos. Le sobrevive un sobrino.
La Segunda Guerra Mundial interrumpió sus estudios en la Universidad McMaster, de Hamilton, y se graduó en 1948, después de servir en la Real Armada de Canadá. Frid asistió a la Real Academia Real de las Artes Dramáticas de Londres al año siguiente y volvió a Canadá a principio de los años cincuenta.
Después de licenciarse como director en la escuela de teatro de la Universidad de Yale en 1957, apareció en numerosas producciones clásicas regionales e itinerantes. A fines de los años cincuenta compartió dos veces el escenario con Katharine Hepburn.
Fue Barnabas Collins en la película ‘Sombras en la oscuridad’ [House of Dark Shadows] (1970), fue el actor principal en el largometraje de Oliver Stone, ‘De infarto’ [Seizure] (1974) y apareció a fines de los ochenta en el revival de ‘Arsenic and Old Lace’, en Broadway.
Aunque Frid lamentaba que la gente siempre “espera ver al vampiro”, empezó a asistir a los congresos sobre ‘Sombras tenebrosas’, pero desarrolló un “teatro para lectores”, una corta presentación que representaba en lugar de responder las “aburridas” preguntas de sus admiradores. Recorrió Estados Unidos con el programa hasta 1994, cuando en lo esencial se retiró y volvió a Canadá.
La popularidad del vampiro que lo hizo famoso intrigaba a Frid, que dijo al Times en 1991: “Creo que hay algo vulnerable en el personaje, si aceptas la idiota premisa de que sales de un ataúd después de 175 años… Me sentía todo el tiempo tan humillado… Quizás había humildad en mi trabajo”.
2 de mayo de 2012
20 de abril de 2012
©los angeles times
cc traducción c. lísperguer

Murió Jamaa Fanaka


Dinámico director negro. Fanaka estaba todavía estudiando en la escuela de cine de la Universidad de California en Los Ángeles cuando escribió, produjo y dirigió ‘Penitenciaría’, que fue a la vez un éxito de crítica y de taquilla. Más tarde luchó contra la discriminación en la industria.


[Dennis McLellan] Murió Jamaa Fanaka, que emergió como un dinámico director negro con su película vehementemente independiente de 1979, ‘Penitenciaría’ [Penitentiary], y llegó a primera plana más tarde por sus denuncias de la discriminación contra mujeres y minorías étnicas en la industria del cine y la televisión. Tenía 69 años.

Fanaka fue encontrado muerto en su departamento en Los Ángeles Sur el domingo, informó su hija Tracey L. Gordon. La causa de su fallecimiento no ha sido determinada, pero dijo que probablemente se debió a complicaciones con su diabetes.
Fanaka, oriundo de Mississippi, estaba todavía inscrito en la academia de cine de la Universidad de California en Los Ángeles  cuando escribió, produjo y dirigió sus tres primeros largometrajes, financiados con subsidios universitarios y fondos de sus padres: ‘Welcome Home, Brother Charles’ (1975), ‘Emma Mae’ (1976) y ‘Penitenciaría’, que fue tanto un éxito de crítica como de taquilla.
En su reseña de ‘Penitenciaría, Kevin Thomas, del Times, escribió que Fanaka “ha tomado uno de los mitos clásicos del cine, el del hombre encarcelado injustamente que lucha por recuperar su libertad con guantes de boxeo, y lo convirtió en una experiencia novedosa y excitante”.
Lo que dice ‘Penitenciaría’, dijo Fanaka al Times en 1980, es que “independientemente de la situación en que uno se encuentre, todos llevamos dentro los medios para triunfar”.
Fanaka escribió, produjo y dirigió dos secuelas de ‘Penitenciaría’, en 1982 y 1987. Su sexta y última película fue ‘Guerras callejeras’ [Street Wars] (1992), una película de acción de bajo presupuesto ambientada en Los Ángeles Sur.
“Es como una historia de adolescentes sobre un chico que trata de decidir si se va a convertir en un gángster o si llevara una vida normal, que era también básicamente la opción de Jamaa”, dijo Jan-Christopher Horak, director del Archivo de Cine y Televisión de la Universidad de California en Los Ángeles.
“Le encantaba contar la historia de cuando dejó la Fuerza Aérea y luego pasó un tiempo en Compton, donde vivía, y un amigo suyo que quería cometer algún delito cuando vio una oficina de inscripción de la UCLA y entró”, dijo Horak.

Fanaka nació como Walter Gordon en Jackson, Mississippi, el 6 de septiembre de 1942, y se mudó a Compton con su familia cuando tenía doce.
Después de su traslado de Compton College a la UCLA, cambió su nombre a Jamaa Fanaka, que se deriva de palabras suajili que quieren decir “juntos encontraremos el éxito”.
Se graduó summa cum laude en la UCLA en 1973 y obtuvo su maestría en la academia de cine en 1979.
Tres de las películas de Fanaka fueron proyectadas el año pasado en ‘L.A. Rebellion: Creating a New Black Cinema’, una serie del Archivo de Cine y Televisión de la UCLA, con películas de ex estudiantes afroamericanos y africanos que habían estudiado en la escuela de cine de la UCLA en los años setenta y principio de los ochenta.
Horak, que fue uno de los curadores de la serie, dijo que las películas de Fanaka son “extremadamente interesantes debido a que navegan un sendero entre básicamente el modo de hacer cine en Hollywood y el cine independiente: de muy bajo presupuesto, pero al mismo tiempo muy cerca de la comunidad. Utilizaba a actores aficionados en roles secundarios y rodaba en la comunidad, y las historias provenían de esa comunidad”.
Una cosa de la que Fanaka “se quejaba un montón era que las películas ‘Penitenciaría’, e incluso películas anteriores, fueron escogidas por un distribuidor de videos y distribuidas como películas de blaxplotation”, dijo Horak.
“No le gustaba el apodo porque decía que aunque estaban hechas como películas de blaxplotation –baratas y todo eso-, su objetivo no era explotar a todo el mundo y que eran un intento más serio que la mayoría de las películas de blaxplotation”.
Fanaka fue el fundador del Directors Guild del America’s African American Steering Committee.
En 1999, la Corte de Apelaciones del Noveno Distrito mantuvo un fallo de la corte de distrito de desechar una demanda de Fanaka por discriminación racial contra la Directors Guild en la que reclamaba que participaba de una “conspiración“ para mantener a mujeres y minorías fuera de la industria.
Y en 2002 el Noveno Circuito mantuvo un fallo de la corte de distrito de desechar una demanda de Fanaka por discriminación racial presentada contra importantes estudios y redes de cine.
Fanaka continuó comprometido fuertemente con el tema, dijo Horak, “y estaba muy comprometido no solamente por sí mismo sino por una generación más joven de afroamericanos tratando de triunfar en la industria”.
Además de su hija Tracey, le sobreviven sus otros hijos: Michael, Katina y Twyla; sus padres, Robert Gordon Sr. y Beatrice; dos hermanos, Robert Jr. y Joseph; una hermana, Carmen Sanford; y nueve nietos.
19 de abril de 2012
4 de abril de 2012
©los angeles times
cc traducción c. lísperguer

Murió Warren Stevens


Solicitado actor de character. 


[Dennis Hevesi] Murió el martes en su casa en Sherman Oaks, California, el actor Warren Stevens –un larguirucho cara cuadrada con el pelo negro peinado hacia atrás  y una voz ronca-, cuyo rostro devendría familiar en sus más de cien roles para cine y televisión durante seis décadas. Tenía 92 años.

La causa fue una enfermedad pulmonar crónica, iInformó su publicista, Dale Olson.
Stevens, que dejó sus primeras huellas en Broadway en los años cuarenta, se convirtió en una versátil y omnipresente presencia  en la televisión en los años cincuenta. Representó a tres personajes diferentes en episodios de ‘Revólver a la orden’ [Have Gun, Will Travel] entre 1957 y 1963; tres personajes diferentes en ‘Viaje al fondo del mar’ [Voyage to the Bottom of the Sea] entre 1965 y 1967; cuatro personajes en ‘Bonanza’ entre 1965 y 1970; y cuatro en ‘Ironside’ entre 1967 y 1975.
Aunque Steven apareció en decenas de series de televisión, quizás su rol más conocido lo tuvo en la película clásica de ciencia ficción, ‘Planeta prohibido’ [Forbidden Planet]. En esta fue el desgraciado Doc Ostrow, que perece a manos a una misteriosa fuerza en el planeta Altair IV, a dieciséis años luz de la Tierra, después de que su nave espacial llegara a investigar una colonia perdida hacía mucho.
En 1952 fue actor secundario como periodista en la película ‘El cuarto poder’ [Deadline, U.S.A.], en la que Humphrey Bogart es el editor jefe de un diario en la gran ciudad que trata de convencer a sus dueños contra su venta simplemente para liberar una parte de su capital. Stevens fue uno de los actores del reparto que ofrecieron actuaciones “conspicuamente sabrosas y buenas”, escribió Bosley Crowther en el New York Times.
Entre sus más de cuarenta películas, Stevens también tuvo roles en ‘La condesa descalza’ [The Barefoot Contessa], ‘Traición y olvido’ [Gunpoint], ‘Brigada homicida’ [Madigan], ‘Cielo rojo de Montana’ [Red Skies of Montana] y ‘El genio se divierte’ [Mr. Belvedere Rings the Bell].
Entre sus más de sesenta roles en televisión en el curso de los años se incluye apariciones (y a veces roles recurrentes) en ‘Regreso a Payton Place’ [Return to Payton Place], ‘La dimensión desconocida’ [The Twilight Zone], ‘M*A*S*H’, ‘Látigo’ [Rawhide], ‘El agente de CIPOL’ [The Man From U.N.C.L.E.] y ‘La ley del revólver’ [Gunsmoke].
En los últimos años apareció con Lou Diamond Phillips, Ernest Borgnine y Lee Majors en la película de vaqueros de 2004, ‘The Trail to Hope Rose’ en el Hallmark Channel y en un episodio de ‘ER’ en 2006.

Warren Albert Stevens nació el 2 de noviembre de 1919, en Clarks Summit, Pensilvania. Tras cumplir los años, empezó a actuar en teatro de verano en Virginia.
Después de servir como piloto en las Fuerza Aéreas del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, llegó a Nueva York y se incorporó al Actors Studio. Pronto consiguió roles en ‘Galileo’, ‘Sundown Beach’ y ‘The Smile of the World’ en Broadway y en radioteatros, incluyendo ‘The Aldrich Family’.
Su oportunidad llegó en 1949 en la producción en Broadway de ‘Detective Story’, de Sidney Kingsley, un descarnado relato sobre el funcionamiento interno de una comisaría de policía en Nueva York con Ralph Bellamy. Brooks Atkinson escribió en el Times que “como un joven decente horrorizado porque se ha convertido en un delincuente común, Warren Stevens ofrece un fina y contenida actuación”. Esa actuación le condujo a un contrato con 20th Century Fox.
Le sobreviven su esposa durante 43 años, Barbara Fletcher, y sus dos hijos, Adam y Mathew; y un hijo –Laurence- de su matrimonio previo con Susan Huntington.
16 de abril de 2012
30 de marzo de 2012
©new york times
cc traducción c. lísperguer

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Murió Pierre Schoendoerffer


Director de cine francés.


[Douglas Martin] Murió el miércoles en un hospital cerca de París el célebre director de cine y novelista francés cuya experiencia como prisionero de guerra durante la Guerra de Indochina nutrió su búsqueda cinematográfica de la significación, e incluso belleza, con las dificultades de aquellos que luchaban. Tenía 83 años.
Su familia anunció su muerte, pero no indicó la causa.
Entre los muchos galardones de Schoendoerffer se encuentran un Oscar y un importante premio en el Festival de Cine de Cannes. Sus novelas también fueron aclamadas, ganando una de ellas el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa en 1976 por ‘El cangrejo tambor’ [Le crabe-tambour; The Drummer Crab; El tamborilero], que adaptó para el cine al año siguiente.
En una declaración, el presidente francés Nicolás Sarkozy definió a Schoendoerffer como una “leyenda” del cine francés.
Schoendoerffer era un romántico empedernido y a veces los críticos cuestionaron la fotografía de sus películas por encontrarla demasiado exuberante –alguien la llamó “preciosa”- para conllevar la tristeza esencial de la guerra. Abandonó los estudios en la secundaria y se dedicó a viajar como marinero en un buque mercante sueco para ver si realmente el planeta era redondo, según explicó. De joven se inspiró en las novelas de Joseph Conrad, Herman Melville y Robert Louis Stevenson y adquirió una pasión por las películas americanas de acción.
Pese a que había cumplido con sus obligaciones militares, se ofreció voluntariamente como camarógrafo del ejército francés cuando Francia luchaba por mantener a Vietnam como colonia. Después de tres años y miles de metros de metraje, fue herido en combate e internado en un hospital de Saigón.
Una vez que se recuperó, se las arregló para conseguir permiso para lanzarse en paracaídas sobre Dien Bien Phu, donde una prolongada batalla contra el Vietmin terminaría con la derrota de Francia el 7 de mayo de 1954. Fue capturado, amenazado con ser ejecutado y luego obligado a caminar durante cientos de kilómetros en dirección a un campo de prisioneros, donde pasó cuatro meses. Resistió, dijo, por las palabras de su madre: Disfrutaba mucho de la vida como para morir, le dijo.
La Guerra de Indochina se convirtió en una ventaja para las películas de Schoendoerffer. “La tierra de Indochina todavía se aferra a mi alma”, dijo en 1994, “del mismo modo que el lodo de las trincheras se pegaba a mis botas”.
Su primera película sobre la guerra, ‘El pelotón 317’ [The 317th Platoon] (1965), se basó en su novela del mismo título que gira sobre la historia de un grupo de soldados franceses y sus aliados laosianos avanzando por la selva. Escrita y dirigida por Schoendoerffer y con Jacques Perrin en el rol estelar (que también apareció en muchas películas de Schoendoerffer), ganó el premio al mejor guión en Cannes.
En 1967 se interesó en la guerra estadounidense en Vietnam y en el documental con ‘El pelotón de Anderson’ [The Anderson Platoon], que llevó la crónica de seis semanas en las que estuvo incrustado en una unidad de combate estadounidense. Producido para la televisión francesa, también fue proyectado en CBS. El Guardian de Londres lo elogió “por mostrar las cosas como realmente eran desde la perspectiva de los gruñones”, utilizando el habla militar para referirse a los infantes de marina. Ganó el Oscar al mejor documental.
Su adaptación de su novela ‘El cangrejo tambor’ recibió las reseñas más críticas. Esa película, estrenada con el mismo título en 1977, gira sobre las aventuras náuticas de su misterioso personaje central, un rubio y guapo alsaciano llamado Willsdorff (Perrin), que pasó tres años en un campo de prisioneros vietnamita. Esa película empieza después de la caída de Dien Bien Phu en una lancha en el río Mekong con Willsdorff, mimando a un enorme gato negro con ojos amarillos.
Vincent Canby, en el New York Times, saludó la película como “una de las películas de aventuras más bellas que ha aparecido en años”, definiéndola como “una construcción de mitos de la especie más estimulante” en el espíritu de ‘Lord Jim’, de Conrad.
Quince años más tarde, en su magnífica ‘Dien Bien Phu’, Schoendoerffer recreó la última posición de Francia en Indochina mediante la historia de un corresponsal estadounidense empantanado en una batalla. La película fue rodada en una zona militar vietnamita con la ayuda de personal militar y equipos vietnamitas y franceses. Schoendoerffer rechazó la idea de rodar en el mismo campo de batalla, definiéndolo como “sagrado” y diciendo no quería destruir de nuevo sus arrozales.
La película de Schoendoerffer de 2003, ‘Por encima de las nubes’ [Above the Clouds], una policial basada en su novela ‘Up There’, gira nuevamente sobre la guerra e integra metraje actual siguiendo a una joven periodista francesa que investiga la desaparición de un cineasta en Tailandia.
A Schoendoerffer, que nació el 5 de mayo de 1928, en Chamalières, en el centro de Francia, le sobreviven su esposa, Patricia; sus hijos Frederic y Ludovic; y su hija Amélie Schoendoerffer. Fue vicepresidente de la Academia de Bellas Artes, una sociedad académica.
De vez en vez se apartaba de Vietnam. En 1982 hizo ‘El honor del capitán’ [A Captain’s Honor], en la que un historiador acusa públicamente a un capitán muerto de haber sido un torturador en la Guerra de Argelia para obtener su independencia de Francia, de 1954 a 1962.
Algunos críticos consideraron la película como una visión de extrema derecha de la guerra. Pero Schoendoerffer, que fue periodista y fotógrafo en Argelia, respondió que la película describía con precisión las ambigüedades de la guerra, y negó tener motivos políticos.
“No soy un hombre fácil”, dijo en una entrevista con el International Herald Tribune en 2004. “Pero soy fuerte y camino con la cabeza en alto porque soy un sobreviviente”.
14 de abril de 2012
14 de marzo de 2012
©new york times
cc traducción c. lísperguer

Murió Ulu Grosbard


Director de cine y teatro. Fue nominado a varios Tony. Grosbard era conocido por elegir cuidadosamente sus proyectos. Se hizo famoso con su película ‘Confesiones verdaderas’, de 1981, y fue nominado al Premio Tony por su ‘El tema eran las rosas’ y ‘American Buffalo’.


Murió el domingo tarde, o el lunes temprano, en Nueva York, el director de teatro y cine Ulu Grosbard, nominado a un Tony en varias ocasiones, que dirigió películas como ‘Confesiones verdaderas’ [True Confessions] y ‘En lo profundo del océano’ [The Deep End of the Ocean], informó su familia. Tenía 83 años.
Durante una carrera de cinco décadas, Grosbard se hizo conocido por elegir cuidadosamente sus proyectos, que resultaron en una producción relativamente pequeña pero notable de cerca de ocho piezas de teatro y siete películas.
En Broadway estuvo asociado con renombrados dramaturgos como Arthur Miller (‘El precio’; ‘The Price’), Woody Allen (‘La bombilla que flota’; ‘The Floating Light Bulb’) y Beth Henley (‘The Wake of Jamey Foster’). En 1965 fue nominado a un Tony por ‘El tema eran las rosas’ [The Subject Was Roses], el drama con el que Frank D. Gilroy obtuvo el Premio Pulitzer, sobre los problemas de una soldado que vuelve de la Segunda Guerra Mundial, y por ‘American Buffalo’, de David Mamet, 1977, sobre una pareja de presidiarios y su malogrado complot.
En películas, dirigió a algunos de los más respetados actores de Hollywood, incluyendo a Robert Duvall, Robert DeNiro, Meryl Streep y Dustin Hoffman. Duvall fue su favorito: después de conocer a Grosbard a principio de los años cincuenta cuando eran jóvenes actores en un repertorio de verano en Long Island, los dos trabajaron en ‘Panorama desde el puente’ [A View From the Bridge], 1965, dirigida por Grosbard, que les significó un Obie para cada uno. Más tarde Duvall fue el actor principal de ‘American Buffalo’, en 1977, y ‘Confesiones verdaderas’, la adaptación al cine de 1981 de la novela de John Gregory Dunne, en la que también aparecieron DeNiro y la esposa de Grosbard, Rose Gregorio. Ella es su única sobreviviente directa.
Le atraían los proyectos que giraban sobre relaciones familiares complejas. ‘Confesiones verdaderas’, por ejemplo, se concentraba en dos hermanos completamente diferentes: un sacerdote católico (DeNiro) y un detective de la policía de Los Ángeles (Duvall) que investiga un homicidio que podría implicar a la iglesia. En una reseña muy favorable, el crítico del New York Times, Vincent Canby, dijo que el largometraje fue “una de las películas comerciales estadounidenses más entretenidas, inteligentes y satisfactorias en mucho tiempo” y estableció a Grosbard como un “importante director estadounidense”.
Similarmente, ‘En lo profundo del océano’ (1999), basada en la exitosa novela de Jacquelyn Mitchard y con Michelle Pfeiffer y Treat Williams en los roles estelares, exploraba a una familia destruida por un secuestro.
“Supongo que estaba fascinado por el hecho de que pueden surgir circunstancias que amenacen los vínculos, lo que de hecho parece acero es un hilo muy, muy fino que se puede romper fácilmente”, dijo Grosbard al Milwaukee Journal Sentinel en 1999.
El director especulaba que su interés en la fragilidad de los vínculos familiares se derivaba de sus experiencias como un niño que creció durante la Segunda Guerra Mundial. Nacido el 9 de enero de 1929, en Amberes, Bélgica, tenía doce cuando su país fue invadido por el ejército alemán. Huyó con su familia a Cuba, donde se quedaron durante seis años hasta que pudieron emigrar a Estados Unidos en 1946.
Se licenció en bellas artes en la Universidad de Chicago y estudió teatro durante un año en la Escuela de Teatro de la Universidad de Yale en 1952.
Sirvió en el ejército a fines de la Guerra de Corea antes de trabajar como director. Fue asistente de varios distinguidos directores, entre ellos Elia Kazan, en ‘Esplendor en la hierba’ [Splendor in the Grass]; Sidney Lumet, en ‘El prestamista’ [The Pawnbroker], y Arthur Penn, en ‘El milagro de Anna Sullivan’ [The Miracle Worker; La maestra milagrosa; Ana de los milagros].
10 de abril de 2012
22 de marzo de 2012
©los angeles times 
cc traducción c. lísperguer

Murió Tonino Guerra


Célebre guionista italiano. El prolífico autor colaboró con muchos de los más destacados cineastas europeos de la Europa de posguerra, incluyendo a Fellini y Antonioni. Compartió tres nominaciones al Oscar.


Dennis McLellan] Murió Tonino Guerra, el renombrado guionista italiano que colaboró con Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y otros grandes del cine italiano e internacional en películas como ‘Amarcord’, de Fellini, y ´La aventura’ [L’avventura] y ‘Blow-Up’, de Antonioni. Tenía 92 años.
Guerra falleció el miércoles en su casa en Santarcangelo di Romagna, en el norte de Italia, de acuerdo a un anuncio en la página web de la Asociación Cultural Tonino Guerra.
Poeta, novelista y ex maestro, Guerra empezó en la Roma de los años cincuenta su carrera como guionista. Compartió tres nominaciones al Oscar de la Academia: en 1966 con el director de ‘Casanova’, de Mario Monicelli; en 1967 por ‘Blow-Up’; y en 1976 por ‘Amarcord’.
“Creo que es uno de los más importantes escritores de nuestra época cuyo medio es el guión”, dijo Howard A. Rodman, vicepresidente del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos, Oeste, y profesor de la Escuela de Artes Cinemáticas de la Universidad de Carolina del Sur. “Colaboró con muchos de los grandes directores de su época… y su trabajo con ellos es el trabajo revolucionario y significativo que asociamos con ellos”, dijo Rodman.
“Cuando piensas en el cine europeo moderno, el cine que cambió el modo en que pensamos sobre las películas, que inspiró las glorias del cine estadounidense de los años setenta y en el cine en todo el mundo, es sorprendente descubrir que muchas de esas películas fueron escritas por Tonino Guerra.
Entre  las decenas de películas que escribió solo o en colaboración se encuentran ‘La noche’ [La notte], ‘El eclipse’ [L’ eclisse], ‘El desierto rojo’ [Red Desert] y ‘Zabriskie Point’ para Antonioni; ‘Ginger y Fred’ [Ginger and Fred]y ‘Y la nave va’ [And the Ship Sails On; E la nave va] para Fellini; ‘Nostalgia’, para Andrei Tarkovsky; ‘Paisaje en la niebla’ [Landscape in the Mist], para Theo Angelopoulos, y ‘Excelentísimos cadáveres’ [Illustrious Corpses], para Francesco Rosi.
En 2011, el frecuentemente galardonado Guerra recibió el premio del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos Oeste, el Jean Renoir Award for Screenwriting Achievement [Premio Jean Renoir para Guionistas]. El premio se otorga a un escritor internacional que ha fomentado los guiones de cine y hecho importantes contribuciones a la profesión de guionista.

 

Hijo de un padre pescador/pescadero y una madre analfabeta a la que más tarde enseñó a leer y escribir, Guerra nació el 16 de marzo de 1920, en Santarcangelo di Romagna.
Empezó a componer poemas verbales en dialecto cuando fue internado como prisionero en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial y publicó su primera antología ‘I Scarabocc’ (Scribblings) en 1946.
Después de licenciarse en la Universidad de Urbino con una tesina sobre la poesía dialectal, enseñó en una escuela secundaria antes de mudarse a Roma en 1953.
Empezó su carrera como guionista con el director Giuseppe de Santis, en la película ‘Hombres y lobos’ [Men and Wolfes], de 1956, escrita en colaboración con Elio Petri.
Su prolongada colaboración con Antonioni empezó con ‘La aventura’, la importante película de 1960 que significó renombre mundial para su director, que escribió el guión con Guerra y Elio Bartolini.
“Antonioni encontró una veta en la exploración del sentimiento de alienación en un mundo cada vez más impersonal e industrializado”, dijo el columnista de cine Kevin Thomas, antiguamente del Times. “Sin duda, Tonino Guerra fue un importante contribuidor a obras maestras de Antonioni, un colaborador que permitió que Antonioni expresara su particular visión”.
En el prefacio a sus guiones publicados, Antonioni dijo que él y Guerra “tenemos largas y violentas discusiones… y eso lo hace todavía más servicial”.
Sobre su colaboración con Guerra, Angelopoulos dijo una vez: “Tonino ha sido mi psicoanalista durante veinte años”.
Guerra, que trabajó con directores estadounidenses, griegos y rusos, dijo en una entrevista con NPR en 1993, que cada uno de esos directores le había hecho tomar conciencia de aspectos diferentes de sí mismo.
“Fellini está siempre inmerso en su infancia, en sus orígenes, en sus memorias”, dijo. “Proveniente de Rímini, que está cerca de mi propio pueblo natal, me obligó a pensar en mi pueblo, a revisar mis propios recuerdos, mi propia infancia”.
“Tarkovsky, con sus problemas religiosos, su preocupación con su espiritualidad, hizo surgir en mí mis propias dudas espirituales. Rosi, con su meticulosa atención a los detalles de la vida cotidiana, me hizo pensar en lo que estaba pasando, en lo que estaba pasando debajo de mis pies, frente a mis ojos, los más mínimos detalles”.
La transición de Guerra de poeta a guionista fue espontánea.
“Mis poemas eran esencialmente imágenes”, dijo una vez. “Tenían el cine dentro antes de que yo empezara a trabajar con guiones”.
Rodman observó: “Durante el gran florecimiento del cine europeo después de la Segunda Guerra Mundial, fue su poeta y su faro. Creo que se dio cuenta de que podía poner en palabras e imágenes muchos de los grandes temas y sensibilidades de los mejores directores del mundo”.
Le sobreviven su segunda esposa, Lora; y su hijo, Andrea, compositor de cine y televisión.
10 de abril de 2012
24 de marzo de 2012
©los angeles times
cc traducción c. lísperguer

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